SDV Sonidos de Verdad

Progmas

2011-12-04T16:12:00.001-03:00

Un gran saludo navideño les envía Sonidos de Verdad en estas fiestas!

Steven Wilson - "Grace For Drawing" (2011)

2011-10-08T18:39:00.003-03:00

Una maravilla de disco por donde se le analize, ricas texturas,

precisión sonora e instrumental, todo calsa a la perfección; jazz,

rock, la sinfonica de Londres y sus coros, sounscapes y lírica de SW,

todo bellisimo.

Comienza introduciendote en su lado mas introvertido con sensasiones

de paz y espiritualidad muy blancas en sus primer tema y el tercero,

de igual nombre que el primer CD: "Deform to Form a Star" , con su

dejo de pena y mucha gratitud, que de seguro evocan a la desaparición

de su padre. En el segundo ya te muestra el espectro krimsoniano que

pretende y que eleva a cimas brillantes mas adelante. Luego comienza

paso a paso a meterse en intrincadas facetas, el comienzo de "No Part

Of Me" me recuerda programaciones exploradas por Massive Attack en su

4 disco, lo cual indica esta arriesgada busqueda de texturas y

experimentación que busca el disco, genial. El quinto tema es mas PT

Incident o mas bien Blackfield (calsaria perfect en su último disco),

gran y elevador arreglos orquestales y coro, pero es un tema que

podria haber seguido la secuencia algo mas arriesgada del disco, un

lapsus que en si, no es malo, pero...... Luego llega a "Raider

Prelude" que te apaga la luz y te lanza al sótano y su lado mas

oscuro, preparandote para el final magnifico del CD1, "Remainder the

Black Dog", que tremendo tema, las tiene todas, pasajes ambient,

jazzisticos, rock psicodelico, locura, uuuuffff!!!!!!!! la lleva. Y

mucho más que diseccionar para menos 40m de música, eso ya te señala

la genialidad del disco.

El segundo disco comienza con maravillosos arreglos acusticos de

cuerdas, "Belle De Jour", bellisima. Luego vuelve el trip-prog como ya

me he decido a llamarle por su influencia ya mencionada, "Track One"

es como un viaje por la mitad de la calle, bajo la lluvia, herido y en

busca de una razon para seguir, tremenda. "Index" llega y te rescata

sólo para decirte que "si buscas el infierno, quédate, lo tienes

frente a tus ojos, enfrentalo", poderosa y que en su parte mas

dramática recuerda a algun tema de "Insurgentes", y de fin casi

espiritual.

Con "Raider II" me quedo sin palabras, cualquiera cosa que se diga

sería poco, cada vez que la escucho encuentro nuevos matices, hasta

una vos de ultratumba por ahí por lo 4´ justo antes de la entrada de

la flauta siempre gentil de T.Travis, el tema es grandilocuente que

termina con relajo sin dejar de intrigar.

"Like Dust I Have Cleared From My Eye" te aterriza, vuelve a poner en

manifiesto las buenas experiencias de la vida; la naturaleza, la

familia, los amigos y el disfrutar del dia a dia que muchas veces se

nubla por cierto polvo que dificulta la visión real de las cosas, es

un estado de gracia que cuesta encontrar, y que talvés expuesto a

situaciones límites aparece con claridad.

Review de nuestro amigo Transmission!

Los links en los comentarios ;)

Un par de videos...

2011-09-25T22:16:00.000-03:00

Bajo el sello de Roadrunner Records se han publicado los videos oficiales de los singles de los nuevos discos de Dream Theater y Opeth.

Sin tanto palabreo, aquí están :)

Dream Theater - "On The Backs Of Angels"

Opeth - "The Devil's Orchard"

Riverside - "Memories In My Head" (2011)

2011-09-10T15:56:00.000-03:00

Vuelven los polacos de Riverside con un EP muy agradable con notorias influencias de Pink Floyd por sobretodo.

Un disco bastante rico en matices que tiene varios elementos interesantes: pasajes hipnóticos con atmósferas volátiles que cambian a riffs poderosos y viceversa, solos pronlongados que recuerdan los viejos -y buenos- tiempos del rock progresivo. Es más relajado para lo que estaba acostumbrado a escuchar de ellos, pero se pasa un buen rato con estos poco menos de 35 minutos de música.

Lo importante es que continúan metiendo su sonido menor armónico característico que los hacen distinguibles entre la inmensa variedad que, agradecidamente, contamos y de los que espero seguir escuchando mucho más.

Recomendado, al igual que sus trabajos anteriores.

Todo lo demás en los comentarios =)

Dream Theater - A Dramatic Turn of Events (2011)

2011-09-07T21:40:00.002-03:00

Será raro para mí escribir esta reseña, ya que no soy fan de Dream Theater, de hecho, en algún momento de mi vida los odié, cosa que cambió tras el grandioso 6 Degrees chucha han pasado casi diez años!!!. Dream ha sido un grupo trascendente y polémico, qué duda cabe, si hasta en nuestro antiguo foro teníamos un tema especial para debatir si eran héroes o villanos. Y a juicio de muchos de sus admiradores, los últimos tres discos los tenían más cerca de ser villanos, aunque yo no los encontré particularmente condenables -de hecho el Systematic Chaos me gustó bastante- se les criticó repetir una fórmula ya vista, el hacer composiciones demasiado planas en donde el virtuosismo parecía casi un ejercicio mecánico. Más encima parte el que era su pilar visible, su líder Mike Portnoy, que ha gozado por años de un prestigio casi indiscutido como uno de los mejores intérpretes del género.

Dream Theater lanza así este disco, cargado de morbo previo a la llegada de Mangini, y con la curiosidad de ver qué saldría de esta nueva unión. ¿Si se nota el cambio de baterista? Sí, se nota, pero para ser sincero, no sé si lo habría notado si no hubiese sabido del cambio, porque uno de los puntos a favor es que las composiciones no pretenden demostrarnos el virtuosismo y distinción del recién llegado -como a mi juicio ocurrió cuando llegó Rudess- sino que suenan íntegras, y también bastante más acotadas a lo que venían haciendo en los últimos 5 años. No es que sean más simples, o que se hayan guardado el virtuosismo, los compases compuestos, o las armonizaciones disonantes, para nada, acá vemos que prima la idea de retomar ese formato de "canción enriquecida" que los hizo conocidos en los 90, y que en los últimos años sin haber desaparecido, sí parecía demasiado forzado.

Es un disco que he disfrutado bastante, quizá el que más me ha gustado desde el 2002, lo que en la apreciación personal que tengo de Dream es harto.

Estoy seguro que como siempre, este disco será tema de conversación entre melómanos, sacará debates, y generará sentimientos encontrados. Mal que mal, no se puede desconcoer que ha sido la banda puntal del género en los últimos 15 años, y que muchos no sabrían que existe el maravilloso rock progresivo de no ser por ellos. Y a usted, ¿le gustó?

Décima Sinfonía en Mi bemol, de Ludwig van Beethoven

2011-07-28T02:12:00.002-04:00

Leyó bien, y no estoy borracho, efectivamente traigo la "Décima Sinfonía", aunque en estricto rigor, la que podría haber sido. La historia comienza así:

El año pasado mientras era presidente del centro de alumnos de estética, en una de las tantas reuniones con mis amigos del centro de estudiantes de música, en un momento de relajo, nos pusimos a trajinar para ver qué encontrábamos en su oficina. Así dimos con un viejo cajón lleno de cassettes pirateados, desde Gesualdo hasta Boulez, desde Monteverdi a Prokofiev, con una gran colección de obras románticas. El grato hallazgo después de todo era bastante esperable, se trataba probablemente de un viejo acopio de obras paralelo al de la biblioteca, para facilitar el estudio de la comunidad musical del campus. Sin embargo mi mirada se clavó en el rincón, en una caja blanca que decía imponente con letras rojas "Décima Sinfonía de Beethoven", como todo auditor que se presume entrenado, suponía que la última sinfonía compuesta por el monstruo alemán era la novena, y que de hecho había dado inicio a esa superstición que rondó durante el siglo XIX que decía que después de hacer tu novena sinfonía la muerte llegaba presurosa. Pero ahí estaba ese cassette desafiante, lo tomé y grité a viva voz: "¡qué chucha es esta hueá!", no faltó el joven que buscando mi menoscabo dijo "un cassette po wn...", pero al comentarles el contenido, reinó un ambiente de tensión, curiosidad, asombro, escepticismo.

Puede parecer ñoño, aunque espero que el lector de este sitio, como amante de la buena música lo podrá entender, pero imaginen que en una facultad de Literatura encuentran un relato inconcluso de Cervantes, o que en una de Historia descubren una carta de José de San Martín que cambia la versión de la independencia sudamericana. En realidad, algo sabíamos de esa "obra", hace años había leído en algún sitio extranjero en sus noticias de archivo, que se había presentado una propuesta de reconstrucción de una supuesta décima sinfonía, llevada a acabo por un musicólogo llamado Barry Cooper, junto a la orquesta sinfónica de Londres. Y eso era todo. Ningún dato más. Jamás encontré más información, ni siquiera supe que existía una grabación de aquello, por eso el hallazgo de ese raro cassette era prometedor. Para nuestra mala suerte, la renovación tecnológica del campus nos hizo imposible encontrar una radio para escucharlo, así que se mantuvo en su rincón escondido esperando su hora. Cabe mencionar además, que hasta el día de hoy nadie sabe cómo llegó hasta ese cajón.

Y para hacer el cuento corto, el día de hoy mi amigo Ignacio Veillon recordó el misterio pendiente y me fue a buscar el cassette para prestármelo, bajo condición de que lo difundiera, -gracias wn, ¡al fin! :) - y como imaginarán, llegué directo a escucharlo, y aproveché de digitalizarlo. Así que acá les traigo una propuesta de lo que sería el primer movimiento, y un segundo archivo en donde Barry Cooper explica su metodología y realiza un análisis a la "obra", para tratar de convencernos de que efectivamente, estamos escuchando una décima sinfonía de Beethoven. La grabación es de 1988, e interpreta la sinfónica de Londres dirigida por Wyn Morris.

Sobre la pieza, es un andante que se vuelve allegro y luego nuevamente andante, su orquestación me recuerda al adagio del 5º concierto para piano, y su forma se aleja aún más de la sonata, aunque por supuesto no la descarta del todo. Sinceramente, considero muy difícil referirse a una pieza en estas condiciones, aunque en la conferencia Cooper argumenta que lo mismo se ha hecho con el Requiem de Mozart o la 10ª de Mahler, y que la gente lo más bien los acepta, acá estamos hablando de una pieza que se ubicaría justo detrás de las obras más trascendentales de Beethoven, y que a pesar del rigor profesional que sin duda hubo en la recopilación de fragmentos, en el análisis armónico de absolutamente todos los bosquejos que dejó Beethoven, y en la investigación de antecedentes biográficos que dieran pistas de sus intenciones compositivas, lo cierto es que para bien o para mal, la música ocurre en una esfera demasiado variable y compleja: la mente, la razón, las sensaciones, las emociones, la conciencia, por lo que toda reconstrucción tendrá siempre un componente externo, extemporal, que nos obliga a decirnos aguafiestamente "no, esto no es Beethoven".

Haciendo un paralelo con la música popular, sería como escuchar las reversiones que abundan de The Beatles, o esas versiones alternativas que curiosamente aparecen décadas después reclamando originalidad. Que no se malentienda, como amante de los Beatles escucharé con gusto aquellas tomas alternas, o las "nuevas" viejas canciones inéditas del Anthology, pero claramente ya es otra cosa, aunque a fin de cuentas, qué más da, todo lo que escuchamos viene mediado, ya sea por una grabación, por un ingeniero en sonido, por un director, por un intérprete, etc., y he ahí quizá una de las claves sabrosas de la música: que siempre ocurre y que nunca es la misma.

Les dejo entonces este archivo, que nos hace reflexionar sobre la música en nuestra cultura, y quizá a causa de que viene de uno de los referentes máximos de la tradición occidental. Al menos yo, por un momento dejé de pensar y me dejé llevar por la fantasía de que efectivamente, oía el estreno de una nueva sinfonía de Beethoven.

Inna Zhelannaya, vida y obra

2011-07-22T22:28:00.073-04:00

Esta es la fascinante historia de una mujer excepcional, cantante y compositora que lentamente comienza a tener la notoriedad y trascendencia que su obra merece en su país, y esperemos que luego en el resto del mundo. Si es primera vez que lee de ella no se preocupe, es de los pocos occidentales que ha tenido la suerte de encontrarla, y probablemente, de los primeros hispanoparlantes con posibilidad a acceder a su obra y a su historia, así que no lo dude, quédese y disfrute.

Inna Iurevna Zhelannaya nació un 26 de febrero de 1965 en Moscú, en una familia que siempre la relacionó a la música, pues su madre trabajaba como empleada en la sede de un coro escolar, y su padre, ingeniero de la agencia espacial soviética, profesaba una amor profundo a la música popular rusa, siendo así su primera base la música tradicional, que pasados los años se enriquecería con las grandes glorias del progresivo de los 70, como Yes, King Crimson y Genesis. Inna desde niña desarrolló dotes artísticos, fue así como decide tras terminar el colegio estudiar piano, carrera que sin embargo debe dejar para colaborar en la educación de sus hermanos menores. Pero la música no podía estar ausente, y de forma silenciosa Inna comenzaba a colaborar con diferentes bandas del under moscovita, hasta que llegó a conocer a Альянс (Alians: Alianza), banda que daría que hablar.

Alians era la banda liderada por el guitarrista y vocalista Igor Zhuraliov, que con dos discos a su haber: Kukla y Ya Meddlena Uchitsa Jit (ambos del 83), planteaban una especie de pop-new wave, que a pesar de desprolijidades técnicas, lograban una propuesta medianamente interesante que los mantenía vigentes en un público reducido. En el 85 Inna llega a conocerlos y colabora en algunos coros en el disco homónimo del año 1987, que sería el que le daría alguna pequeña figuración mediática a la banda con su single Na Zare, que contaría con un video clip y que se mantiene como canción "del recuerdo" dentro del pop ruso. Pero Inna iría por más, su indudable capacidad musical la lleva a unirse a la banda de forma permanente quedando a cargo de la voz y la guitarra junto a Zhuraliov, y se lanzan a la grabación de un disco sencillamente extraordinario, dando un quiebre radical a lo que la banda era en propuesta musical. Junto a Inna se integrarían los intérpretes en vientos Sergei Starostin y Sergei Klevenski, ambos con un amplio dominio del clarinete, y diversos instrumentos tradicionales euroasiáticos, con experiencia en el jazz y el folklor. Starostin además, había formado el año anterior a la excelente y muy reputada agrupación de jazz-folk "Moscow Art Trio", junto al pianista ucraniano Mijail Alperin, y Arkady Shilkoper en vientos.

Así aparece el año 1991 Сделано в белом (Sdelano v Belom: Hecho de blanco), una verdadera obra maestra que da cuenta de la rica cultura musical de sus integrantes, podemos escuchar danzas caucásicas, alguna vieja reminiscencia ochentera, la orquestación del rock sinfónico, y trazos contrapuntísticos de la tradición coral rusa. Por si fuera poco, se suman como colaboradores Hun Huur Tu, banda en ese entonces emergente de la República de Tuva -que a pesar de la disolusión de la U.R.S.S. se ha mantenido bajo ocupación rusa- dando a conocer el fascinante canto gutural o armónico: técnica por la cual una misma voz puede emitir 2 o más sonidos simultáneos, producto de la estimulación de armónicos relativos a la nota fundamental emitida.

Sdelano v Belom es un disco que aún goza el status de leyenda en europa oriental, llegando a distribuirse además en Alemania, Bélgica y Francia, una joya perdida de la música progresiva que no pierde vigencia. Con Inna Zhelannaya instalada como una de las principales compositoras y voz líder junto a Zhuraliov, la banda consiguió un sonido único que marcaría el futuro de sus protagonistas.

1 - Tolko s Toboi
2- Dalshe, dalshe
3 - Na Vostok
4 - Epitalama
5 - Vozle Tvoei Lubvi
6- Do Samogo neba
7 - Vstante bratia
8 - Smerti net
9 - Deva
10 - Sestra Moia noch
11 - Vsadniki
12 - Tuva I
13 - Tuva II
14 - Tuva III
15 - Ballada o gore

Cuando parecía que la nueva Rusia le entregaba al mundo un nuevo baluarte de la música progresiva, cuando la banda se afiataba y se proyectaba al resto de Europa, lamentablemente deciden separarse. Posiblemente fueron la enorme e inesperada presión, o la dificultad de mantener unida una banda numerosa de orígenes tan diversos, Alians se separaba dejando una vara altísima para todos sus integrantes.

Inna Zhelannaya por supuesto seguiría adelante, por lo que consigue reunir nuevos músicos, juntos a los exAlians Sergei Kalachev en bajo, y Sergei Starostin en vientos, más la colaboración en algunos temas en guitarra de Igor Zhuraliov, para dar forma en 1995 a su album debut como solista: Водоросль (Vodorosl: alga) que consta principalmente de versiónes alternativas de las canciones que compusiera para Alians, más algunas canciones nuevas y algunas adaptaciones de música tradicional rusa.

1. Sestra
2. Tolko s toboi
3. Ballada
4. Dalshe
5. Seroglazi
6. Kolibelnaya
7. Iz-pod svet zarya
8. Ivan
9. Vir-vir
10. Mama
11. Do Samogo Nebo

Tras este disco, se integra otro músico de Hecho de blanco, Sergei Klevenski, además de la llegada del baterista Pavel Timofeev, lo que reorienta al grupo ahora también llamado "Farlanders", hacia una sonoridad más jazzística, incorporando rítmicas más complejas, sin perder la inspiración por la música popular. Así se lanza en 1998 Иноземец (Inozemets: extranjero) que lograría ser distribuido en Alemania, República Checa, Holanda, y también Singapur, llevando a la naciente banda a una breve pero fructífera gira por aquellos países. A título personal recomiendo la potente Naberu Travy obra de Inna, y la bellísima Zerkalo de Kalachev.

1 - Naberu Travy
2 - Letai
3 - Iz-pod Svet Zarya
4 - Pesnya bez Slov
5 - Molchi
6 - Obryadovaya
7 - Blok
8 - Severnye Tantsi
9 - Zerkalo
10 - Cherez Sadik
11 - Seroglazi
12 - Kolybelnaya
13 - Mak

En la gira, se uniría a la banda el percusionista Alexander Cheparukhin, y en el 2000 se edita Moments, disco que recoge actuaciones de Inna & Farlanders en Alemania, en las cuales junto con presentar Inozemets se repasa el trabajo anterior, y se presenta una composición inédita titulada tan solo 7/8 en alusión al compás utilizado, que sin embargo no formó parte de la grabación final, pero que SDV le trae de forma especial :).

1 - Do Samogo Neba
2 - Vir-Vir
3 - Iz-pod Svet Zarya
4 - Tuman
5 - Obryadovaya
6 - Seroglazi
7 - Cherez Sadik
8 - Pod Kievom
9 - Naberu Travy
10 - Sestra
11 - Kolybelnaya
12 - Mak
13 - Bonus SDV: 7/8

Tras este disco sale el excelente baterista Timofeev, y entra Vladimir Zharko, quien a diferencia de su antecesor, no tiene el toque jazzístico pero contribuye a una nueva sonoridad más ligada al folklor. En el 2002 aparece Танцы Теней (Tantsi Tenei: Baile de sombras) un disco mucho menos ambicioso que los anteriores, pero no por ello menos prolijo. Esta vez se privilegia una composición más íntima, "de cámara", y cuenta además con una nueva colaboración de los ahora consagrados Hun Huur Tu en la canción inicial, Raketi (cohetes), tanto en canto como en el Morín Hur, instrumento de cuerda similar al chelo, pero distorsionado por agudos armónicos. También se suma Zhuraliov, a estas alturas colaborador habitual en guitarra eléctrica, ya que las acústicas como siempre corren por cuenta de Inna.

1 - Raketi
2 - Rodnaya Krov
3 - Dorogaya
4 - Tantsi Tenei
5 - Vals
6 - Legko (Blius do menor)
7 - Kolibelnaya onidokomu Serdtsu
8 - Dusha
9 - Novogodinie podarki

Para el 2004 vuelve la búsqueda sonora, para lo que se recluta a Arkadiy Shilkloper del Moscow Art Trio, interpretetando el corno francés, fliscorno y corno alpino (muy similar a la trutruka mapuche). Con la colaboración habitual del mítico Zhuraliov, se lanza Вымыслы (Vymysly: Invenciones), en donde se retoma la raíz rock y jazz, agragando una estridencia ausente hasta entonces. Cabe destacar además los largos segmentos que podrían calificarse de minimalistas, lo que abriría para el futuro caminos insospechados en la música de Inna.

1 - Valentinushka
2 - Dievki
3 - Vymysly
4 - Po Senyam
5 - Ptashechki
6 - Kupalenka
7 - Taniushka
8 - Mariushka
9 - Utki
10 - Rano-rano
11 - Vanya
12 - Perepelushka

Al año siguiente en el marco de la celebración de los 10 años de "Farlanders" o si se prefiere, de la carrera solista de Inna Zhelannaya, se graba el primer DVD con lo más destacado de su discografía. Un registro excelente que será parte de alguna próxima revisión...
Tras este lanzamiento Inna comienza a ganar algo de la esquiva notoriedad que caracteriza su carrera, llegando a participar en diversos festivales de folklor y de vanguardia, llegando a comprartir escenario con uno de sus máximos referentes, el mismísimo Trey Gunn.

Así a través de su incesante búsqueda por nuevos horizontes musicales, llega a conocer a Malerия (del original Малария: Malaria), agrupación electrónica consagrada en la escena rusa, que entre otros había colaborado con los a estas alturas legendarios Hun Huur Tu. Así Inna junto a los cabros de Maleriya decide llevar a cabo un extraño experimento: tomar algunos temas de sus últimos discos y someterlos a la mezcla de Maleriya, dando como resultado 6 nuevas canciones, nunca publicadas, aparecidas solo en una transmisión radial, y bajo el sugerente nombre de "Farlanders v/s Malerия". Si no escuchó la transmisión ni encuentra el podcast en google.ru no se preocupe, SDV se lo trae...

1 - Dievki
2 - Vymysly
3 - Dusha
4 - Rano-rano
5 - Legko
6 - Dorogaya

Tras esta producción, al parecer el "v/s" tuvo un ganador, que sería Maleriya. Así tras 10 años, Inna Zhelannaya se separa de sus fieles colaboradores, conservando a Zharko en batería. Farlanders continuaría tocando reemplazando a Inna por dos cantantes, sin embargo al cabo de un año la banda se disolvería para siempre, terminando así una colaboración grandiosa. Starostin y Klevenski volvieron al jazz, y Zhuraliov tras más de 12 años, reagrupó a Alians para revivir viejas glorias ochenteras.

Pero continuemos con Inna, ya con nueva banda se prepara para su nuevo album, que sería otro giro radical en su carrera. Así llega a inicios del 2006 77Rus, producción que deja ver la veta electrónica de Maleriya, pero ahora al servicio de la canción tradicional rusa y de citas rockeras. Podemos encontrar también algunos elementos de música hindostani, especialmente en el aspecto rítmico. Con esta obra inesperada nos presenta una música cada vez más difícil de etiquetar, y que su autora comienza a definir como prog-folk-sicodelia. Ya en este disco encontramos solamente canciones tradicionales rusas, recopiladas, transcitas y arregladas por Inna, abriendo una nueva faceta de tipo musicológica a su carrera.

1 - Seyu-veyu
2 - Beryoza
3 - Golub
4 - Luchina
5 - Kolibelbaya (bai-bai)
6 - Golubaya Shal
7 - Nie bilu vietru
8 - Mysli
9 - Plylastaya
10 - Tuman
11 - Bratets
12 - Seyu-veyu (remix)
13 - Mar vasil na
14 - Kolybelnaya (remix)

Junto a Maleriya Inna Zhelannaya comienza a adquirir mayor notoriedad en el medio musical moscovita, siendo cada vez más frecuentes sus apariciones en radio y televisión. Así también su inclusión en festivales de música de todo tipo, desde el folklor hasta el jazz, desde el rock progresivo hasta la electrónica, obteniendo en todos los casos buena recepción y crítica.

Pero a Inna le gustan las sorpresas, así es como tras un año de descanso, a inicios del 2008 comienza a aparecer en los principales sitios rusos de piratería una portada con un título y un enlace web. El título era "inna&xmz", siendo xmz un importante dj ruso, y el sitio web, no era más que una dirección de descargas que automáticamente dejaba en el computador del visitante un archivo con 8 pistas sin nombre. más las siguientes imágenes.

En las grabaciones encontramos una electrónica de tipo experimental, en donde la voz es un material sonoro a descomponer y tratar inmisericordemente igual que a filtros y osciladores.

Un mes después, Inna vuelve a sorprender, ahora con Зима (Zima: invierno), un disco en vivo pero que curiosamente presenta material inédito, más la vieja Ivan. Como si no fuera poco el riesgo, Zhelannaya disuelve su anterior formación, retornando Kalachev al bajo, y generando una extraña alineación con:

Sergei Kalachev - bajo
Andrei Romanika - Batería, lira
Arkadi Marto - electrónica, teclado, kalimba
Artem Yakushenko - violín, mandolina
Vladimir Guvatov - ruido

Se invita además especialmente a la joven de 21 años Pelageya Janova, admiradora de Inna y con una promisaria carrera (que ya revisaremos en otra ocasión) para interpretar a dúo los dos temas finales de forma magistral.
1 - Nikto menya ne liubit
2 - Toshno
3 - Pshenitsa
4 - Samosadik
5 - Mysli
6 - Alenushka
7 - Rusalki
8 - Zima
9 - A kto nas
10 - Ivan

Con esta formación Inna continúa su ascenso, siendo invitada por universidades a tocar en sus actividades de extensión, y llegando a compartir escenario con otro grande de la música mundial, el señor Tony Lewin, de quien alcanza a aprender algunas nociones de stick.

Pero al año siguiente esta inquieta mujer volvería a sorprendernos, lanzando un nuevo disco de forma íntegra para descarga gratuita desde su sitio oficial www.inasound.ru, en donde de la anterior formación se mantiene Arkadi Marto, agragándose Genari Dabrentiev en violín y tabla, Oleg Mariajin en saxo, y en donde Inna además de las voces, se hace cargo de la electrónica, del stick y del pífano. Pero este disco cuenta con un invitado realmente de lujo, que es el mismísimo Trey Gunn con su ya conocida Warr guitar. Así el 2009 antes de terminar nos regala КокоН (Kokon: capullo) con 10 arreglos de piezas populares, pero que en la práctica son casi composiciones nuevas, más semejantes a la vanguardia académica y a las variantes más experimentales del rock progresivo. Inna Zhelannaya se vuelve a dar el lujo de superar todo su trabajo previo y ofrecer un album sorprendente, complejo, que además busca mantener vigente un cancionero popular en riesgo de ser olvidado por la vorágine globalizadora. Pero en vez de cerrarse tozudamente, acá el patrimonio se abre para que dialogue de forma selectiva con lo mejor que la modernidad musical puede ofrecer.
1 - Gore
2 - Kopodets
3 - Naya Naya
4 - Molodots
5 - Ty reka
6 - Pyanaya
7 - Pavushka
8 - Rano rano
9 - Kosets
10 - Manechka
11 - Kosets (en vivo)
12 - Kot (en vivo)
13 - Pyanaya (en vivo)

Finalmente, a fines del año recién pasado, Inna vuelve a complacer a sus seguidores poniendo a disposición 7 temas en vivo pertenecientes a los conciertos de presentación de Kokon, en donde se incluyen:

1- Tantsi tenei
2 - Kolybelnaya
3 - Kosets
4 - U kota
5 - Pyanaya
6 - Sokol
7 - Sibemol

Finalizamos así la revisión a la carrera de una compositora e intérprete asombrosa, que se mantiene plenamente vigente con un espíritu musical siempre joven e inquieto. Esperemos que su legado alcance a difundirse como merece y quién sabe, tengamos alguna vez la oportunidad de presenciar su propuesta en vivo. Inna Zhelannaya ha sabido conjugar el apego a la tradición popular de su cultura, con la apertura a la vanguardia y la experimentación. Ha logrado ganarse el respeto de músicos de talla mundial, así como un apoyo transversal en cuanto a audiencia musical. Ahora es vuestro turno de oir y apreciar, a una compositora que de seguro nos seguirá sorprendiendo y continuará superando una trayectoria ya admirable.

Jeff Loomis - "Zero Order Phase" (2008)

2011-04-18T12:56:00.008-03:00

Primer disco solista del guitarrista estadounidense conocido por Nevermore.

Con un perfil totalmente cargado al metal, "Zero Order Phase" es un álbum con riffs poderosos y solos desquiciados de lo más oscuros, cuestión que agradecen los cuellos de los metaleros más avezados, porque gozarán una y otra vez de la fibra más íntima del rock pesado.

Sin embrago, también hay temas que transan una experimentación bastante enriquecedora en cuanto a musicalidad, con pasajes de guitarras acústicas (por ahí se escucha hasta una cita del "Lute Suite N°4" de J.S. Bach), pianos y atmósferas de sintetizadores de las que Loomis saca provecho genial liderando con sus melodías y armonías canalizadas a través de su hermosa Schecter Signature.

Recomendado 100% para los gustosos del metal!

Todo lo demás en los comentarios.

Blotted Science - The Maquinations Of Dementia (2007)

2011-03-10T22:07:00.003-03:00

Éste es uno de esos discos que considero "sólo para valientes" por lo denso y escucharlo completo parece casi un acto heróico. O al menos, es lo que he comprobado con mis cercanos.

Una dosis poderosa de riffs y melodías disonantes con la ejecución maestra de 3 músicos totalmente divorciados del 4/4 y el 6/8 son las que se exhiben de principio a fin en The Maquinations Of Dementia, comandados por el virtuoso Ron Jarzombek (Watchtower y Spastik Ink), con Alex Webster (Cannibal Corpse) en el bajo y en la batería el músico de sesión, Charlie Zeleny.Un trío humilde donde no es difícil imaginar lo caótico y exhuberante del sonar unícrono de sus instrumentos y que nos invita a inhalar aire profundamente y dejarse llevar por esta tormenta de metal (luego de terminar el disco pueden exhalar).

No esperen hacer headbanging más de 8 compases seguidos (en realidad, sí pueden... creo que hay un par de ocasiones en todo el disco jaja), ya que definivitamente estos tipos no crean su música con ese propósito, así que mejor se dedican a gozar de todos los cocococombo-breaker a la mente.

Denle un par de escuchas a este disco, de verdad es muy bueno (aunque no creo que lo escuchen muy seguido), algo rescatarán. Por ejemplo; apréndanse un par de temas y cuando una mujer en una fiesta les diga "Ay! No tienes nada de ritmo!", le pasan al Dj su track preferido de Blotted Science y le hacen un Air Guitar o Air Drums con la pose más True Metal que hayan practicado frente al espejo... Sí, lo más probable es que no la vean nunca más en su vida, pero quedará en ambas mentes ese momento donde vuestra victoria nunca pudo ser más categórica y épica!!! >=D

Que les sirva de ante sala para abrir ese apetito, porque Ron Jarzombek ha dicho en su web oficial que este año tenemos la segunda entrega de Blotted Science!

Todo lo demás, en los comentarios.

Una Fria Noche de Invierno con Joe Satriani

2011-02-21T23:40:00.020-03:00

Quiero compartir la experiencia vivida el 4 de diciembre del 2010. Por casualidades de la vida, en mis vacaciones de diciembre resulta que consultando las carteleras de grupos que se presentaban en Florida me encuentro que el día de mi llegada se presentaba en Pompano Beach Joe Satriani. Wuaooo, que oportunidad para presenciar a este virtuoso en vivo. Cuadré con mi amigo Ernest, un maracucho alemán de pura cepa, rokero que por cosas del destino emigró a Florida, quien confirmó las entradas: Fila 8 puesto 23 y 24, en todo el medio de la mitad del centro. En fin, llegue a Miami, me bajé del avión y luego de unas vueltas turísticas con las Vendettas por los Miamis, nos fuimos al hotel y dejandolas registradas y acomodadas, para esperar a Ernest y dirigirnos al concierto. Luego de pelar la salida de la autopista y extraviarnos en la ruta (nada raro en tierras extrañas), llegamos al Anfiteatro de Pompano Beach, una locación al aire libre donde fuimos víctimas de la inclemencia del tiempo, ya que una hola de frío azotó Florida en los primeros días de diciembre.

Luego de una espera breve, no mas de 30 minutos, mientras terminaba su presentación el telonero, un guitarrista bastante bueno que tocaba una guitarra sin trastes (como si fuese un violín), apareció Satriani, para brindar un concierto de unas 2 horas, paseandose por casi toda su discografía, un total de 22 temas, donde no dejábamos de quedar boquiabiertos con su maestría y la facilidad con que ejecuta. Es un guitarrista dotado de una gran sensibilidad, técnica y facultades extraordinarias que lo han llevado a ser maestro de grandes guitarristas como Steve Vai, Kirk Hammet, Marty Friedman entre otros. Su carisma quedó demostrado, al cautivar como un encantador de serpientes a la audiencia. Interactuando con el público cada 3 temas, logró establecer esa conexión tan importante en estos eventos. Si me preguntan como eran los músicos que lo acompañaban, fácilmente puedo decir que si hubiesen estado escondidos detrás del escenario, el resultado hubiese sido el mismo. Sin duda alguna son excelentes, sobre todo el batero Jeff Campitelli y el bajista Allen Withman. El tecladista Mike Kenealli es bien estudiado y emotivo, mientras que la segunda guitarra Galen Henson hace el trabajo y además es el que cobra, ya que es el Manager del Tour. En un ambiente bien festivo y rokero disfrutamos un concierto festivo lleno de rock ´n roll. Como un recuerdo, al final logramos que un utilero nos pasase el programa, el cual me sirvió de base para preparar una recopilación que les dejo en los comentarios.

Track List
1. Ice 9
2. Hordes of Locusts
3. Flying in a blue dream
4. Light Years Away
5. memories
6. War
7. Premonition
8. Satch Boogie
9. Revelation
10. Pyrrhic Victoria
11. Crystal Planet
12 The Mystical Potato Head Groove Thing
13. Dream Song
14. God is crying
15. Andalusia
16. Littleworth Lane
17. Why
18. Wind in the trees
19. Always with Me, Always with You
20. Big Bad Moon
21. Crowd Chant
22. Summer Song

A continuación incluyo un par de videos (de conciertos anteriores) de dos de los temas del repertorio del programa. El primero es "Flying in a Blue Dream" y el segundo es "Summer Song", tema con que cerró el concierto.

Radiohead - 2011 - The King of Limbs

2011-02-18T11:03:00.002-03:00

Ok. Sabemos que el blog ha estado abandonado por mucho tiempo. Lo tenemos claro. Pero tenemos intenciones de volver con fuerza, como al principio. Y para muestra, un botón. Una verdadera primicia. El nuevo disco de Radiohead, recien salido del horno. ¿Qué tal está? No lo sabemos, aún no lo escuchamos; así de fresco está. Los invitamos a darle una escucha al disco y, entre todos, hacemos la reseña en la sección de comentarios.

Sonidos de Verdad

2011-01-24T11:41:00.004-03:00

Para todos los amigos que nos seguían en nuestro Foro de SDV, y para quienes han sido fieles lectores de nuestro Blog, les contamos que estamos ahora en Google Groups para seguir conectados por la buena música!
Nuestro Blog además comenzará a ser como siempre nuestro espacio para compartir.
Saludos y estamos online!

SDV.

PS: si quieres unirte a SDV Groups, déjanos un comentario con tu correo para ser agregado.
esta información no será publicada en este Blog

La mejor Canción Progresiva de todos los tiempos

2010-02-16T18:03:00.005-03:00

Como ya es costumbre, el Foro de SDV a través de sus usuarios y por una encuesta o votación abierta presenta esta vez lo que consideramos “La mejor Canción Progresiva de todos los tiempos”. De más de 25 variadas canciones progresivas sugeridas el galardón recae en “Echoes de Pink Floyd”.

A modo estadístico los 8 primeros lugares:

1.- Echoes - Pink Floyd

2.- Close to the edge -Yes

3.- Dogs - Pink Floyd

4.- Tarkus - Emerson, lake and palmer

5.- Starless - King Crimson

6.- Lark's tongues in aspic-King Crimson

7.- Thick as a brick-Jethro Tull

8.- 2112-Rush

Una breve reseña de Echoes:

Echoes es una canción del séptimo álbum de la banda británica, editado en 1971, llamado Meddle.
Una obra musical que incluye largos pasajes instrumentales, efectos de sonido, improvisaciones y una letra que lleva al auditor a un ambiente subacuático donde “todo es verde y submarino”.
Escrita por los cuatro miembros de la banda con una duración de 23 minutos y medio ocupaba todo el lado B del disco de vinilo original.
Está ampliamente considerada como una de las composiciones más ambiciosas y musicalmente variadas de la banda. Pieza musical fundamental del álbum que marcaba un cambio con respecto a sus discos anteriores (cuyos géneros predominantes eran el rock psicodélico y el sinfónico) dando paso al rock progresivo, la base para sus siguientes trabajos.

La letra: (traducción libre de quien escribe)

Por encima el albatros
se mantiene inmóvil en el aire
y en la profundidad bajo las onduladas olas
en laberintos de cuevas de coral
el eco de un tiempo distante
viene envolviendo a través de la arena
y todo es verde y submarino.
Y nadie nos mostró la superficie
y nadie sabe el dónde o el por qué.
Algo se agita y algo intenta
comenzar a subir hacia la luz

Extraños paseando en la calle
por casualidad dos miradas separadas se encuentran
y yo soy tú y a quien veo es a mí.
Y te tomo de la mano
y te conduzco a través de la tierra
ayúdame a entender
lo mejor que pueda.
Y nadie nos llama para seguir adelante
y nada nos hace cerrar los ojos.
Nadie habla y nadie intenta
nadie vuela alrededor del sol...

A pesar de todo, todos los días apareces
ante mis despiertos ojos.....
invitando e incitándome a ascender
y a través de la ventana en la pared
vienen corriendo en alas de luz solar
un millón de brillantes embajadores de la mañana
Y nadie me canta canciones de cuna
y nada me hace cerrar los ojos
así, lanzo la ventana lejos
y te llamo a través del cielo...

La carátula del disco Meddle:

Es el resultado producto de la superposición de dos fotografías, la de una oreja y unas ondas en el agua.
Es una de las primeras apariciones de motivos acuáticos en la obra de Pink Floyd. Las ondas en la oreja representan los ecos de la pista líder Echoes.
Dato curioso es que la oreja usada pertenece a un cerdo y no el ano de un simio como sugería el diseñador quien finalmente se inclina por la oreja a petición de los mismos integrantes de la banda que deseaban “un oído debajo del agua”.

y pasen por los comentarios...

Present- Barbaro (ma non troppo) (2009)

2010-01-11T15:59:00.004-03:00

Cuando se habla de inventiva, creatividad y ruido estético, se puede hablar muy bien de PRESENT.

Este grupo tiene una gran historia: se formó en 1979 por Roger TRIGAUX (guitarra líder, composiciones), uno de los músicos contemporáneos de mayor influencia en Bélgica, cuando buscaba un cambio en su dirección musical y lo quería enfocar a direcciones más basadas en el rock. Entonces dejó a UNIVERSE ZERO y formó PRESENT junto con Alain ROCHETTE (piano) y otros dos miembros de UZ, Christian GENET (bajo) y Daniel DENIS (batería). Con esta alineación, PRESENT grabó un par de álbumes a principios de los '80: "Triskaidekaphobie" y "Le Poison qui Rend Fou", álbumes que TRIGAUX califica como “una compleja interfaz entre el rock y las influencias clásicas” que le valieron la mención de ser una banda que combinó a KING CRIMSON con UNIVERSE ZERO, donde la desquiciada estética toma lugar en los acordes como principal idea musical. “Un espléndido horror con increíble profundidad y poder”, concluye Roger.

En 1993, TRIGAUX formó PRESENT C.O.D. PERFORMANCE, un dueto de guitarra con su hijo Réginald, presentándose en pequeños clubes por Europa y grabando un álbum epónimo el mismo año. En 1994, la banda regresó a sus tocadas, a veces siendo acompañados por DENIS. A finales de 1995, PRESENT hizo gira por Europa, arrojando el álbum "Present Live" en 1996, conteniendo a las guitarras de los dos TRIGAUX, al bajo de Bruno BERNAS y a las baterías de Dave KERMAN, cuyo portafolios incluye a U-TOTEM, 5UU's, THINKING PLAGUE y BLAST. Durante julio y agosto de 1997 se graba "Certitudes", participando los extraordinarios músicos Roger y Réginald TRIGAUX (guitarras, voces y teclados), Daniel DENIS (batería), Guy SEGERS (bajo) y Alain ROCHETTE (piano, teclados). A mediados del 98 realizaron 22 conciertos en Estados Unidos, recibiendo buenas críticas por sus interpretaciones y a finales de año hicieron gira por Europa, presentando a nuevos miembros en ambas giras. En mayo de 1999 se graba el álbum "N° 6" en Israel, consistiendo la alineación en Roger y Réginald TRIGAUX, Pierre CHEVALIER, Dave KERMAN, Keith MACKSOUD y Yuval MESNER como músico invitado.

Durante el XIV festival de Blaye-Les-Mines, Francia, julio de 2000, PRESENT interpretó con una alineación muy poco usual. La reacción del público fue de asombro al ver que la banda se dirigía a una dirección completamente diferente a la que los tenían acostumbrados, pero el resultado plasmado en el álbum "High Infidelity" fue reconfortante por su gran calidad musical. Se suponía que en septiembre de ese año viajarían a los Estados Unidos para presentar el álbum pero tuvieron que posponer, planeando hacer gran gira este año, conmemorativo por los 25 años de la banda. La alineación actual de PRESENT consta de los belgas Roger TRIGAUX (composiciones, guitarra, teclados, voz, dirección musical), Réginald TRIGAUX (guitarras, vocales) y Pierre CHEVALIER (piano, teclados), los estadounidenses Dave KERMAN (batería) y Keith MACKSOUD (bajo), los franceses Pierre DESASSIS (saxofones) y Matthieu SAFATLY (chelo) y el israelí Udi KOOMRAN (sonido).

Barbaro (ma non troppo)

Uno de los discos del 2009 que merecen mención especial por su extrema elaboración en ejecución, complejidad compositiva, virtuosismo y excelente instrumentación, además de una producción por demás envidiable, es lo nuevo de los músicos belgas de Present. Otra notable característica del álbum es que permite apreciar el trabajo individual pero a la vez en conjunto de cada uno de los miembros de Present, y nunca se pasa por alto la participación de guitarra, batería, bajo, chelo, saxofón, teclado o piano, existiendo además una gran congruencia y cohesión entre el aporte de cada músico. Barbaro (ma non troppo) quiere decir, textualmente, "Barbaro (pero no demasiado)", y fue nominado por los Prog Awards en las categorías "Mejor Grabación" y "Mejor Disco No Italiano". El disco salío a la venta en septiembre de 2009 y viene acompañado por un DVD con material de dos conciertos, uno en el festival de RIO de Francia, y otro en el Gouveia Art Rock Festival de Portugal, además de ciertos extras que complementan éstas presentaciones en vivo.
El siguiente review se enfoca en el CD, de sólo tres tracks pero de ambiciosa duración.

"Vertiges" abre el disco de manera magnífica, con rifs de guitarra desgarradores y pianos y teclados punzantes, los intérpretes aquí juegan con una armonía súper pulida, pero añaden dinamismos, cambios de tiempos, cambios rítmicos, y todo dentro de una atmósfera insana de desbordes sonoros que transmiten ira y mucha energía. La parte sinfónica y calma se destaca, sobre todo porque le dan su respectivo lugar a guitarreos suaves, partes melódicas de teclado y mayor énfasis en el trabajo del chelista, convirtiéndose en toda una aventura musical gozadora para quien le escucha. El tema sigue una estructura muy impredecible pero altamente trabajada, que lo convierte en uno de los mejores temas progresivos de todo el 2009.

"A Last Drop" también tiene un inicio muy explosivo, sobre todo en el teclado, pero seguido de esto, ya podemos disfrutar más melodías de saxofón, ritmos más constantes, bajos más potentes y baterías insistentes, gran parte de este tema se convierte en un trance de hipnosis que nos deja a la espera de algún cambio impredecible, típico del mejor RIO de antaño. Ese cambio nos agarra por ahí de los 4 minutos, el teclado agarra protagonismo, luego la batería acompaña y entonces ocurre una explosión musical veloz y agresiva que rompe con el ritmo constante, en seguida nos adentramos en territorios sinfónicos de arreglos muy bien trabajados, que dan mayor peso al chelo. A partir de aquí el tema es más dinámico pero también más calmo, de un momento a otro nos deja apreciar a plenitud otro instrumento más: la tuba, con una extraña melodía envuelta dentro de un ambiente siniestro de terror. Finalmente, la guitarra y el saxofón se fusionan e intercalan, el teclado los acompaña y nos dejan a la espera de algo más oscuro: el último tema.

"Jack The Ripper" es un cierre fantástico, no es un cover propiamente dicho, sino una nueva versión que originalmente compuso Roger Trigaux al lado de Daniel Denis para el clásico álbum Heresie (1979) de Univers Zero.
Aquí, el piano es quien da inicio, con esa melodía sombría y mística, que poco a poco será acompañada por otros instrumentos, primero el chelo, y luego entran el teclado y el saxofón. Éste principio es definitivamente sinfónico, un rock de cámara del más elegante y refinado jamás creado. Casi llegando a los tres minutos, Trigaux imita con su guitarra de tonalidad particular la melodía del chelo pero se mantiene la calma. Después, se vienen inevitables cambios sonoros y rítmicos, y la batería también empieza a entrar en juego. Algunas melodías y ritmos fijos nos introducen a lo que más tarde será un caos, donde se llega a un rock más enérgico e intenso, pero la armonía y congruencia instrumental permanecen intactas. Más adelante, se viene una improvisación insana del chelo, acompañada por melodías repetitivas de teclado y batería agresiva, donde se alcanza la parte menos accesible y poco audible del disco. De repente, esto llega a su fin, y una breve parte rockera nos adentra a lo que será el final del tema, una atmósfera hipnótica de melodías insistentes en los teclados y distorsiones de guitarra que definitivamente se regresan a la parte experimental, en donde más adelante el chelo vuelve a improvisar. Nuevamente, esto se detendrá y una sección de corte magníficamente armónico, más consistente en su estructura y de mayor fuerza en guitarra y batería, será la culminación definitiva de este temazo, y al mismo tiempo, de éste disco.

Tracks Listing

CD:

1. Vertiges (16:25)
2. A Last Drop (11:25)
3. Jack The Ripper (16:22)

Total Time 44:22

DVD:

Live at Rock In Opposition ? France Event, 2007

Electric Concert : Sunday, April 15

1. Jack The Ripper (16:01)
2. Ceux d'en Bas (suite) (12:46)
3. Promenade au Fond d'un Canal (26:14)

Two Pianos and Percussion: Saturday, April 14

4. Souls For Sale (24:14)
5. Vertiges (17:55)

Live at Gouveia Art Rock Festival ? Portugal, April 2006

6. The Limping Little Girl (12:43)
7. A Last Drop (11:36)
8. Vertiges (10:24)

Bonus archival videos

9. Present C.O.D. (7:27)
10. Present 94 (8:38)
11. Delusions At Orion (17:18)
12. Present 2001 in Wurzburg (6:39)

Total time: 173 minutes

Line-up / Musicians

-Roger Trigaux- guitars,keyboards
-Reginald Trigaux- guitar
-Pierre Chevalier- piano,keyboards
- Dave Kerman- drums,percussion
-Kieth Macksoud- bass
-Matthieu Safatly- cello
-Pierre Desassis- saxaphone
-Udi Koorman- sound
-Laurent Van Gorp- tube

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Feliz Navidad!

2009-12-25T13:34:00.003-03:00

SDV, la comunidad en español de Rock Progresivo les desea a todos nuestros amigos, usuarios, visitantes, seguidores, lectores, cooperadores y un largo etcétera, una muy feliz Navidad y un próspero año 2010 cargado de la mejor música.

Saludos afectuosos.

SDV

Rebekka - Phoenix

2009-12-17T05:50:00.001-03:00

La década de los 80 no solo trajo la música disco. Afortunadamente hubo bandas en distintos lugares del planeta que apostaron por seguir entregando buena música. Es el caso de Rebekka, banda alemana, que con tan solo dos discos dejó una huella musical imborrable. Quizás tomando el legado ya en esa época de Renaissance, banda que por cierto parecía ser absorbida en la nueva década por la palabra “comercial”, Rebekka logra dar un nuevo aire a la combinación perfecta de folk y progresivo, con tonalidades y melodías tenues pero muy bien elaboradas. Su cantante, la fémina Marion Weldert, sin duda lega además el estilo y timbre de la gran Haslan (Renaissance), no con la intención de imitar según deduzco, ya que se las arregla junto a su banda para dar un sello propio. Pero desafortunadamente su apuesta creo no fue en el momento preciso, la época y los “consumidores” estaban expectantes con otros sonidos musicales, y la herencia de Haslan y compañía aún era fuerte como para aceptar el proyecto Rebekka. Es mi opinión, y tal vez por eso no le vimos más en escena ni le conocemos más material musical en estudio o en vivo.
Siete tracks para el primer álbum, Phoenix, donde las melodías dadas por la voz, a veces la flauta y en otras una dulce guitarra eléctrica o un saxofón, deleitan los oídos y los a veces casi once minutos de música se pasan sin preocuparnos de que vendrá. Un trabajo en ocasiones plenamente acústico con exquisito gusto por combinarlo con lo eléctrico y lo desafiante de un punteo de blues con un overdrive preciso para no espantar a los más delicados y para encantar a los que quieren un poco de saturación, como el caso del instrumental “Floating Down”. La mezcla del folk o del World music no está ausente y con delicadas intervenciones de instrumentos no comunes para el rock, escuchamos flautas de madera, instrumentos hindú y pasajes al estilo “ambient music” como en “Lotos”. Pero ojo que los ambientes son abruptamente interrumpidos por una generosa estampida de buen rock.
¿Te gusta Renaissance?, apuesta por Rebekka, no te defraudará.

Phoenix (1982)

1. Swan song
2. Lithphas
3. Odyssee
4. Phoenix
5. Iris (Imaginary Regards of an Irish Sea)
6. Floating Dawn
7. Lotos

Musicos

* Marion Weldert: Voz, tambora
* Peter Laubmeier: Teclados
* Hubert Schneider: Guitarra, flauta y tabla
* Joachim Szcheile: Bajo y guitarra 12 cuerdas
* Martin Scheneider-Weldert: Saxo
* Christoph Imler: Batería, Percusión

No olviden pasar por los comentarios!

Tanger - Mundos Paralelos (2008)

2009-12-01T22:57:00.003-03:00

Tanger es un grupo argentino, nacido en 1995 y quienes ya tienen cuatro discos en su haber, hacen una música instrumental y ecléctica fusionando y combinando diversos estilos e influencias personales.
El nombre (Tanger sin tilde) deriva de lo que en castellano sería Tánger, ya que cita a la ciudad marroquí, y surgió como bautismo de urgencia, pero tiene otras referencias: "Sartori In Tangier" de King Crimson, y además como una cita al cuento "El Inmortal" de Borges.
Aclaro que para realizar este comentario sobre su álbum "Mundos Paralelos", he leído dos reviews para que me ayuden a entrar en tema: uno de César Mendoza para "La Caja de Música", y otro de Gustavo Bolasini para el programa de radio "El Retorno Del Gigante", pero sobretodo me he estado comunicando con el bajista y principal compositor del grupo, Luis Colucci, principalmente para no errar con los datos y temas técnicos. ¿Y porqué las ganas de hacer este comentario? y... simplemente porque estaba escuchando nuevamente el álbum y... me encanta!

Este es el cuarto álbum de este grupo, y continúan acentuando su propio estilo, que a su vez rememoran muchas otras cosas, ya sea explorando el rock, el jazz, o combinando estilos con algunas influencias del barroco (como la forma passacaglia), o sonatas clásicas, experimentando sobre la música folk y urbana (con aires de tangos y milongas pero en compases de 7/4, 5/4 o 15/8, que algunos comentaristas han definido bastante acertadamente como "fusionesco criollo"), aderezado con algunos sonidos sinfónicos y otros estilos.

He leído anteriormente algunos comentarios sobre el grupo, diciendo que parecen una mezcla entre King Crimson, Jethro Tull y Procol Harum, y ello seguramente por las referencias a King Crimson y a la permanente utilización de la flauta y la guitarra como dupla rítmica, aunque me parece que esa comparación no es del todo adecuada o completa, quizás sí para obtener cierta idea, pero de verdad el sonido del grupo es lo suficientemente original como para encasillarlos tan fácilmente.

Partamos desde la idea de que Mundos Paralelos no es un disco fácil, no creo que sea ésa la intención de la banda. Llegar a apreciarlo en todos sus matices requiere paciencia y disposición, este es un álbum hecho para ser escuchado con detenimiento y a cuyo juicio se debe llegar con un cierto conocimiento de causa.

Su sonido cristalino, claro, fresco, frippeado, contienen mucha fuerza desde las mismas composiciones, muy elaboradas y cuidadas por cierto, ofreciendo una gran calidad y complejidad en los arreglos, llenos de sutileza, ofreciendo constantemente suaves y emotivas melodías siempre cambiantes, con múltiples pasajes relajados y/o meditativos, y sin preocuparse por dar muestras de virtuosismo y / o pirotecnia instrumental (por mí, ni falta que hace).
Gracias a la limpieza del sonido podrán difrutar de los exquisitos toques y arreglos de batería, buenos jugueteos de la guitarra y una flauta siempre inquieta adornando todo el álbum.

La verdad es que, personalmente, el álbum me sorprendió, creo que no es un álbum para que lo pueda disfrutar todo el mundo, aunque derrocha buen gusto, musicalidad, destreza instrumental y magia compositiva, es lo suficientemente sofisticado para llegar a ser poético, inclasificable y vanguardista (por naturaleza y sin proponérselo), y eso generalmente no es muy bueno hablando en términos de éxito comercial, aunque a pesar de ello el grupo sigue estóicamente en pie, contra viento y marea, afortunadamente, luego de años de trabajo continuo.
Como ejemplo de lo comentado, remito a lo que expone Progarchives al hablar de este álbum:
"The real problem with this album is to categorize it, because the Jazz influences are more than obvious, but there's too much happening to limit them to a single sub-genre as Prog Fusion, so the word Eclectic describes them perfectly."
También se puede leer en Proggnosis:
"Instrumetal music, sometimes pretty heavy and dark, on other tracks kind of folk/prog or even flirting with jazz and Fusion.
On the first few tracks I'm somewhat reminded of Sweeden's Anglagaard and indirectly of King Crimson's Red era. With the prominence of flute in some of the music, seventies Steve Hackett comes to my mind. When the music is closer to Fusion, Quebec's Maneige could be a pretty good reference, although Tanger does not feature the same wide range of instruments."

Como verán, las referencias forman la imagen de que uno escuchará una ensalada informe, mezcla de tantos y tan variados estilos, pero cosa que se soluciona simplemente escuchando la música de Tanger, y disfrutarla sin tratar de catalogarla, ni estar preocupados en ello.

Paso ahora a una pequeña reseña de cada una de las canciones que componen este álbum:

- El álbum comienza con 'Ansiedad', tema que en un principio expone un clima suavemente oscuro, seguido luego por el guitarreo y juego de flautas bien al estilo Tanger, juego que casi no terminará hasta que culmine el disco, marcando un dinamismo general definido desde la dupla rítmica, y definiendo además la propia esencia de Tanger. En este primer tema es de destacar el desarrollo del trabajo de la guitarra, simplemente estupendo.

- Los sonidos urbanos, ya notables en el primer tema, son acentuados en 'Círculos Concéntricos', un muy buen logrado tema, bastante crimsoniano. Son también cada vez más acentuados los juegos entre la guitarra y la flauta, mientras la base rítmica se hace cada vez más sólida. El clima casi onírico da el enmarque necesario para el tema que da nombre al álbum.

- Una exquisita introducción de guitarra española abre 'Mundos Paralelos', y aquí cambia de registro: el tenor general de la pieza tiene un acento argentinesco. El aura desgarradoramente ensoñadora de esta hermosa canción hace desear que el tema no termine, el aire está lleno de melancolía y delicadeza, ante tanta finezas uno desea que éste sea uno de esos largos temas progresivos que exprimen a más no poder una buena idea, pero no es así, el tema es corto, como todos los demás, y nos quedaremos con las ganas de más...

- En el próximo tema, llamado 'Siete Pulsos', las sutilezas pueblan el universo de un mundo piazzollesco lleno de contrapuntos de bajo, guitarra, flauta y batería que hacen un sofisticado tango-milonga en 7/4, siendo a su vez más explosivo que los anteriores, con múltiples variaciones que podrán hacernos recordar a grandes intérpretes de los clásicos progresivos, pero reconociendo que estamos ante una obra decididamente original.

- 'El Castillo' será un tema más rockero, construido sobre un 9/4 up-tempo en que delicadamente se arman progresiones de acordes, que al mismo tiempo entretejen ricas melodías.

- El bajo será el encargado de realizar la apertura del próximo tema, el turno ahora será para el jazz-rock 'Metamorfosis', la guitarra se despachará a su gusto en sus dibujos permanentes, mientras los teclados y percusionas evocan un latin-jazz con atmósferas Weather Report.

- Una arquitectura compositiva más definida será la se aprecie en 'Dos Dimensiones', basada en un gran trabajo del bajo y batería, logrando nuevamente una línea melódica de música urbana.

- 'Insomnia' es un sofisticado y ágil rock muy a lo Tanger, una obra más cruda pero repleta de contrapuntos, arreglos y sutilezas, más algunos toques de jazz que ponen "picante" a ciertos adornos.

- Le sigue otro tema, llamado 'Marquesinas', que con un compás de 5/4 marca un ritmo netamente urbano, con paisajes de Buenos Aires y reminiscencias al gran Astor pero sin salir de las regiones más rockeras del grupo, mientras los libres juegos del flautista, excelente trabajo del bajo y solos frippeanos de guitarra, van enmarcando los últimos tramos del álbum.

- Por último, cierra el disco la crimsoniana y cálida 'Nova Lisboa' (original del disco debut), terminando la obra con una canción propia de una película, casi poéticamente cinematográfica.

Luego de escuchar el álbum releí las palabras de César Mendoza escritas para "La Caja de Música" y me parecieron muy acertadas:
"con cada nuevo disco, el grupo ha logrado incorporar ideas nuevas para reforzar las que han estado madurándo durante toda su trayectoria. Este camino de ascenso hacia un creciente vigor sonoro se sigue cumpliendo con "Mundos Paralelos", uno de los discos más hermosos de la vanguardia progresiva latinoamericana para este 2008."

Para terminar, cierro con una cita de Alejandro Ashley escrita en Tánger una tarde de marzo, referidas al famoso Festival de Jazz de Tánger más conocido como "Tanjazz", algo que (aparentemente) no tiene nada que ver con el grupo, pero que utilizo para cerrar poéticamente un review de un álbum fascinante:

"Saborea el néctar de una brisa cálida que al atardecer trae el dulce y fresco jazmín marroquí. Siente la brisa del agua que riega la tierra de fuego pasión."

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Lista de Temas:
1. Ansiedad
2. Círculos Concéntricos
3. Mundos Paralelos
4. Siete Pulsos
5. El Castillo
6. Metamorfosis
7. Dos Dimensiones
8. Insomnia
9. Marquesinas
10. Nova Lisboa [nueva versión]

Músicos:
- Luis Colucci: bajos, sintetizadores
- Eduardo Ferreira: guitarras eléctricas y acústicas
- Damián Lois: flauta, teclados y bongó en 6
- Ignacio Martínez: batería, percusión

Música invitada:
Florencia Genera (cello en 10)

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV Moebius

Gazpacho - Tick Tock

2009-11-13T13:40:00.004-03:00

“Somos una mezcla muy improbable de personas, no lo que esperarías ver en una banda. Por eso, pensamos que Gazpacho, la cual es realmente la sopa más bastarda (con vegetales mezclados, servida fría), era el nombre perfecto para nuestro grupo(...) Con Gazpacho te encuentras con una sorpresa, con algo inesperado, algo fuera de la norma, una contradicción positiva. Sentimos que esto describe muy bien a nuestra banda”

Con estas palabras Thomas Andersen, tecladista, programador y productor de Gazpacho, relata cómo la agrupación acuñó el nombre que los haría conocidos y aclamados en el mundo del rock progresivo y el art rock.

La historia de estos noruegos se remonta a mediados de la década de los noventa, fecha en la cual Jon-Arne Vilbo (guitarra) y Thomas Andersen, ambos amigos de infancia, comenzaron a incursionar en la música como miembros de la banda “Delerium”. Cuando ésta acabó, algunos años de separación demorarían el reencuentro de ambos músicos y su contacto con Jan-Henrik Ohme (voz), sucesos que condujeron a la primera formación de Gazpacho.

Todos los miembros de la banda fueron cercanos al fanclub virtual de Marillion, lo que llevó a Ohme a ser invitado a cantar un tema de esta banda al show “Swap the band” de la primera “Marillion Convention Weekend”. En dicha instancia llevaron consigo un EP llamado Get it While It´s Cold que repartieron gratuitamente, y que comenzó a difundir su música.

En Mayo de 2002 la banda entró a un concurso de canciones en “Make a Star” con su tema Sea of Tranquility y obtuvieron el primer lugar. Posteriormente, lo hicieron de nuevo con Nemo. Esto aumentó la ovación de su EP. A estas alturas, la agrupación contaba ya esporádicamente con el violinista Mikael Krømer, quien más tarde además se convertiría en productor de Gazpacho y se integraría definitivamente como un integrante estable.

En 2003 lanzan su primera placa, Bravo, la cual mezcla temas del EP con nuevas composiciones. Con esta primera incursión logran internacionalizarse y consolidarse como una nueva promesa en los círculos del art rock. La música de Gazpacho comienza a expandirse con su cualidad eminentemente nocturna, de una belleza casi femenina a ratos, cruzada por bellos e inteligentes arreglos y exquisitas texturas que crean atmósferas ricas y diversas. Los temas poderosos y extrovertidos son contados en sus discos, aunque poseen el mismo espíritu pasional, sensible y cuidado, sello identitario de su sonido.

Una gran oportunidad se presenta cuando son invitados a telonear a Marillion en su gira promocional de Marbles. Gracias a ello, muestran su trabajo en más de 11 países, habiendo previamente lanzado su segundo disco, When Earth Lets Go. En este período (2004-2005) Robert Risberget Johansen se une a la formación de la banda como baterista, y Kristian Torp como bajista.

Si con Night (2007) Gazpacho se hace respetar más que nunca por el público progresivo, creo que Tick Tock es una obra que sigue a la perfección los pasos de dicho disco conceptual, haciendo a la banda cada vez más imprescindible. Esta vez, el concepto elegido se basa en las experiencias relatadas por el escritor francés Antoine de Saint Exupéry en su libro Wind, Sand and Stars (1939). En 1935, el escritor y filósofo se encontraba volando junto a André Prévot en un Aeropostále, firma que más tarde evolucionaría en Air France. La incipiente tecnología provocaba accidentes a menudo, y tal fue la suerte de ambos hombres quienes en determinado momento del vuelo se estrellaron en medio del desierto del Sahara y sobrevivieron. Luego de una prolongada peregrinación por el desierto, ambos hombres vencieron a la adversidad y vivieron para contarlo, pero sin duda una experiencia como aquella marcó de manera definitiva el fecundo espíritu de Saint Exupéry, quien desarrolló una serie de ideas y reflexiones filosóficas a partir de las vivencias en el desierto profundo y de la idea de volar. Haciendo una metáfora de la relación del piloto con su avión, nuestro espíritu pareciera volar tan alto como nuestros cuerpos físicos lo permiten, sintiendo una fuerte nostalgia al mirar las estrellas, nuestro verdadero hogar. La idea central podría ser resumida como sigue:

“El viento del espíritu, proveniente de las estrellas, entra a la arena del cuerpo físico y la vida comienza nuevamente. En nuestra esencia más íntima, todos somos viento, arena y estrellas”

Hermoso, ¿No? Sin duda, tanto las letras como la música de Tick Tock hacen honor absoluto a dicha belleza. Y creo que conocer previamente un poco de la historia que inspira el disco, añade un gran valor agregado a su escucha, pues cambian las sensaciones, las imágenes, la vivencia que permite la música.

Desert Flight es un poderoso y vertiginoso comienzo, emulando la eufórica sensación de volar. Poderosos riffs, versos a mansalva, batería y bajo incansables y teclados exquisitos nos sumergen en el nuevo trabajo de Gazpacho. Casi al final de la composición, Kromer rompe la euforia anunciando con su violín el violento aterrizaje del avión, y así comienza The Walk, la interminable y fatigosa caminata por el desierto y su vastedad. La parte 1 es de una capacidad introspectiva tremenda, tocando fibras profundas y llevándonos con sus atmósferas a sentirnos realmente en el Sahara, bajo la atenta mirada del cielo estrellado. Ayudan a esta sensación el sonido emulando el silbido del viento, acompañado de guiños a música oriental. Nuevamente Kromer anuncia con su solo de violín un cambio. Comienza la segunda parte de la caminata, esta vez bajo el sol implacable. Cierra los ojos, está a tu alrededor, en todos lados, el ardiente manto de putrefacción. Ohme versa sobre las ganas de morir, de terminar con el suplicio con una certera bala en la cabeza, pero hay algo que impulsa a la vida, a caer y a ponerse de pie nuevamente, porque de todos modos, ¿No tenemos todos nuestro propio camino que seguir?...

Tick Tock va más profundo aún. El sonido del reloj emula el ritmo continuo de las pisadas en el desierto. Es increíble cuan hondo cala este tema…no hay lugar donde esconderse. Escuchas el trueno, el aire es más joven, el motor está frío, pero si tienes suerte, lo escuchas hablar. Está tu alma desnuda expuesta a la soledad del desierto. El tema intercala riffs, solemnes coros, y una diversidad de texturas deliciosa. La segunda parte de Tick Tock sigue la misma fórmula, con algunos momentos más voluptuosos y electrizantes, que se intercalan con pasajes puramente ambientales, casi new age, y en la parte 3 las letras nos hablan de cómo sin darnos cuenta saboteamos nuestra propia vida, cubriéndonos de mentiras y necesidades creadas artificialmente, pero la verdad, la esencia, jamás desaparece, y aunque permanezca sepultada bajo un manto de artificialidad, es una fuerza que gobierna nuestra vida y nuestras decisiones.

Winter is Never cierra el disco como un precioso arrullo luego de una experiencia tan cercana a la muerte como lo es la violencia del alma expuesta bajo la luz inefable de la verdad. Es el regreso a casa, sentir nuevamente las manos del ser amado, pero con una nitidez diferente, viendo su cara bañada por una luz exangüe. Es una sensible manera de demostrar que, para el ser humano en su esencia más íntima, no existe el invierno, pues el espíritu tiende a la belleza, a la creación, al orden y a la luz. Una canción que se aleja lentamente en el horizonte, extendiendo con elegancia sus alas blancas, estremeciéndonos, y haciéndonos agradecer a Gazpacho por una creación como esta, que no necesita de grandes complejidades para tocar las alturas.

Composiciones

1 Desert Flight (7:39)
2 The Walk (13:41)
3 Tick Tock (22:24)
4 Winter Is Never (4:55)

Tiempo Total: 48:39

Formación/ Músicos

- Thomas Andersen / piano & keyboards
- Jon-Arne Vilbo / guitar
- Kristian Torp / bass
- Mikael Kromer / guitar & violin
- Robert R. Johansen / drums
- Jan-Henrik Ohme / vocals

Espero les guste

Saludos!

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV Usul

Steve Reich - Piano Phase (por Peter Aidu 2006)

2009-10-18T05:13:00.004-03:00

Estoy muy emocionado luego de haber adquirido esta obra, de uno de mis compositores contemporáneos favoritos. Steve Reich, precursor de aquel confuso movimiento llamado "minimalismo", es un músico estadounidense nacido en 1936, cuya vida es un reflejo del siglo que lo vio crecer. Estudió piano desde pequeño...oyendo grabaciones de piezas famosas, sin leerlas, y escuchando junto con Haydn y Bartók el naciente jazz, y diferentes músicas populares. Ya en su formación profesional, estudió el serialismo bajo la tutela de Luciano Berio, pero sus intereses iban por el ritmo, y por revindicar la tan maltratada tonalidad.

Experimenta con la vanguardia electrónica, tratamientos de cintas, música concreta, al mismo tiempo que disfruta del rock progresivo de King Crimson o del jazz de Pat Metheny (para quien compuso "Electronic counterpoint"). Un compositor notable, memorable, que se mantiene vigente, y cuyo aporte abrió nuevos horizontes a la música, al disfrute del evento sonoro mismo.

La obra que les presento, fue compuesta en 1967, basándose en sus experiencias con tratamientos de cinta, en donde pudo manipular la fase (http://www.audiomidilab.com/showArticle.jsp?idx=253) de distintos instrumentos. Piano Phase es una pieza para dos pianos, en donde un primer intérprete ejecuta un tema corto, a base de intervalos consonantes (quintas, cuartas, ocatavas) que se repite una y otra vez. Al cabo de unos segundos, ya lo hemos memorizado, y podemos oir la segunda voz que entra al unísono, duplicando su volumen, sin embargo, la segunda voz experimenta un paulatino, lento, pero sobre todo, preciso aumento en el tiempo de ejecución, que con el paso de los compases nos produce el efecto análogo del tratamiento de la fase por medios electrónicos. Llega el punto en que una voz alcanza a la otra, generándose un nuevo unísono, el que se repite tres veces, para dar paso a la segunda parte, en donde el mismo segmento se acorta sucesivamente, manteniendo el efecto sonoro ya descrito.
En el año 2006, el joven pianista ruso Peter Aidu, en una arriesgada maniobra, interpreta esta pieza ¡él solo!. En una ejecución impecable, él sentado entre dos pianos nos ofrece una interpretación de una obra que, créanme, es de extrema dificultad, aún para dos pianistas, y estamos hablando de músicos que por lo menos llevan 15 años de estudio sistemático, pero Aidu logra salir airoso, y darnos una muy buena audición de una pieza que traslada las experiencias electroacústicas a un instrumento tradicional como el piano.

Sólo les puedo decir que busquen esta maravilla, una experiencia sonora abismante, sublime, que nos traslada a lugares de nuestras mentes que no estamos habituados a visitar, no se arrepentiran

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV Christean

Godspeed You! Black Emperor

2009-09-14T05:29:00.002-04:00

Se trata de una banda canadiense de post rock. Antes eran conocidos como Godspeed You Black Emperor! Tomaron su nombre de un oscuro documental japonés en blanco y negro de 1976 dirigido por Mitsuo Yanamigachi que trata las fechorías de una banda de moteros japoneses, los Emperadores Negros.

Sus influencias se encuentran desde el rock progresivo al punk, pasando por la música clásica y el avant-garde. Sus discos suelen consistir en pocas canciones de larga duración (la mayoría entre 10 y 20 minutos). Cuando el grupo se conformó, en un momento llegó a tener unos 15 integrantes pero luego este se redujo a 9. La música de algunos de sus discos se acompaña de muestras habladas grabadas por la banda a lo largo de toda Norteamérica, incluyendo un predicador callejero en Providence, Rhode Island, un anuncio en una gasolinera y un grupo de niños hablando y cantando en francés.

Sacaron la versión en CD de sus dos primeros discos en la discográfica Kranky habiendo publicado los LPs con Constellation Records. Una vez finalizó el contrato con Kranky, Constellation pasó a encargarse de las versiones tanto en CD como en LP de su último trabajo hasta la fecha, Yanqui U.X.O.

Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven (2000)

Valorado como el mejor trabajo de la banda, éste álbum instrumental y experimental es toda una rareza de la música moderna, y en su transcurso nos encontramos incluso con un discurso sampleado sobre el pasado y la civilización. Está conformado por tan sólo cuatro temas, todos por arriba de los dieciocho minutos, sin momentos flojos, huecos o de discontinuidad. Es importante mencionar que es poco válido y hasta injusto hablar tan sólo de post rock, pues va mucho más allá y el uso de los instrumentos clásicos y las emociones que provocan las bellas composiciones lo dotan de un acercamiento directo al avant prog o avant garde.

Por otro lado, la dura complejidad –sobre todo compositivamente—de los cuatro temas lo elevan muy por encima de otras bandas del mencionado género. Lift Your Skinny Fists… está lleno de contrastes musicales, por momentos predomina más el lado sinfónico de la banda, apoyado en el violín y chelo; pero luego llegan ocasiones en que se aumenta la intensidad y rapidez de los temas; donde la guitarra y batería empiezan a cobrar vitalidad y mayor participación. Por otro lado, la banda no deja de explorar en ningún momento el aspecto electrónico y moderno que los caracteriza, con extraños efectos sonoros y algunas distorsiones, manejados siempre de manera inteligente, oportuna y no exagerada. La complementación de las atmósferas tranquilas, ambientales y sinfónicas es posible gracias a los pasajes más enérgicos y veloces, como es muy notable en "Static".

En general, es un álbum bastante emotivo, original y complejo en toda su ejecución, probablemente más que en sus otros trabajos, y eso es lo que a final de cuentas hace que ésta gran obra sea única y siga sorprendiendo a todo aquel que la escucha.

Track List

Disk 1:
1. Storm (22:32):
(i) Lift Yr. Skinny Fists, Like Antennas To Heaven.; (ii) Gathering Strom; (iii) "Welcome To The Barco am/pm..." (L.A.X. 5/14/00); (iv) Cancer Towers On Holy Road Hi-Way
2. Static (22:36)
(i) Terrible Canyons Of Static; (ii) Atomic Clock; (iii) Chart #3; (iv) World Police And Friendly Fire; (v) (...+ The Buildings They Are Sleeping Now)

Disk 2:
3. Sleep (23:17)
(i) Murray Ostril: "...They Don't Sleep Anymore On The Beach"; (ii) Monheim; (iii) Broken Windows, Locks Of Love Pt. III/3rd Part
4. Antennas To Heaven (18:58)
(i) Moya Sings "Baby-O"; (ii) Edgyswingsetacid; (iii) (Glockenspiel Duet Recorded On A Campsite In Rhinebeck, NY); (iv) "Attention... Mon Ami... Fa-Lala-Lala-La-La... (55 St. Laurent); (v) She Dreamt She Was A Bulldozer, She Dreamt She Was Alone In An Empty Field; (vi) Deathkamp Drone; (vii) (Antennas To Heaven.)

Line-up

Efrim Menuck - guitar, keyboards
David Bryant - guitar, tapes
Mauro Pezzente - bass guitar
Thierry Amar - bass guitar
Aidan Girt - drums, percussion
Bruce Cawdron - drums, percussion, keyboards
Sophie Trudeau - violin, film production
Norsola Johnson - cello
James Chau - keyboards, harpsichord, guitar

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV Implosi0n

40 años

2009-08-30T02:59:00.001-04:00

No podía dejar pasar una conmemoración, aunque me molesta la idea de recordar fechas y rememorar episodios con un sentido solo “numérico”, lo que sucedió hace ya 40 años en Londres creo se debe “celebrar” de alguna manera como quien celebra por primera vez sus 40 años de edad y llega el momento de mirar hacia atrás y ver cual ha sido tu aporte a esta humanidad o cual ha sido el legado o simplemente como te has insertado y dejado llevar por una sociedad que cada cierto tiempo te cambia la dirección de tu tránsito.
Abbey Road, el álbum número doce de los Beatles, o el último trabajo de grabación del grupo, o el disco considerado como la obra cumbre de los británicos, o el que los críticos han considerado uno de los mejores álbumes en su carrera, tanto en el aspecto técnico como en el creativo, o el más grande de la historia, cumple 40 años.
Grabado entre abril y agosto de 1969 fue lanzado al mercado inglés en septiembre de ese hoy “famoso” año. Y digo famoso porque parece que no fueron menos los acontecimientos sucedidos que marcaron el año 1969 con un sentido especial no solo en lo referente a lo musical si no también en la historia de la humanidad. Por mencionar algunos hechos:

• El grupo británico Led Zeppelin lanza su primer álbum, Led Zeppelin.
• en Gibraltar se casan John Lennon y Yoko Ono.
• se estrena Tommy, la primera de las dos ópera-rock del grupo The Who.
• en el poblado de Bethel (Nueva York) se realiza el festival de Woodstock.
• King Crimson también hacía lo mismo con su “In The Court of The Crimson King”.
• Y Pink Floyd con su “Music from the Film More” y “Ummagumma”.
• la Unión Soviética lanza el Soyuz 5.
• primer hombre sobre la luna, Neil Armstrong de la misión Apolo 11.
• Vietnam arde en guerra.
• en Chile se crea la Televisión Nacional.

Abbey Road

1. "Come Together"
2. "Something"
3. "Maxwell's Silver Hammer"
4. "Oh! Darling"
5. "Octopus's Garden"
6. "I Want You (She's So Heavy)"

1. "Here Comes the Sun"
2. "Because"
3. "You Never Give Me Your Money"
4. "Sun King"
5. "Mean Mr. Mustard"
6. "Polythene Pam"
7. "She Came In Through the Bathroom Window"
8. "Golden Slumbers"
9. "Carry That Weight"
10. "The End" — 2:19
11. "Her Majesty"

Abbey Road fue producido y orquestado por George Martin quien fue llamado especialmente por Mc Cartney con el objetivo de grabar una última vez "como en los viejos tiempos". Martin aceptó la oferta, poniendo como condición que el trabajo se realizara "como solía ser". Recordada también es la participación de Alan Parsons como asistente de grabación.
Los dos lados del álbum son algo diferentes en cuanto a su carácter, y fueron diseñados para acomodar en un solo disco los puntos de vista divergentes de McCartney y John Lennon. El lado A (para complacer a Lennon) es una colección de canciones sueltas, mientras el lado B (para complacer a McCartney) consiste en una larga serie de composiciones, muchas de ellas relativamente cortas, y unidas entre sí por "puentes" musicales por el mismo Paul y las orquestaciones de Martin, y para mi gusto el clímax del álbum y que nos da como resultado un “medley” de 16 minutos de duración.
Algunas curiosidades de este disco son también el primero y único solo de batería de Ringo Starr dentro de los Beatles, tres solos de guitarra extendidos, interpretados seguidamente por McCartney, Harrison y Lennon, y , según muchos, la primera "pista oculta" ("hidden track") de la historia, “Her Majesty” adherida al final del disco después de una pausa de 20 segundos, y que en realidad estaba pensada para el “medley” pero a Mc Cartney no le agradaba como quedaba insertada, por eso, y como el ingeniero de grabación había recibido instrucciones de "nunca desperdiciar material creado por los Beatles", ubicó el tema al final del medley.
También contiene uno de los primeros usos de un sintetizador Moog, en "Because".
No menos curioso es la famosa portada del disco, y la ya casi mítica foto de los “fab four” cruzando el paso de cebra de la calle Abbey Road cerca de los estudios EMI.
Corrían rumores de una posible muerte de un Beatle en un accidente de tránsito, por eso no tardó en tejerse toda una trama en torno a la posible muerte de Mc Cartney según lo que se podía “interpretar” en la foto de la tapa del disco, cito:

Los cuatro Beatles aparecen en fila, como escenificando un cortejo fúnebre. John Lennon va vestido de blanco: es el predicador o sacerdote, Ringo va de luto, es el amigo del difunto. George Harrison, a su vez, va vestido con una ropa vaquera e informal: es el enterrador. Paul es el único de los cuatro que va descalzo y camina con los ojos cerrados. En muchas culturas orientales, los difuntos son quemados descalzos. Además, su paso está descoordinado respecto al resto de los Beatles, como si no perteneciera a la procesión.

Además los autos de la foto también tienen su sentido “oculto” que develaría la fatídica muerte de Paul.

Ha sido hasta hoy el mismo Mc Cartney quien se ha encargado de desmentir o aclarar en alguna forma lo que sucedió entonces y dejar en claro que "La gente inventa una historia y luego encuentras que tienes que luchar con estas cosas ficticias", acaba de señalar el ex Beatle.

de seguro en los comentarios habrá algo más...

Morte Macabre - Symphonic Holocaust

2009-08-24T03:53:00.004-04:00

Rock Progresivo para las noches de terror.

No deben ser pocos quienes ya hayan tenido la oportunidad de conocer la música de los suecos Anekdoten, que tantos elogios nos sacaron con su disco “A Time of Day” del año 2007. Pues les cuento que en 1998 Nicklas Barker y Peter Nordins , teclados y batería respectivamente de la banda, se asociaron a Stefan Dimle y Reine Fiske de sus coterráneos de Landberk para homenajear la música del cine de terror clásico, práctica de la que salió como resultado “Symphonic Holocaust”, un trabajo deliciosamente espantoso, que versiona la música de grandes filmes como la legendaria “La noche de los muertos vivientes”, “El Bebé de Rosemary” y la italiana “Holocausto Caníbal”, más la incorporación de dos temas compuesto por los integrantes de la banda, que ya los hubiese querido Hitchcock de banda sonora.

Y como era de esperar por las bandas que preceden a Morte Macabre, el mellotrón tiene papel fundamental esta obra. Su suave timbre ambienta muy bien ese contexto de angustia y miedo, sobre el cual el resto de los instrumentos dialogan entre sí y no pocas veces improvisarán, como intentando resolver el angustioso acontecer en el que están inmersos. Coros de voces fantasmales, espeluznantes acompañamientos del singular Theremin o pequeños fraseos de guitarra que parecieran simular un sollozo frenético que solo el mellotrón logra por momentos serenar.

No les voy a contar el final de la película, así que a modo de sinopsis me limitaré a comentarles los dos temas originales de Symphonic Holocaust:

El primero de ellos es “Threats Of Stark Reality” que es un tema menos ambicioso en comparación a el resto de los tracks; y que prácticamente se resume simplemente en crear un clima de tensión en el oyente, mediante sonoridades que van en crescendo. Se logran percibir ondas y efectos sonoros que complementan muy bien la idea.

“Symphonic Holocaust” empieza con un mellotrón tocando intermitentemente que pareciera despertar al resto de los instrumentos, siendo el primero de ellos la guitarra eléctrica que con un sutil punteo inicia lo que será esta obra de más de 17 minutos. El mellotrón empieza a jugar con el bajo y la batería en una base rítmica estimulante, que por momentos es interrumpida de su labor por la intensa incorporación del resto de la banda. Symphonic Holocaust es una canción que pareciera contarnos su propia historia, la cuál ya introducida se desarrolla con una especie de improvisación frenética con muchos aires “crimsonianos” que parecieran alertar del peligro que se acerca. Y es el mellotrón, que ya habiendo dejado atrás su acompañamiento delirante, el que conduce esta historia sonora a un final dramático que nos pone los pelos de punta, ya no sólo por lo delirante de todo este conjunto, sino también por la belleza de sus melodías.

Y es con este gran tema,- que no digo que sea el mejor porque simplemente no sería justo quitarle mérito al resto de las canciones que no dejan de ser excepcionales – el que da término a este disco que es una verdadera joya; que se las recomiendo sinceramente a quién no la conozca. Que cierre bien las puerta y las ventanas y deje al menos una vela encendida al momento de escucharla que no serán pocos los monstruos que vengan a su memoria. Y quienes ya estén familiarizados con esta obra, sólo nos queda esperar, porque la banda está anunciando un segundo disco a finales de año.

Tracks Listing

1. Apoteosi del Mistero (4:16)
2. Threats of Stark Reality (2:59)
3. Sequenza Ritmica e Tema (7:02)
4. Lullaby (8:02)
5. Quiet Drops (6:43)
6. Opening Theme (2:50)
7. The Photosession (7:10)
8. Symphonic Holocaust (17:51)

Total Time: 57:17

Line-up

- Nicklas Berg (ANEKDOTEN) / Mellotron, Fender Rhodes, Theremin, sampler, guitar, bass
- Stefan Dimle (LANDBERK) / bass, Mellotron, Moog
- Reine Fiske (LANDBERK) / guitars, Mellotron, violin, Fender Rhodes
- Peter Nordins (ANEKDOTEN) / drums, percussion, Mellotron

Guests:
- Yessica Lindkvist / voice
- Janne Hansson / waves

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV oszo

Mike Patton - Las múltiples caras de un genio loco

2009-08-10T09:53:00.000-04:00

Aprovechando la oportunidad que Mike Patton estuvo hace poco en Chile (junto a Zu) y que próximamente se presentará nuevamente junto a Faith No More (todos los días veo el calendario para saber cuanto falta para el 30 de octubre), les traigo 3 vídeos que permiten apreciar 3 caras distintas de la locura y genialidad musical de Mike Patton. Claramente él es mucho más que lo que aquí presento, pero esta pequeña muestra sirve para enfatizar la amplitud y variedad de los intereses que lo guían y motivan en su búsqueda musical.

Mike Patton, el romántico

Nuestro amigo, desde ya hace mucho tiempo, está obsesionado con todo aquello que sea italiano (si no me equivoco, su esposa es italiana), especialmente en lo musical. Muestra de ello es el proyecto Mondo Cane, en el cual junto a la Metropole Orchestra di Roma interpretan un repertorio de temas clásicos de la canción romántica italiana. Los arreglos, entiendo, son del mismo Patton junto a Roy Paci, el trompetista que se aprecia en el vídeo. Este es un trabajo musical fino, clásico, de corte tradicional, algo que bien podría gustarle a la madre de cualquiera de nosotros, algo que viniendo de Patton es todo un logro. Además, queda claro que Patton podría haber sido (de haberlo querido) uno de los grandes baladistas de esta época, un Tom Jones de fines del siglo XX y principios del siglo XXI.

Acá les presento el recital integro realizado en Amsterdam el 12 de junio del 2008.

Track List
01. Intro
02. Il cielo in una stanza
03. Che notte
04. Ore d'amore
05. 20 km al giorno
06. Quello che contra
07. Urlo negro
08. Lagata ad un granello di sabbia
09. Deep down
10. Pinne,fucile ed ochiali
11. Scalinatella
12. L'uomo che non sapeva amare
13. Ma l'amore
14. Canzone
15. Ti offro da bere
16. Di come ti amo
17. Storia d'amore
18. Lontano Lontano
19. O Venezia
20. Yeeeeeeh!
21. Senza fine
22. Une sigaretta
23. Sole e malato

Mike Patton - El Extremo

El siguiente video muestra un concierto grabado el 1 de mayo del 2006 en Londres, el cual conforma el registro oficial de una presentación de esa inclasificable unión de Mike Patton, Buzz Osborne, Dave Lombardo, Trevor Dunn, Dale Crover and David Scott Stone, llamada Fantomas Melvins Big Band. Este recital está compuesto de material extraído del disco Millennium Monsterwork (única producción discográfica de este bizarro ensamble), así como temas extraídos del repertorio de Fantomas o The Melvins por separado. Cuando uno escucha la música de este video, entiende el nivel de distorsión al que puede llegar Mike Patton (aunque, creo, tiene facetas más extremas que esta), uno puede pensar que es solo ruido e improvisación pura, pero la verdad es que esta música está seriamente pensada, escrita y ejecutada, mezcla de hardcore, metal, free jazz, punk rock y cuanto quisieron meter en la juguera, todo sasonado por esa increible calidad vocal de Patton que le permite pasar de un susurro a un inccreible grito gutural en segundos. Aunque no te guste la música que aquí aparece, la fuerza de la ejecución no puede dejarte indiferente.

Tracklist
01. sacrifice
02. page 27
03. night goat
04. page 28
05. page 3
06. electric long thin wire
07. the bit
08. page 14
09. pigs of the roman empire
10. the omen
11. hooch
12. mombius hibachi
13. page 23
14. skin horse
15. cape fear
16. let it all be
17. lowrider
18. 04/02/05 saturday
19. page 29
20. 04/08/05 friday
21. spider baby

Mike Patton - El rockero mainstream (casi!)

Finalmente, les dejo una grabación de la presentación en vivo de Faith No More en esta gira de vuelta, la correctamente llamada "Second Coming Tour" es una transmisión en vivo que se realizó desde el Download Festival en Alemania.

En esta transmisión pudimos apreciar, una vez más, el grado de compenetración que existe entre los distintos músicos de esta banda. Cualquiera que los vea y que no sepa nada de la historia de estos músicos, pensaría que llevaban años tocando juntos y, la realidad es que, estuvieron diez años sin siquiera verse en persona. Ellos, a pesar que los conflictos personales eran pan de cada día, se las arreglaron para crear música que ha soportado muy bien el paso del tiempo y, siendo tocada nuevamente, suena tan fresca e innovadora como la primera vez, cuando aparecieron y nadie sabía si eran una banda de metal, de funk o de rap.

Es innegable que esta banda en su período de existencia logró lo que muchas ni siquiera intentan, dejar una marca distintiva e influir en muchas otras que vinieron despues, creando una especie de sonido Faith No More claro y distintivo (a pesar de la variedad de estilos músicales que interpretan).

Este concierto, al parecer, marca lo que será esta gira, algo pensado en los fanaticos, tocando casi todos los temas éxitos (a la lista le agregaría Just a Man y quedo listo). Por allí ya aparecen los críticos amargados de siempre diciendo que son unos vendidos, que esta gira es solo nostalgia y "una pasada de sombrero" para llenar nuevamente los bolsillos. Yo creo que no lo es, es más, me atrevo a imaginar que pronto veremos un nuevo disco con material "cero millas de paquete", pero si me equivoco, ¿que más dá?. Ellos ofrecen un producto único por el cual estaría feliz de pagar y feliz de que "pasen el sombrero" y en retorno me ofrezcan en vivo aquello que se vio por la internet en esta transmisión.

TrackList
01. Reunited
02. The Real Thing
03. From Out of Nowhere
04. Land of Sunshine
05. Caffeine
06. Evidence
07. Poker Face/Chinese Arithmetic
08. Surprise, you're dead
09. Easy
10. Last Cup of Sorrow
11. Midlife Crisis
12. Introduce Yourself
13. The Gentle Art of Making Enemies
14. Take This Bottle
15. Ashes to Ashes
16. Malpractice
17. Cuckoo for Caca
18. Be agressive
19. Epic
20. Chariots of Fire / Stripsearch
21. We Care a Lot

Eso; espero que les guste lo que verán (deben ser unas 4 horas de música e imagenes) y preparense, porque el 30 de Octubre esta banda de maniaticos vendrá a Chile y nos dará una muestra de su música y de la locura genial encarnada por su front man, el inimitable Mike Patton.

Por favor, ahora pasen a los comentarios.

Rick Wakeman - The Six Wives of Henry VIII Live at Hampton Palace (2009)

2009-07-31T14:04:00.004-04:00

Seguramente aunque sea superficialmente todos conocen a Rick Wakeman.
Indiscutible virtuoso de los teclados,su trayectoria con Strawbs, Yes y su extensa (y despareja) carrera solista lo convierten en un personaje más que popular en el prog.
Si bien hubo un disco inicial "Piano Vibrations", el propio Rick no lo considera parte de su discografia ya que solo eran improvisaciones y la música de acompañamiento para un cantante desconocido que luego pondría la voz. Lo cierto es que la grabadora sacó el disco con el nombre de Wakeman y la voz del cantante nunca apareció.
Por lo que podemos decir que The Six Wives of Henry VIII es su primer disco solista (73), y es considerado por muchos como el mejor (opinion que comparto junto con Criminal Record) y una obra maestra del "rock sinfónico".
Rick no pudo concretar en su momento la presentacion en vivo que soñaba, como espectaculo integral, con orquesta, coro, etc, etc y que sí pudo hacer con sus siguientes obras Journey to the Center of the Earth y The Myths and Legends.
La negativa a cederle el Hampton Palace, problemas de agenda (todavía estaba en Yes) y dificultades para afrontar una producción tan costosa, fueron posponiendo el proyecto hasta dejarlo en el olvido.
Y si bien en cada concierto de estos últimos 36 años donde estuvo presente Rick siempre sonó al menos un fragmento de esta obra, el sueño del show completo parecia enterrado.

Sin embargo, en abril de 2009 se cumplieron 500 años del ascenso al trono de Enrique VIII y entre los festejos oficiales surgio la idea de representar la obra completa y en el lugar donde transcurrieron los hechos, el Palacio de Hampton, residencia del rey desde 1529 hasta su muerte.
Así los dias 1 y 2 de MAyo de este año el sueño se hizo realidad en dos únicas e irrepetibles funciones con Acoustic Strawbs de su viejo amigo Dave Cousins abriendo el show.

Con 3 nuevas piezas compuestas especialmente (una obertura, un final y una dedicada al personaje ausente en el original y protagónico de la tragedia, el propio Enrique, que siguen la línea musical original), orquesta, coro, los personajes representados por actores y actrices y fundamentalmente el agregado de narraciones que sirven de introduccion a los temas.
Estas narraciones merecen un comentario aparte, ya que por un lado son excesivamente largas, demasiado cargadas de datos históricos y pueden llegar a aburrir en el contexto de un disco que uno escucha una y otra vez; sin embargo pensando en el espectaculo en vivo no cabe más que quitarse el sombrero ante la soberbia performance de Brian Blessed, con los tonos exactos, desbordante de histrionismo, transmite desde tensión dramática hasta sentido del humor que creo que hará que hasta quienes tengan dificultades en entender el ingles se sientan dentro de la historia (al menos las primeras veces).

Lo musical no merece demasiado comentario, las piezas son harto conocidas (creo que se han usado para musicalizar casi de todo) y condensan todas las virtudes que luego Rick iría desgranando en su carrera y por el contrario los defectos (exhibicionismo, distracción, superficialidad) son mínimos comparados con lo que vendría después.
La calidad de la grabación es muy buena, y la orquesta y coro le dan una nueva vida a las versiones y un detalle o elección que es muy importante y por mi parte bienvenido :
A diferencia de lo que hizo en su momento con Viaje al Centro de la Tierra, esta vez RW se decidió a dejar el sonido casi sin "retocar".
Todos sabemos que en una actuación en vivo suele haber errores diversos, desafinaciones, entradas en falso y mil etc. Esto no podía ser la excepción, la interacción de una banda de rock (que no es permanente sino armada para la ocasion) con un ensamble sinfónico y un gran coro, nunca es fácil y aún con mucho ensayo (cosa que desconozco, pero dudo que sea el caso) las posiblidades de error son altas.
Y la verdad es que hay muchos errores, hasta el propio Rick (o Adam, la verdad es que tendría que verlo) tocan cosas medio extrañas un par de veces; pero me parece que es más honesto dejarlo así que corregirlo en estudio, nadie va a ser mejor o peor por haber tenido un error en vivo.

Mi opinion está marcada por muchos años de disfrutar de esta música, es uno de los discos de mis inicios y siempre permaneció entre mis favoritos, hasta cuando me "enojé" con Wakeman por su seguidilla de discos comerciales(y para peor, ni siquiera exitosos de los 80), pero creo sinceramente que es algo que merece ser oído por todos, ya sea para descubrilo, re-descubrirlo, amarlo u odiarlo, pero es uno de los próceres del prog. y ésta una de sus joyas.

El CD doble ya está disponible para encargar on line y el DVD con la actuación completa y bonus se espera para más adelante este año.

01-Tudor Overture
02-Catherine of Aragon
03-Catherine Howard
04-Jane Seymour
05-Henry VIII-Defender of the Faith
06-Catherine Parr
07-Anne of Cleves
08-Anne Boleyne
09-Tudor Rock

Narrator - Brian Blessed
Keyboards – Adam Wakeman
Percussion – Ray Cooper
Drums – Tony Fernandez
Bass Guitar – Jonathan Noyce
Guitar – Pete Rinaldi
Guitar – Dave Colquhoun
The English Chamber Choir
The Orchestra Europa
Conducted by Guy Protheroe

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para más de Wakeman, los comentarios.

Philip Glass & Ravi Shankar - Passages (1990)

2009-07-26T13:20:00.005-04:00

Dos músicos tan trascendentales en la historia de la música del siglo XX, y también actual, no se pueden abarcar en una reseña, daría para monografías que aún quedarían cortas en analizar sus obras, por eso es que esta pieza que les presento, es sólo una invitación sonora, avalada por la trayectoria de dos maestros, en todo el sentido que ello implica.

En los años 60, Philip Glass viaja a Francia para perfeccionar sus estudios de composición, buscando una identidad musical, fue así como llegó a conocer la obra de Olivier Messiaen, el serialismo integral, y compartió experiencias con un joven, pero ya destacado Pierre Boulez, sin embargo Glass nunca tuvo afinidad con esa técnica. Paralelamente, conoce a Ravi Shankar, que ya se estaba haciendo famoso mundialmente por su amistad con Goerge Harrison, y como era de esperarse, la fascinación de Philip por la música hindustani (clásica del norte de India) fue inmediata. Comenzó así a estudiar sus estructuras, sus propiedades rítmicas, sus "modos anímicos" en los ragas, y sobre todo, comenzó a experimentar en una música cuyo desarrollo ya no era la relación de estructuras complejas, sino que la adición de patrones simples, que en su variación incrementaba la tensión y riqueza sonora (es difícil de explicar con palabras, pero si oyen un "Alap" una improvisación hindustani, entenderán fácilmente). La experiencia de vida fue tan fuerte, que Philip Glass terminó convirtiéndose al budismo.

Ravi Shankar por su parte ganaba prestigio tanto en India, creando más de uncentenar de ragas, como en occidente en la musicalización de películas, o en creaciones en donde comienza a incorporar elementos occidentales. Es así como recibe el título honorífico de "Pandit", literalmente "profesor", que si lo situamos en el contexto de la cultura hindú, adquiere una relevancia tanto artística, filosófica como espiritual.

Para 1990, ambos músicos realizan un proyecto quetraían en mente de hace años, se trata de Passages, un conjunto de seis piezas, que básicamente constan del arreglo que cada músico realiza de temas compuesto por el otro. Este trabajo es una obra de calibre mayor, si bien es cierto no es una guía para entender o la música hindustani, o el llamado minimalismo de Glass, si es un producto que en su eventualidad, guarda el valor del encuentro, en donde las dos culturas que dialogan tienen el mismo peso, la misma trascendencia. No es sólo fusión, que la hay, en pasages en donde aparecen contrastando a las cuerdas, el sitar de Shankar, tablas, o un bansuri, también hay una comprensión de la música de cada cultura, tanto así, que resulta sumamente difícil reconocer el aporte puntual de cada uno al escuchar.

Si tuviera que escoger una pieza representativa, sería "Ragas in minor scale", cuyo título ya nos avisa que se han unido estructuras y teorías de dos lados del mundo, y que sonoramente resultan tan coherentes tanto en una como en la otra.

En la actualidad, ambos músicos permanecen completamente vigentes, incluso Ravi Shankar a sus ya 89 años. Si bien este ha sido su único trabajo, ambos se reconocen respeto y adiración, así como influencia importante. Si bien es ya casi imposible pensar en otro trabajo de esta índole, nos abre la puerta para comenzar a dialogar como umanidad a partir de nuestras músicas, y quien sabe, si de una vez por todas nos empezamos a entender, valorar y respetar.

PASSAGES

1- Offering 9:46
2- Sadhanipa 8:36
3- Channels and Winds 8:00
4- Ragas in Minor Scale 7:36
5- Meetings Along the Edge 8:10
6- Prashanti 13:38

Quienes lo compren se llevarán a sus hogares una pieza maestra, no de aquellas que cambian el curso de las cosas (lamentablemente), pero sí de las que son un testimonio vivo de formas de entender el arte, la vida.

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y ya saben...a pasar por los COMENTARIOS...

Univers Zero- Heatwave (1986)

2009-07-19T04:13:00.003-04:00

En 1970 Daniel DENIS (batería) tenía 17 años y junto a su amigo Jean-Luc MANDERLIER y otro músico, formaba el trío ARKHAM, una agrupación de rock vanguardista. Buena técnica habrán visto en Daniel y Jean-Luc, que tras abrir telón a MAGMA, fueron invitados a ser parte de ese monstruo conceptual con quienes interpretaron en conciertos en 1972. Después de eso DENIS se unió a SUPERSISTER para un único concierto en 1973 y fundó una nueva banda con Claude DERON (trompeta): NECRONOMICON (nada que ver con las bandas alemanas del mismo nombre ni con la canadiense ni con la japonesa ni con quién sabe cuántas más con este nombre…), grupo que evolucionaría en UNIVERS ZERO (UZ) en 1974, como un esfuerzo colectivo cuyas influencias musicales estaban definidas por el jazz eléctrico, pero cuando los metales fueron remplazados por instrumentos como el oboe y el fagot interpretados por Michel BERCKMANS, una diferente orientación musical fue definida, en pro y característica distintiva para UZ, un grupo cuya música, cargada en su principio de expresiones personales sobretodo de Daniel DENIS y Roger TRIGAUX (guitarra, posterior fundador de PRESENT), sería digna representante de un rock contemporáneo culto y único, terminando de alinearse para la grabación de su primer álbum (iba a ser epónimo pero acabó llamándose "1313") en 1977 con Marcel DUFRANE (violín), Christian GENET (bajo), Patrick HANAPPIER (violín, viola, chelo) y Emmanuel NICAISE (teclados).

Pocos grupos han logrado ser originales y UZ pertenece a una reducida lista donde bandas que sí lo han hecho están escritas. Con su entrada a un círculo que se conoce como RIO, compartiendo consideraciones con grupos como HENRY COW y ART ZOYD, UNIVERS ZERO se levanta y yergue un estandarte de conceptos hechos música que piensa y no se prostituye.

Heatwave (1986)

Después de lanzar uno de sus mejores álbums, Uzed, Univers Zero regresó con la misma calidad de aquél disco, pero en Heatwave se prefieren los cambios constantes de ritmos, temas que aumentan de intensidad sonora, pasajes más ambientales que se entrelazan con partes más rockeras; pero sobre todo, es uno de sus trabajos donde más predominan las sinfonías más oscuras, recordando a lo que se había hecho en Heresie.
Heatwave es un trabajo excepcional que pertence a la primera etapa de Univers Zero, que se inclinaba más hacia el Rock In Opossition y a composiciones muy complejas, poco melódicas. La importancia de éste álbum radica sobre todo en que sería el último que harían en un largo período de tiempo, ya que tendrían que pasar aproximadamente 13 años para que se publicara un nuevo álbum. La causa de ésto es que su baterista y principal compositor, Daniel Denis, se dedicaría a hacer más adelante dos álbums solistas, además de que trabajó un tiempo con los franceses de Art Zoyd, otra de las bandas representativas del RIO.
Los temas "Heatwave" y "Bruit dans les Murs" son temas muy caóticos, que exploran atmósferas sonoras y ritmos muy distintos que podrían no ser muy agradables, aunque sí bien estructurados. "Chinavox" es quizás el lado más amable del disco, o al menos su parte más tranquila, donde nos atrapa una melodía de ultratumba, muy del estilo que maneja Univers Zero.
Mi tema favorito es sin duda el que cierra el álbum, "The Funeral Plain", el más completo, el más diverso, donde los sintetizadores y posteriormente el piano dan la entrada. Éste inicio es muy tranquilo y ambiental, pero conforme el tema avanza, los instrumentos van aumentando su intensidad hasta llegar a desbordarse y crear un caos total, manteniendo una estructura similar a la de los demás temas, pero ciertamente más experimental.

Éste es un trabajo poco accesible y se requiere tener cierto criterio, o mejor, cierta educación auditiva, pues aunque se emplean instrumentos clásicos como muchas de las bandas del progresivo sinfónico de los 70's, en realidad las composiciones tienen poca o nula relación con el progresivo sinfónico. Es un disco impresionante con secciones muy experimentales y bien logradas, pero a pesar de toda esa calidad, no está hecho para que cualquiera lo pueda disfrutar.

TrackList:

1.-Heatwave (8:34)
2.-Chinavox (4:49)
3.-Bruit dans les Murs (8:25)
4.-The Funeral Plain (20:24)

Alineación:

Daniel Denis – drums, percussion, voice
Michel Delory – guitar
Dirk Descheemaeker – clarinet, bass clarinet, soprano sax
Chrsitian Genet – bass, nailskake
Patrick Hanappier – violin, viola
Andy Kirk – piano, synthesizer, voice
Jean-Luc Plouvier – piano, synthesizer, voice

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV Implosi0n

más de UZ por los comentarios.

10 Mejores Discos del 2008

2009-05-25T01:00:00.000-04:00

Estimados amigos, como todos los años, SDV ha realizado una encuesta interna para elegir a los mejores discos del genero progresivo publicados el año pasado. Las reglas son las de siempre: solo pueden participar discos de estudio, con material original que pertenezca a algún sub-genero del cada día más amplio espectro musical progresivo. Este año la selección estuvo basada en más de 60 discos pre-seleccionados, de los cuales pudimos reducir la lista a solo 10.

Es importante señalarles que esta lista solo refleja la opinión y gustos personales de los miembros de nuestro foro y en ningún caso creemos sea una lista 100% exhaustiva, imparcial ni mucho menos definitiva acerca del movimiento musical progresivo durante el año pasado

Desde ya queda abierta la invitación para que se integren a nuestro foro, de tal forma que puedan participar de la elección para los mejores discos progresivos del año 2009, ya tenemos muy buenos candidatos.

Pues bien, la lista es la siguiente:

1. Cynic - Traced in Air

Traced in Air, el segundo álbum de Cynic, ha supuesto una espera larga. Tras su impresionante e imprescindible debut titulado Focus, allá por el año 1993, los de Florida decidieron no seguir adelante para tristeza de miles de seguidores en todo el mundo. Llegaron a dar algunos conciertos antes de su disolución, pero han tenido que pasar 15 años para que volvieran a reunirse cuando fueron anunciados como teloneros de la gira europea de Opeth en 2008 y lanzar al mercado el mejor disco de metal progresivo según muchos comentarios que una banda haya podido parir jamás.

2. Karmakanic - Who's The Boss In The Factory

El tercer disco de la banda de Jonas Reingold, que cuenta entre sus filas al excelente cantante Göran Edman, bajo un nuevo sello y producción musical, (Inside Out Records) que le ha dado un sonido fresco, más crudo y de raíces sinfónicas, sin dejar de lado la particular visión de Reingold en el universo progresivo, tomando matices que lo llevan fuertemente hacia el lenguaje jazzístico. Un disco tranquilo, con muchos pasajes instrumentales calmos, mas "Floydianos", aunque en comparación a sus primeros trabajos diría que un escalón abajo en la propuesta.

3. Beardfish - Sleeping In Traffic Part 2

Una hermosa voz infantil inicia este disco cargado de emociones y, naturalmente, de buena música. Los sentimientos de una segunda parte de los sueños en el tráfico nos entregan tremendas percepciones, particularmente por ejecuciones sobresalientes, por una estructura muy definida, pero no por su estaticidad: se trata de una creación muy dinámica, en la cual cada uno de sus integrantes dan grandes muestras de un virtuosismo (lejos de ser desmesurado) que se abre a las puertas de un desarrollo temático y conceptual claro.
Sleeping in The Traffic Part.II es un disco enorme, ya sea por sus profundos pasajes en que la tranquilidad y la armonía se hacen uno con la locura de un rock atrevido. Ora un refinamiento sensual y atractivo, ora un desgarrador llamado desde el mundo de la emotividad desgarradora: todo eso logra Beardfish con una magistralidad sorprendente.

4. 7 x 4 - Diffusion

7 for 4 es una banda instrumental de progressive metal/fusion originaria de Munich, Alemania. Y como ya les conocimos se imponen con una extraordinaria pero coherente fusión de estilos, con influencias tanto del jazz como del rock y metal progresivo; asimismo se nutren de otros estilos latinos como el bossanova y tendencias gitanas como el flamenco y el tondero, siempre manteniendo su principal corriente fusion/progresiva.

5. The Gourishankar - Close Grip

Una reedición del disco que fuera lanzado originalmente en 2003 y que incluye, en esta nueva versión, un bonus track. "Close Grip" es una referencia obligada para entender de dónde viene el grupo y hacia dónde va, debut que tiene un lustro pero que, editado nuevamente un año después de su segunda oferta, bien puede pautar la evolución de un grupo.

6. Moon Safari - Blomljud

Un disco repleto de buena música, con una producción excelente, que no aburre en ningún momento y que sí gana con cada vez que lo escuchas, como todo buen disco de rock progresivo sinfónico. Hay una deuda con el pasado, claro, pero ¿dónde no la hay? Francamente, Blomljud no suena retro, o no en un sentido negativo, o en todo caso no tanto como otros discos de otros grupos del progresivo sinfónico actual. Moon Safari suenan actuales y originales, jóvenes y llenos de energía.

7. Panzerballett - Starke Stücke

Este grupo, oriundo de Alemania, trabaja una suerte de jazz-rock que nace del camino que pavimentara, por ejemplo, el feroz combo Naked City y que Mr. Bungle siguiera. No hay tanta experimentación como en esas dos bandas, o al menos no a niveles radicales, pero el conjunto germano se las arregla para entregar una grata sorpresa que colinda en los terruños sonoros antes mencionados con elementos más potentes, atisbos de funk, sonoridades latinas y otros lenguajes.
“Starke Stücke” se compone de 10 cortes que no poseen desperdicio alguno. No obstante, lo que más llama la atención es que los alemanes incluyen seis “covers”, con versiones totalmente novedosas.

8. Il Bacio Della Medusa - Discesa Agl'inferi d'un Giovane Amante

Diversos estilos combinados de manera soberbia. Eso es lo que encontraremos al escuchar esta joya que nos regaló 2008. Disco conceptual, inspirado en la Divina Comedia de Dante Alighieri, se caracteriza por su dramatismo y una continuidad muy bien lograda. La belleza del progresivo sinfónico italiano se hace presente gracias a la voz cargada de pasión de Simone Cecchini, la sensibilidad de las cuerdas y la versatilidad de la flauta de Eva Morelli. Dicho intimismo transita con naturalidad hacia pasajes más heavy, donde la batería, el saxo, la eléctrica y el teclado hammond logran un sonido fresco y diverso. “Discesa agl'inferi d'un giovane amante” viene a reafirmar la maestría de los italianos al hacer progresivo y, a la vez, mantiene vivo el sonido clásico, pero con un espíritu renovado. Sin duda, un trabajo excepcional.

9. Sigur Rós - Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust

Sigur Ros nos ataco este año con su album. Pero es un ataque lleno de paz y, especialmente, de libertad. Este álbum es una mezcla incesante entre una melancolía aterradora y la personificación de la libertad desde un punto de vista artístico y creativo. Esta banda mítica, dentro de los máximos exponentes del post rock es una muestra visible y encarnable de la musica vista desde una perspectiva superior, basada en una felicidad sensible y en una inocencia encantadora. Se trata de un álbum diseñado para quienes desean volar, buscar alternativas en que la espiritualidad y sobre todo, la muestra del hombre al desnudo en esta sociedad llena de tapaduras y máscaras.

10. Opeth - Watershed

Vuelven los reyes suecos del death metal progresivo tres años después de su último y excelente trabajo Ghost Reveries. Y lo hacen a lo grande con Watershed, otra verdadera obra maestra del género como para no perdersela. Un disco algo más corto y tranquilo que Ghost Reveries, pero que sigue demostrando el buen estado de forma en el que se encuentra la banda ofreciéndonos una obra redonda.

No olviden pasar por los comentarios, de seguro algo te llevarás.

After Crying - Struggle for life (1999)

2009-05-14T04:25:00.005-04:00

Hace un tiempo comentamos en nuestro foro a Mindflowers, una de las grandes bandas del jazz-rock húngaro y en esta ocasión volvemos a la carga con otra banda increíble y poderosa de ese país centro-europeo llamada After Crying.

¿Que pasa en este pequeño y pobre país de la Europa central que nos regala grandes agrupaciones como Solaris, Panta Rhei, Mindflowers y After Crying? difícil respuesta, tal vez tenga algún imán la cultura en esta la Tierra de los Magiares o Magyarország.

After Crying nace a mediados de los 80 pero no es hasta el año 1989 cuando editan Overground Music trabajo por el cual se empezarán a hacer un nombre en la escena musical de su país. La rica mixtura sonora que se erige entre lo docto-sinfónico, el rock y la vanguardia nos regala complejas y dulces melodías riquísimas en lo musical y por sobre todo llenas de una melodía acogedora, hay que destacar que en este colectivo musical han pasado mas de 50 músicos a través de toda la discográfica los cuales han acompañado a los 7 principales.

En esta ocasión comentaremos una obra en vivo grabada el año 1999 llamada Struggle for life, que recopila pasajes de los mejores momentos de la banda a dicha fecha, además este concierto contó con la colaboración de John Wetton en la versión de la inolvidable Starless de King Crimson.

Este trabajo es altamente recomendado para todos quienes buscan nuevas sonoridades o están atrapados en los matices sinfónicos. Se podrán dar cuenta de esto al oír detenidamente los dos CD en los cuales se plasmó esta presentación. Los incesantes mundos que cada tema representa, la introspección musical y las relaciones a las grandes agrupaciones del rock sinfónico, nos dejan de manifiesto uno de los mejores discos en vivo de una banda de rock progresivo de los últimos años.
A pesar de todas las reminiscencias sonoras el disco no se queda tan solo en eso porque "Struggle for life" cuenta con una personalidad propia, única y mística, la que le impregnan los músicos de After Crying.

Echa a volar tu imaginación y compra este disco, fíjate que al final en “Conclusion” encontramos un tributo a Keith Emerson, uno de tantos maestros que han influido en la música de estos húngaros.

Disco 1
1. Viaduct (5:15)
2. Stalker (12:32)
3. Sleepin’ Chaplin (3:17)
4. Little Train (2:23)
5. Suburban Night (3:36)
6. To Black Excerpt I (1:35)
7. Intermezzo (2:33)
8. Pilgrim’s March (5:09)
9. Sonata For Violincello And Piano (3:47)
10. Burlesque (3:07)
11. To Black Excerpt II (5:05)
12. Goblin Dance (5:16)
13. Hommage À Frank Zappa (8:46)
14. Starless (Featuring John Wetton) (11:35)

Disco 2
1. Fun Fair Land Opening (1:25)
2. Judas (9:16)
3. Windblown Waltz (3:13)
4. Struggle For Life (8:23)
5. Fun Fair Finale (2:06)
6. Crash And Cry (5:30)
7. Stonehenge (4:35)
CONCLUSION
8. Conclusion (10:32)
9. Arrival Of Manticore II/1 (5:20)
10. Confess Your Beauty Cello-Guitar Duet (2:24)
11. Piano Solo (1:33)
12. Drum Solo (3:46)
13. Trumpet Solo (1:19)
14. Arrival Of Manticore II/2 (1:50)
15. Conclusion-Finale (3:08)

Integrantes:
Egervari Gabor: Flauta y narración
Lengyel Zoltan: piano, sintetizador
Légradi Gabor: vocal
Madai Zsolt: batería, percusión y sintetizador
Pejtsik Péter: celo, bajo, violin, coros
Torma Ferenc: guitarra, teclados, coros
Winkler Balazs: Trompeta, piano, sintetizador

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV McReady

más? en los comentarios!

Syndone -Spleen

2009-04-02T05:03:00.003-04:00

Syndone es un trío que lleva todo el estilo del prog italiano, con el virtuosismo del arquitecto Nik Comoglio, quien estudio música con los maestros, Roberto Musto, y composición con Aldo Sardo.

Syndone produjo solo dos álbum de 1992 a 1993, Spleen e Inca respectivamente. El primero, considerado como los mejores trabajos de ese año del prog italiano. Su sonido es una mezcla de prog, fusión, jazz y caos de alta energía. Las vocales son excelentes, el álbum cubre una cantidad de territorio musical en canciones cortas de 3 a 4 minutos.
Su segundo y último álbum, Inca, el cual es considerado de mejor calidad que el primero, no lo tengo disponible, pero si el pueblo lo pide -como dice mcchato- se los tendré.

A partir de este segundo álbum su líder, NiK Comoglio, se dedicó a presentar conciertos en vivo por Europa, en la actualidad compone como solista.

Integrantes;
Nik Comoglio- piano, teclados, 1er voz cantante
Paolo Sburlati- batería
Fulvio Serra- bajo
invitados:
Tony Seffusatti- acordeón
Patrizia Caramazza- coros
Alessandra Piovera- coros

Canciones;
1- Spleen
2- Padre
3- Quousque Tandem
4- Il Salto degli Amante
5- Dentro L'Inconscio
6- Il Sogno Di Sigfrido
7- Il Gioco del Gatto
8- Tu Sei
9- David E'Goliat
10- Marianne

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV astroplata

ya saben, pasen por los comentarios!!

Yes - In The Present Tour

2009-03-22T01:56:00.006-04:00

A principios de noviembre del año pasado, planificando mis vacaciones decembrinas en Orlando Florida, me puse a revisar Ticketmaster cuando, oooh, sorpresa, el 14 de diciembre se presenta Yes en el Hard Rock Café de Orlando. Al principio tenía mis dudas si asistir o no, dado que iba a estar de vacaciones con todas las vendettas y no me gusta mucho ir a disfrutar en solitario dejándolas varadas en el resort. Sin embargo fue una de las vendettas que me dijo:”Papi, es uno de tus preferidos y debes aprovechar la oportunidad que se te presenta. Nosotras vamos a estar bien sabiendo que disfrutas”. Contra ese argumento, no me quedó mas que hacer el sacrificio. Compré la entrada por internet y a esperar que no fuese a pasar ningún imprevisto.

Llego a Orlando el 13 de diciembre y al otro día era el concierto, a las 8 pm. Asegurando la ruta desde el resort, partí a eso de las 6:40, para llegar una hora antes. De hecho, creo que fui algo así como el 5to en entrar al teatro. Tremendo teatro, a todo dar. Acústica estudiada, luces, baños de lujo, bar, paredes con afiches y fotos de presentaciones previas. Realmente un sitio para presentar este tipo de shows, para audiencias de alrededor de 1500 personas sentadas y otro tanto paradas.

Compré una birra y me puse a pasear el sitio haciendo tiempo. El asiento era asignado. Me tocó en el centro, fila 4 asiento 15. Verificando con personal del Hard Rock mi asiento, estaba en el mero centro del teatro a unos 5 metros de la tarima. Imagínense que me llevé unos binoculares para “ver de cerca” y me sirvieron fue para verle las arrugas de cerca a Steve Howe. Entre el público, en general formado por adultos contemporáneos y algunos hijos de estos, me encontré con 3 argentinos y quien dice que el mundo no es pequeño, en el puesto de al lado mío, una compañera de graduación de la universidad y su marido, de mi propia ciudad que estaban de visita en Orlando y como yo habían comprado desde Maracaibo por los mismos días las entradas al concierto, ni que nos hubiésemos puesto de acuerdo.

A las 8 en punto, con todas las sillas vendidas y no mas de 100 personas paradas a los lados, empezó la experiencia sinfónica mas hipnotizante en mi vida. Todo un sueño, Yes en vivo. Eso si, la cosa fue algo así alucinante, al ver esos caballeros sesentones con el efecto del tiempo en sus rostros haciendo emerger esas melodías polifónicas que llenaban el mas profundo de los espíritus. Sin embargo, al mirar a la izquierda del escenario, creía estar uno alucinando, viendo a Wakeman libre del paso del tiempo. Es que Oliver es casi un clon de su padre. Solo faltaba que llevara la bartola blanca y el pelo largo mas allá de los hombros. Eso sí, bien serio y concentrado en su accionar. El vocalista David Benoit, quien ha tenido la difícil tarea de sustituir a Jon Anderson (por sus problemas de salud) logró realmente hacerme pensar que cantaba mas parecido a Jon que el mismísimo Jon. Benoit fue descubierto a través de Youtube de una banda tributo. No me imagino el nerviosismo y susto que debió haber sentido cuando lo contactaron para contratarlo para sustituir a Jon.

El concierto arrancó a la hora en punto, con la tradicional Firebird Suite, utilizada históricamente por el grupo para dar su entrada al escenario. Todo estaba echado para la entrada de Siberian Khatru, fue algo así como un viaje al año 71, cuando estaban en su gira de Yeshow. El derroche de virtuosismo de Howe no ha sido afectado por el tiempo a excepción del arruguero que denota su experiencia. Squire aun brinca con todo y sobrepeso sobre la tarima y es el que le da movilidad al escenario. Me sorprendió el grado de dificultad de Machina Messiah. Siempre me había parecido una muy buena canción de la etapa mas oscura de Yes, pero al verla en vivo, observando la concentración y el esfuerzo de Howe, Squire y Wakeman para coordinar las rápidas secuencias del tema y los distintos cambios, entradas y arreglos, ha hecho que cambie mi apreciación de este tema. El otro tema que levantó a la audiencia fue Long Distance Roundabout. En el, Squire se acerca con cara muy seria al centro del escenario, se recoge las mangas de su camisa, para tener libertad para proceder con el punteo del bajo. Admirable lo que hace este maestro con sus 61 años encima. Fueron casi tres horas de total disfrute, donde se pasearon por temas de las diferentes épocas, sin menospreciar a ninguna. Al final extasiado, finalizaron con Roundabout y mas que satisfecho regresé feliz, complacido con la sensación de un pequeño sueño cumplido.

Track Listings
1. Firebird Suite (2:52);
2. Siberian Khatru (10:00);
3. Your Move – All Good People (7:29);
4. Heart Of The Sunrise (12:34);
5. Tempus Fugit (6:14);
6. Onward (5:29);
7. Astral Traveler (7:31);
8. Close to the Edge (20:45)
9. Parallels (6:46)
10. And You And I (12:09)
11. Mod for a Day – Clap (5:38)
12. Long Distance Roudabout - Clap(7:24)
13. Aliens (are only us from the future) (6:01)
14. Machine Messiah (10:54)
15. Soon (7:25)
16. Starship Trooper (13:40)
17. Owner of a Lonely Heart (6:12)
18. Roudabout (9:28)

Line-up/Musicians

- Steve Howe / Guitarras
- Chris Squire / Bajos y voces
- Alan White / Bateria
- Oliver Wakemann / Teclados
- David Benoit / Voces

Aporte de nuestro amigo del foro premiado como Mejor Reseña de FebreroVendetta

Vermilion Sands - Water Blue

2009-02-05T20:29:00.006-03:00

Tuve la misma sensación cuando hace años llegó a mis manos un trabajo de White Willow que ahora con“Vermilion Sands”.

Lamentablemente la historia es distinta, según pude descubrir en las escasas informaciones de este quinteto japonés.

Se forman en 1986 como una banda de covers de Prog Sinfónico como Renaissance o Illusion con Yoko Royama(Vocal), Masahiro Yamada (Keyboards) y también con Masumi Sakaue (Guitars), Kenji Ota (Bass), Takafumi Yamazaki (Drums), y Hiroyuki Tanabe (Flute & Keyboards).

En 1987 lanzan su LP “Water Blue” con canciones originales y enfrentando lo que viene con nuevos integrantes en la batería y bajo.

El LP contenía siete hermosos temas:
1. MY LAGAN LOVE
2. ASHES OF THE TIME
3. IN YOUR MIND
4. CORAL D - THE CLOUD SCULPTORS
5. KITAMOTO
6. LIVING IN THE SHINY DAYS
7. THE POET

1989 se lanza en formato CD su primer trabajo, con una nueva versión para el tema “Ashes of the time”.

En 1993 participan de un álbum conceptual "7 DAYS OF A LIFE" lanzado por MUSEA, que incluía a 7 bandas de distintos países para cada track. Ellos graban el tema “Love in the cage”.
En 1996 la cantante y el tecladista, formadores y gestores de este proyecto deciden trabajar con nuevos músicos, incluyendo a una violinista.
1997 la cantante Royama da a luz un hijo y suspenden grabaciones y conciertos.
1999 es lanzado un nuevo CD por Musea para el ya previo trabajo titulado “Water Blue”, pero agregando “The Love in the Cage” y unos bonus tracks en vivo.
1.MY LAGAN LOVE (1989 version)
2.ASHES OF THE TIME (1989 version)
3.IN YOUR MIND
4.CORAL D - THE CLOUD SCULPTORS
5.KITAMOTO
6.LIVING IN THE SHINY DAYS
7.THE POET
8.THE LOVE IN THE CAGE (1989)
9.IN THE NIGHT OF ANCIENT TOMBS (1988 unreleased studio bonus track)(Yoko Royama - vocals, Masahiro Yamada - keyboards, Hisashi Matoba - drums & acoustic guitar, Masumi Sakaue - guitars, Ryoji Ogasawara - bass)
10.THE LOVE IN THE CAGE (1996 live version)
(Yoko Royama - vocals & flute, Masahiro Yamada - keyboards, genta Kudo - drums, Shin Yoshimune - guitars, Yasuyuki Hirose - bass, Akihisa Tsuboy - violin)
11.IN YOUR MIND (1996 live version)
(Yoko Royama - vocals & flute, Masahiro Yamada - keyboards, genta Kudo - drums, Shin Yoshimune - guitars, Yasuyuki Hirose - bass, Akihisa Tsuboy - violin)

Finalmente en 2004 se conoce la noticia de la trágica muerte por enfermedad de su cantante, Yoko Royama.
Con esto creo es difícil seguir el camino de esta notable banda que a pesar de haber dejado tan poco material grabado es sin lugar a dudas una agrupación necesaria de conocer e indispensable para apreciar una singular versión de un exquisito Prog Sinfónico, con una notable voz fémina, que sin lugar a dudas nos recuerda a Annie Haslam, pero no por eso la consideramos una copia, si no más bien un aporte de estos nipones que por esas cosas del destino llegaron solo para dejarnos esto.

Para disfrutar y comentar, pase por los comentarios

Nuevo servicio de directorio de enlaces SDV

2009-01-26T11:30:00.006-03:00

Estimados miembros de nuestra comunidad, es un agrado para mi informarles que hemos habilitado un nuevo servicio para nuestro disfrute progresivo. A partir de este momento, en www.sonidosdeverdad.com/dir está disponible un directorio de enlaces a sitios relativos a la música. La idea es que este se convierta en un repositorio de enlaces a sitios de interes, ya sea por el acceso que nos provean a información teorica respecto a la música, acceso a sitios bibliográficos de las bandas y músicos de nuestro interes o porque simplemente nos pongan esas grandes obras a nuestro alcance. Como siempre, este es un servicio abierto a toda la comunidad progresiva de habla hispana, por lo cual cada uno de ustedes podrá consultar o alimentar la base de datos de enlaces disponible.

Esperamos contar con el entusiasta aporte de cada uno de ustedes y les pedimos que nos comenten que les parece esta novedad.

Queden atentos, porque pronto tendremos más novedades.

35007 - Liquid (2002)

2009-01-14T23:20:00.002-03:00

TRACKLIST
01.- Tsunami (11:06)
02.- Crystalline (7:50)
03.- Evaporate (5:53)
04.- Voyage Automatique (13:24)

Hace un tiempo di con una banda Holandesa llamada 35007, si así, nombre de numeritos.

La oí principalmente porque me llamo la atención que comentaban que era una banda de space rock, a lo Porcupine Tree, Ozric Tentacles, en fin algo por el estilo, pero después de escucharla creo que se quedaron cortos.

Porque estos chicos de Eindhoven, lugar de donde son provenientes, son mucho mas que una banda space rock tal y como podrían creer, en su sonido hay una búsqueda un poco mas rockera y pesada por momentos lo que me recuerda a la densidad del post rock y a la potencia del stoner mas experimental, algo como lo que hace Yajaira en nuestro país (Chile).

El disco parte con “Sunami”, un temazo de mas de 11 minutos que de verdad nos hace recordar una inmensa ola , que comienza cuando el mar se recoge pero explota en millones de decibeles de guitarras, bajo, sintetizadores y batería, una verdadera explosión, así también es como continua el resto de los temas presentes en este trabajo, como el mar con subidas y bajadas de tono, de sutilezas, de texturas y sabores, todo eso en 4 canciones y no mas de 35 minutos de duración que terminan en uno de los mejores finales de disco que eh oído últimamente, el pegadísimo “Voyage automatique”.

No es mucho lo que podemos hablar de la banda, quizás este post es de los mas largos que dará la búsqueda de Google en las paginas en español sobre el grupo, pero por lo que pude investigar les puedo contar que 35007 consta a la fecha con 6 discos editados:

• 1994 Especially For You (Lazy Eye/Semaphore)
• 1997 35007 (aka "Into the void we travelled", Stickman Records)
• 1999 Especially For You (re-release with different tracklist) (Stickman Records)
• 2001 Sea Of Tranquillity (EP, Stickman Records)
• 2002 Liquid (Stickman Records)
• 2005 Phase V (Stickman Records)

¿Y porque el nombre ese tan raro?

Simplemente porque ese numero corresponde a una relación entre las matemáticas y la música, “la matemática hecha al sonido” como ellos mismos lo dicen, así sin ninguna explicación mas, así de raros son, tan raros como sus presentaciones llenas de imágenes y proyecciones, tan extrañas como sus escasas presentaciones, así que si te topas ante una no dudes en asistir, es por eso que “Liquid” lo debes oír y disfrutar, date ese gusto con este trabajo instrumental que de seguro te dejara marcando ocupado un rato.

En la Web

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV McReady

CAST - Originallis (2008)

2009-01-14T23:06:00.003-03:00

CAST - Originallis (2008)

Neo Progresivo, México,¡30 años de Carrera!

Cast fue fundado en Baja California, México en 1978, como idea de Alfonso Vidales, su fundador y actual miembro, inspirado en crear rock con pasajes sinfónicos. Con una producción de 13 álbumes de estudio, tres en vivo y numerosas apariciones en compilaciones, Cast significa la presentación de México en el mundo de éste genero musical. A lo largo de su extensa y prolífica carrera, que se extiende hasta nuestros días, su sonido ha evolucionado y sus influencias han variado álbum tras álbum. En general, su estilo consiste en un rock progresivo melódico, con largos y numerosos pasajes instrumentales combinados con influencias barrocas, del bossanova, música clásica, heavy metal, jazz y tango. Las letras, cuando las hay, tocan temas fantásticos, épicos y existenciales.

En el Baja Prog, 2007

Su sonido posee un fuerte componente neoprogresivo basado principalmente en los teclados. Su influencia primera es la etapa media de Genesis, pero también es posible identificar momentos que remiten a bandas como Camel, ELP, Dream Theater, Jethro Tull, Led Zeppelin, Marillion, Pendragon, Pink Floyd, Rush, Yes, Savatage, UK, y un largo etcétera.

Cast ha participado en conciertos en Inglaterra, Finlandia, España, Chile, Argentina, Costa Rica, Canadá, USA, Italia, Holanda, Bélgica, Panamá, Francia y México.

Con "Originallis", Cast celebra sus 30 años de carrera musical. Como es de esperar, estamos frente a un trabajo de gran madurez, pulcritud y sobretodo, mucha fuerza. Y es que este disco mantiene la atención en su punto más alto en todo momento, gracias a su estilo extrovertido y a ratos frenético (posibilitado por la maestría de sus músicos), y también por la unidad de sus composiciones, las cuales fluyen una tras otra. La voz de Alejandro Torneros es muy agradable, versátil y capaz de transitar entre matices sensibles y extrovertidos con gran facilidad. Las letras son dignas de ser escuchadas con detención, pues están dotadas de una fuerte carga dramática potenciada por el gran desempeño de los vocalistas. Los instrumentos principales son los teclados y la guitarra, los cuales danzan juntos constantemente creando momentos de una fuerza y épica extraordinarias. La flauta, el saxo y el clarinete se encargan de colorear el conjunto, logrando construir un sonido portentoso y sobrecogedor, que hace notorios guiños al estilo de Pendragon en "The Masquerade Overture". Es digno de destacarse que uno de los guitarristas principales del disco es el chileno Claudio Cordero, quién se posicionó en la escena progresiva nacional con la banda Matraz, siendo "Originallis" el segundo disco en el que aparece como integrante de esta agrupación mexicana.

En suma, un disco Neo Progresivo de nivel mundial. Muy recomendado.

Listado de Composiciones

CD1: 49:06

1. Originallis (4:16)
2. Pulsar (9:56)
3. Lagrimas De Hielo (9:59)
4. Fuego y Humo (7:55)
5. Vientos de Guerra (4:27)
6. Tierra Honor y Libertad (4:18)
7. Furia Traicion y Gloria (7:51)
8. Bonus (0:24)

CD2: 44:20

1. De Nuevo (0:08)
2. Renacer (9:23)
3. Llanto de Octubre (2:41)
4. Aqui y Ahora (4:58)
5. Al Final la Luz Que Llama (3:05)
6. Ecos del Pasado (3:21)
7. Todo Es Un Don (8:19)
9. Medley I (12:25)

Formación/Músicos

- Flavio Miranda / bajo
- Antonio Bringas / batería, percusiones
- Guadalupe Acuna / voz
- Alfonso Vidales / teclados
- Alejandro Torneros / voz
- Claudio Cordero / guitarras
- Pepe Torres / flauta, saxo, clarinete
- Jose Torres / guitarras[/center]

Cómprenlo en su tienda favorita antes que se agote. Está increíble!

Saludos!

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Matthew Parmenter - Horror Express

2008-12-23T00:42:00.002-03:00

MATTHEW PARMENTER – Horror Express (2008)

Neo Progresivo, Estados Unidos

Matthew Parmenter, multinstrumentista y compositor estadounidense, se posicionó en la escena underground del rock progresivo mundial como cantante y tecladista de la banda de progresivo sinfónico “Discipline”, proveniente de la ciudad de Detroit, Michigan. Esta agrupación estuvo plenamente activa entre 1987 y 1999, período en que lanzaron tres discos oficiales: uno en vivo (Into the Dream…Discipline Live, 1999) y dos de estudio (Push and Profit, 1994, y Unfolded Like Staircase, 1997). Posteriormente a ello, aparecieron algunos registros en vivo, y actualmente se vislumbra la posibilidad de una nueva reunión.

Hablar de Discipline, en cierto sentido, es hablar de Matthew Parmenter. En dicha banda, el multinstrumentista fue una pieza fundamental, gracias a sus ideas, su carisma como vocalista, sus aciertos como productor y su talento compositivo. El sonido de “Unfolded Like Staircase”, y del trabajo posterior de Parmenter como solista, se caracteriza por adoptar un tinte obscuro y dramático, que recuerda con facilidad a bandas como Van Der Graaf Generator, Gnidrolog y Anglagard. Además, en vivo recuerda fuertemente a Peter Gabriel, por sus constantes cambios de vestimenta y por pintar su cara de blanco, como un mismo.

4 años pasaron desde el debut solista de Parmenter, “Astray”, para que “Horror Express” viera la luz. En él, MP ejecuta e interpreta todos los instrumentos, excepto la batería. Él mismo realiza la grabación, la produce, mezcla y compone. “In The Dark”, el primer corte del disco, ya en sus primeros momentos, nos rememora la voz de Peter Hammill y su estilo penetrante. Acompañándose del piano, nos deleita con una extensa sección cantada que gradualmente va adoptando mayor dramatismo, lo cual es potenciado por la batería y una guitarra eléctrica secundaria. En “O Cesare” definitivamente nos damos cuenta de que uno de los instrumentos principales del disco es la voz de Parmenter, mientras el violín, el bajo, el piano, la batería y el órgano se encargan de crear una base obscura, dramática, limpia, de texturas que, si bien no se caracterizan por su alta complejidad, poseen una carga emocional muy notoria, que acercan a este disco al art rock. “Escape into the Future” posee una estructura de canción bastante cercana al pop, donde el sintetizador se encarga de crear una ambientación fría y artificial. “Kaiju” comienza con un violín muy sentimental, y un ritmo de batería que ayuda a crear un ambiente fuertemente melancólico. El cello, una tímida guitarra y algunos arreglos electrónicos completan el cuadro. Un hermoso tema, de los que más lograron impregnarme. “Snug Bottom Flute and Starveling” es otro corte instrumental mucho más fuerte, extrovertido, con algunos momentos íntimos a cargo del piano, que mutan en cambios de ritmo muy interesantes, donde la batería y la guitarra se fusionan de manera muy inteligente. A continuación, “Golden Child” trae de vuelta la voz de Parmenter en un ambiente levemente tétrico, que va elevando su potencia. Este tema me regaló momentos memorables, desgarradores, también es uno de mis favoritos.

El inicio de “Monsters from the Id” nos lleva a la decadencia, haciendo aflorar nuestros arquetipos más bizarros. Parmenter y su piano dominan el ambiente, donde asoma una tímida flauta abriéndose paso entre la obscuridad. La guitarra nos invita a acelerar el ritmo, y junto a arreglos electrónicos y al teclado delinean un pasaje de gran impronta. Hacia el final, inesperadamente, Parmenter y su piano desgarran la niebla con un cálido haz de luz. Luego, “Polly New”, en más de 10 minutos de extensión, nos hace gravitar con una extraña ambientación en tonalidades grises, negras y blancas. Al fin, encontramos una estructura algo más compleja (aunque no demasiado), con la batería y el piano creando in crescendos memorables, y con los ya acostumbrados momentos íntimos y dramáticos de Parmenter y su piano. El tema transita entre momentos cálidos, obscuros, y otros de matices intermedios. Me gusta mucho la guitarra en este tema. “All Done (Horror Express)” comienza a cerrar esta obra (“I finished the job…”). La voz es la base y la protagonista total, junto al piano, a los cuales en determinados momentos se suman otros instrumentos. Por último, “The Cutting Room” comienza con una perversidad absoluta, y en sus breves 6 minutos nos brinda pasajes de lo más versátiles y memorables. Uno de los puntos fuertes del disco, una pesadilla convertida en música, una composición exquisita, dramática y estremecedora, con juegos vocales fantasmagóricos (creados por teclados) asomándose en ciertos momentos, un cierre tremendo para este original y muy recomendable disco. A mi juicio, uno de los lanzamientos de mayor calidad en el progresivo del 2008, si bien no por complejidad, si por estética y concepto.

Track Listings

1. In The Dark (9:22)
2. O Cesare (3:41)
3. Escape Into The Future (4:47)
4. Kaiju (Instrumental) (3:51)
5. Snug Bottom Flute And Starveling (Instrumental) (3:41) 6. Golden Child (3:51)
7. Monsters From The ID (7:53)
8. Polly New (10:07)
9. All Done (Horror Express) (7:19)
10. The Cutting Room (Instrumental) (5:41)

Total Time: 60:13

Ojalá se animen a conseguirlo, es bueno, interesante, y sobretodo, muy diferente a lo que ha salido
a la luz este 2008.

Saludos!

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ah...y no olviden los ¡Comentarios!!

BELIEVE - Yesterday is a Friend

2008-12-11T19:38:00.009-03:00

Believe es el proyecto del guitarrista de Collage y Satellite Mirek Gill junto con Tomek Rozcki, Adam Milosz (voces y guitarra acústica), Przemas Zawadzki (bajos), Vlodi Tafel (batería) y Robert Sieradzki(líricas), quienes crearon una forma original del rock neo progresivo, ofreciendo movimientos melancólicos del neo progresivo con un sonido duro en los límites del metal. De esta manera Believe logra un estilo experimental y poco convencional del rock progresivo. En esta segunda producción, Yesterday is a Friend, incorporan también a Satomi en los violines, de la banda japonés Marble Sheep y como invitados al tecladista Adam Milosz. Como se podrá inferir, es un sonido melódico, con texturas y atmósferas bien logradas con solos de guitarras y de violín que se alternan para lograr efectos buscados, tranquilidad en unos casos, búsquedas frenéticas en otros. Variaciones en intensidades donde se pasan por distintos estados de ánimo invitan a oir cada vez más esta excelente producción.

Citando a Alfredo Tapia Carreto: “La especie de fusión de Quidam, Turquiise y Ankh que BELIEVE supuso en su álbum anterior se vierte en este álbum en un sonido madurado por la experiencia, la cualidad compositiva, la sensibilidad interpretativa y la superioridad musical, regalando nueve temas que se identifican por matices hard, folk y arte rock, adornados con detalles de rudeza técnica y buen gusto. Ya no es necesario comparar la música que GIL y compañía ofrecen con sonidos conocidos, permitiendo que con "Yesterday is a Friend" uno pueda disfrutar de un grupo con su propia marca, imaginativa y sensitiva. Es muy rico oír cómo con la base de identificación sinfónica el grupo se demuestra en ritmos distintivos, combinando con balance acústica y eléctrica, rudeza y romance, Este y Oeste, equinoccio progresivo.”

El primer tema Time se inicia con un arpegio de guitarra ambientado por la flauta transversa del invitado Karol WRÓBLEWSKI, quien precede a la entrada del violín de Satomi. Esta fusión de sonidos alternos entre los teclados, flautas y violines se van a repetir durante el resto de la obra para lograr los efectos deseados. La canción te hace sentir una ansiedad por la meta no lograda. Son más de 6 minutos donde angustiosamente nos deleitaran los distintos arreglos alternos, donde hacia el final acentúan el sentimiento con la entrada de un punteo hard de guitarra.

El siguiente tema es Tumor, con un inicio de tambores y unos arreglos que recuerdan temas de Riverside, oscuros y profundos. Atmosferas underground bien logradas. Es un tema que te hace sentir como un encantamiento que te envuelve. Tiene una entrada de piano excelente que precede a un punteo profundo de guitarra, al mejor estilo de Satellite.

El tercer tema es What they want (is my life), contiene elementos que tiene en si también la influencia de Riverside, pero donde el violín le da un cierto sentido de folk que me hace recordar también a Kansas. Un solo de guitarras del otro músico invitado Winicjusz CHRÓST complementan el tema. Me despierta sensaciones de esperanza, de tener claro un sentido de dirección en tu plan de vida. El solo de violín sobre arreglos de piano acústico de fondo casi que hacen poner la piel de gallina. Es un tema para disfrutar. Sigue Mistery is Closer, tema de por mas decir desarrolla atmósferas misteriosas, con los teclados poniendo su toque sobre el ritmo de la batería y bajo. Un tema interesante que recuerda posiblemente un John Lord de Purpura. You and Me es una hermosa balada casi acústica, con la participación protagónica de arpegios de guitarras, piano acústico y violines de fondo. Danny Had a Neighbor es un tema que desarrolla atmosfera alegre, casi festiva, con arreglos que despiertan cierta intriga, muy bien logrados. Memories es un tema suave orientado hacia el folk rock, con violines, guitarras acústicas que pasan de una melodía relajada a un enérgico rock. Cierran con dos temas, Unfaithful y Together. El primero es un tema con cierto aire a una fusión con jazz mientras que el último es una suave balada pegajosa de sonidos acústicos melodiosos entre guitarra clásica y violín. A esto se le unen coros polifónicos. El solo escuchar esta pieza es un regalo para los oídos.
Solo puedo finalizar recomendándoles a todos, no dudar en obtener en su tienda preferida este CD y esperar con ansias su próxima producción.

Track List
1. Time (6:20)
2. Tumor (6:05)
3. What they want (is my life) (8:03)
4. Mystery is closer (6:02)
5. You & me (4:53)
6. Danny had a neighbour (5:18)
7. Memories (7:22)
8. Unfaithful (6:16)

9. Together (2:35)

Rick Wakeman en Viña

2008-12-07T11:28:00.011-03:00

Al llegar a la Quinta Vergara (nombre del anfiteatro abierto de Viña del Mar…), me llamó la atención ver en el escenario un gran piano de cola junto a los atriles listos para recibir a la "Orquesta Sinfónica de Santiago". Sorpresa para muchos?...(los afiches mostraban como siempre a un Wakeman rodeado de sus teclados. ¿?)

Y luego ya me lo anticipó un amigo que trabajaba en el staff del sonido de Wakeman en Viña y que estuvo en la prueba de sonido o ensayo general.

..."nada extraordinario, en lo que se refiere al show que acostumbra Wakeman en torno a sus teclados…vino a tocar piano….y a tocar su música en piano con orquesta…”

Mis expectativas no eran muy altas, además conozco más o menos el “trámite” que significa para mis colegas de la Orquesta tener que hacer este tipo de “eventos” o “cancheos”.

Se asoma Wakeman, de negro, casi formal, sin sus típicas túnicas, y directo al piano, y comienza una obertura musical arreglada por su amigo y maestro musical Guy Protheroe a cargo de la orquesta y que nos entrega los sones de las más representativas obras de RW, como “Arthur”. Imponente, majestuoso, y pasajes precisos presagiaban una noche mágica.
Creo no equivocarme al decir que más allá de los típicos pequeños problemas de sonido, (una frecuencia baja que acoplaba de vez en cuando), o algunos ruidos externos, como si un contrabajista tocara con su arco o pie el atril de micrófono, el resto, y sin ponerme exigente con mis colegas de la orquesta, ya que podría detallar más de un problema de ensamble y de falta de aplicación musical; lo que presencié anoche en la Quinta llenó con creces mis expectativas.
Sabía a lo que iba, aunque la publicidad un tanto engañosa, al ver la foto de RW con sus infinitas teclas, y leer que nos encontraríamos ante un coro de 30 personas y lamentablemente éste no superaba las 12, a pesar de todo esto, era Wakeman.
Estaba en presencia de un maestro, no solo un ejecutante de teclados, estaba frente a un músico global, un músico intérprete y compositor de este siglo, de nuestra era, vivo y frente a mí entregando todo de sí y demostrando que sin una parafernalia puede dejar taciturnos a más 4 mil personas que fueron exclusivamente para verlo a él. Tal vez sabiendo esto, nos regaló dos hermosos arreglos en la mitad del show de “Help” y “Eleanor Rigby” de los Beatles, y tal vez por lo mismo nos regaló una exquisita interpretación de Catherine Howard, y tal vez por lo mismo y después de su segunda salida al escenario nos deleita solo al piano “Catherine Of Aragon” dejando mudo a un público que tal vez venía dispuesto a rockear, mover la cabeza o ver un show al estilo que le conocemos. Pero creo que todos fuimos cómplices esa noche y aceptamos esta dulce entrega musical que no nos viene mal de vez en cuando como para recordar que ante la presencia de una entrega real y maestra como la de RW, e insisto, más allá de cualquier tecnología o de nuevas tendencias musicales, la música en esencia es una sola, y RW lo demostró con creces.
Qué me falto? Más trabajo de coro, sobretodo en “Mitos y leyendas…”. Me faltó también las narraciones de “Viaje al Centro..” creo es parte de la obra y no menos importante. Me faltó mas percusión, parece que el director o la mujer (que no recuerdo su nombre) que presentaron como orquestadora, no era muy amiga de los tambores. Me faltaron también voces solistas, que se usa en el estilo coral sinfónico.
Qué me sobró? La excesiva repetición de las hermosas melodías de RW. Por ejemplo, no era necesario repetir la majestuosa introducción de “Arthur” o de “Viaje al Centro…” Me sobró también el ruido externo de la amplificación, a pesar de muy buen trabajo de equilibrio sonoro acústico, había mucho ruido extra. También estuvieron de más los silbidos insistentes de algunos asistentes que aún no entendían que estaban en una “sala de conciertos”.

Te esperamos entonces maestro como lo anunciaste en vivo para el 2009 con la obra en vivo “Viaje al centro de la Tierra”.

Mientras algo clásico para compartir con ustedes.

Y unos "boot"..auspiciados por thedreamcastle, quien los registró de su mp3

Foro en el aire!

2008-12-02T21:37:00.002-03:00

ya pueden ingresar a nuestro Foro

SDV

Aviso!

2008-12-02T09:47:00.003-03:00

Estimados usuarios del Foro de SDV.

Por el momento nuestro Foro está caído, y esto se debe a problemas específicos del "hosting".
Ellos han comunicado, según cuenta McChato, que están migrando a un nuevo servidor.

Esperamos sea pronto el retorno, para seguir online.

Mientras tanto y como siempre, nuestro Blog está dispuesto para recibir vuestros comentarios y aportes.

Aguante SDV!!

:)

Spin XXI - Contraponto (2006)

2008-11-13T06:05:00.000-03:00

Spin XXi es una banda brasileña, formada en la medianía de los 70, por cinco compañeros de colegio fanáticos de bandas como Genesis, Yes, gentle Giant, y también de músicos locales folclóricos como Milton Nascimento o Beto Guedes. Su historia resulta curiosa pues nunca obtuvieron reconocimiento alguno, y pasaron por continuas disoluciones y reagrupaciones... por más de veinte años!! Ya finalmente decididos a dedicarse a la música y a la banda de toda una vida, el año 2002 componen los temas que serían los definitivos del disco "Contraponto", lanzado el año 2006.

En "contraponto" encontramos una banda sólida, de intérpretes con un gran dominio en sus instrumentos, la influencia de las bandas setenteras se deja notar claramente en su dúo de sintetizadores a veces atmosféricos, a veces ultra melódicos y frenéticos, o a veces haciendo de un exquisito piano de romántico tardío, y en un bajo que no se conforma con su función "tradicional" de marcar tónicas o dominantes, sino que se involucra como un agente melódico más. Es entendible entonces que entre tanto tejido de melodías simultáneas aparezca el nombre del contrapunto como eje conciliador. Por supuesto que como buenos brasileños son fieles a su rica tradición musical, la que aparece en sus rítmicas irregulares, y en el trabajo cuasi recitativo y teatral de la voz, cargada de expresividad más allá de una escucha centrada en la variación de altura de las notas que emite, sino que en sus timbres, desgarros y murmullos.

Cuesta entender tras escuchar este disco, como esta banda se demoró tanto en iniciar su carrera musical, sin embargo queda clara la experiencia pues aparece una madurez musical inesperada para un debut.

Los temas de esta bella grabación son:

1- Sensaçoes
2- Buscando algo de novo
3- Conflitantes paranoias (part 1 - séc xx)
4- Conflitantes paranoias (part 2 - séc xxi)
5- Ventos do passado

Los virtuosos:

TATOO Magdalena - Guitars and Backing vocals.
KAKAO Figueiredo- Vocal auxiliar Keyboards , Guitars and Percussion.
MARCELO de Alexandre - Bass ,Pedal Bass ,Acustic Guitars and Backing Vocals.
SYLVIO Sá Corrêa - Drums and Percussion.
ERALDO Corrêa - Keyboards.

Así que ya saben, a penas puedan adquieran este precioso material, de una banda que "recién" empieza, a la vez cierto y a la vez ironía, en las lides de la música. Les dejo su Myspace para que conozcan un poco de su música

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV Christean

GROBSCHNITT – Discografía Esencial (1972-1978) Progresivo Clásico, Alemania

2008-10-22T16:39:00.011-03:00

Grobschnitt: Historia y discografía esencial

Grobschnitt fue una banda progresiva alemana que estuvo activa entre 1970 y 1989. Podría decirse sin tapujos que fue una de las agrupaciones más eclécticas y de renombre de su época dentro de la escena musical. Se caracterizaron por su carisma, sentido del humor bizarro (que incorporaban en sus grabaciones y recitales), y por sobre todo, por su espectacular y teatral puesta en escena que podía extenderse más allá de dos horas sin perder una pizca de potencia. En vivo, lo común era presenciar extensas versiones improvisadas que incorporaban variaciones sustanciales a los temas originales, e incluso se daban a conocer cortes totalmente nuevos. En estas grabaciones es posible escuchar la euforia del público ante tamaños espectáculos repletos de pirotecnia, fuerza e histrionismo.

Su música es una mixtura de diversos estilos: el progresivo sinfónico (largas suites de corte épico), el psychedelic space (extensos pasajes lisérgicos con teclados atmosféricos y guitarras sensuales y electrizantes) e incluso la obscuridad y densidad del kraut (clima potenciado por sintetizadores y efectos sonoros). Es posible categorizar el sonido de Grobschnitt, y dividirlo en tres etapas. Inicialmente, se inclinan por la psicodelia, lo cual gradualmente cambia hasta mutar a un progresivo sinfónico “light”, limpio y alegre. Posteriormente, en los ochenta, adoptan un sonido mucho más comercial, tal y como sucede con gran parte de las bandas progresivas surgidas en los 70s.

La historia de la banda comienza en 1970, y la mayor parte de sus miembros (Stefan "Wildschwein" Daneliak -voz, guitarra-, Joachim "Eroc" Ehrig - batería, percusiones, efectos electrónicos - y Gerd Otto "Lupo" Kuhn - guitarra, voces) provenían de la banda de rock psicodélico “Crew”. A ellos se les sumaron Axel “Felix” Harlos (batería, percusiones), Hermann “Quecksilber” Quetting (órgano, piano, percusiones) y Bernhard “Bär” Uhlemann (bajo, flauta, percusiones). Los nombres entre comillas constituyen sobrenombres que ellos mismos crearon para sí, en cierto modo para asumir un rol propiamente teatral dentro de la agrupación, lo cual se mantendría en vivo, en estudio y en la relación con el público. Esta es la formación que mantienen en su disco homónimo de 1972 Grobschnitt. Este debut es un tremendo remezón a la escena. Dos bateristas frenéticos tocando al unísono, un guitarrista muy sensual y potente, un vocalista de gran carisma, un teclado lisérgico y estremecedor, percusiones alegres y salvajes, pasajes sinfónicos y numerosos efectos electrónicos son la fórmula. Incluso es posible asociar su música a lo que Santana hace en "Caravanserai", pero en este caso, con un eclecticismo notable y un sonido muy característico que acompañaría a la banda durante toda su etapa progresiva.

Listado de Composiciones

1. Symphony: (13:44)
a) Introduction
b) Modulation
c) Variation
d) Finale
2. Travelling (6:50)
3. Wonderful music (3:40)
4. Sun trip: (17:43)
a) Am Ölberg (Mount of Olives)
b) On the way
c) Battlefield
d) New era
Bonus track:
5. Symphony. Live at Volkspark, Germany, Sept. 71 (29:40)
Luego de este disco debut, único estilísticamente dentro de la discografía de Grobschnitt, la banda vive la partida de Quecksilber (siendo reemplazado por el mítico Volker “Mist” Kahrs en teclados, quien poseía formación en música clásica) y del baterista Harlos. Así, se convierten en un quinteto, y con dicha formación lanzan su segunda placa “Ballermann” en 1974.

Este disco mantiene la combinación de sonidos sinfónicos con elementos del space rock, fórmula utilizada en su debut homónimo del 72, pero Ballermann es decisivo para la historia de la banda, pues en él se encuentra su composición más conocida y sobresaliente: Solar Music, la cual por sí sola ya obliga a cualquier fan del progresivo a tener este lanzamiento entre sus álbumes de cabecera.

Sahara es el primer tema, donde un coro satírico sirve de antesala para 5 minutos de un viaje épico y solemne. Luego, Nickel Odeon es uno de los puntos más altos del disco, con un tono melancólico, una atmósfera muy espacial, y un vocalista muy inspirado. Los cambios de ritmo son muy interesantes, y los largos pasajes instrumentales dejarán satisfechos a los más exigentes. Drummer´s Dream es mucho más light, con melodías cálidas y placenteras que se alternan con momentos más frenéticos. Morning Sun es similar a la anterior, pero algo más compleja y con más momentos acelerados. Las voces satíricas de “Sahara” reaparecen al final de la composición. Magic Train comienza con un hermoso y extenso solo de piano, que es seguido de un alucinante y frenético viaje, con un sobresaliente desempeño de la batería y de la voz de Wildschwein. La composición tiene cierto parecido con el sonido del Genesis de la era Gabriel, realmente suena muy bien. Ya al final, la maravilla viene con Solar Music, una composición de 33 minutos dividida en dos partes que es el ícono de toda la carrera de la banda. Esta suite fue posteriormente ejecutada en vivo por el grupo en numerosas ocasiones, con un gran despliegue escénico lleno de efectos y teatralidad. Nunca una interpretación era igual a la otra, siempre creaban nuevas improvisaciones sobre la estructura base, llegando a lanzar más de doce discos de registros en vivo de dicha suite, algunos de los cuales duraban casi una hora. Es una composición desbordante de psicodelia, realmente sublime, con ambientes sobrecogedores que mantienen la atención en su punto más alto. Es toda una odisea espacial, ácida, apasionada y vertiginosa, con algunos momentos que rayan el delirio.

Listado de Composiciones

1. Sahara (5:33)
2. Nickel-odeon (9:14)
3. Drummer’s dream (6:11)
4. Morning song (5:42)
5. Magic train (13:20)
6. Solar-music part 1 (17:28)
7. Solar-music part 2 (15:58)

En 1975, Bernhard “Bär” Uhlemann es reemplazado por Wolfgang "Popo" Jäger en el bajo, y con esta nueva formación la banda lanza el disco “Jumbo”. Este tercer lanzamiento tiene la peculiaridad de haber sido grabado en dos versiones, seguramente para poder ampliar su mercado: la versión en alemán (que a veces suena con más fuerza que su par) y la versión inglesa. Existe una versión remasterizada que incluye ambas versiones.

Al escuchar "Jumbo", es notorio como la banda, desde este disco, se aleja paulatimanente del Space Rock y el Kraut, para sonar cada vez más sinfónicos y limpios. A diferencia de su disco anterior "Ballermann", donde Grobschnitt da rienda suelta a la psicodelia con su monumental "Solar Music", esta vez los pasajes delirantes y obscuros se minimizan, dando paso a un sonido muy cercano a Yes y Camel, manteniendo sin embargo el sonido característico de la banda. Siguen presentes las voces graves y de fuerte acento y la irreverencia, pero la batería se vuelve mucho más correcta, la guitarra y el teclado limpian sus sonidos, y en definitiva, la propuesta se vuelve cada vez más sinfónica y luminosa, cercana a la escena inglesa de la época, pero sin perder identidad.

Listado de Composiciones

Versión en inglés:
1. Jupp / The Excursion Of Father Smith (9:55)
2. The Clown (6:44)
3. Dream And Reality (5:28)
4. Sunny Sunday's Sunset (11:29)
5. Auf Wiedersehen (0:58)

Versión en Alemán (1976):
6. Jupp / Vater Schmidt's Wandertag (9:54)
7. Der Clown (6:51)
8. Traum Und Wirklichkeit (5:28)
9. Sonntag's Sonnabend (11:29)
10. Auf Wiedersehen (0:56)
11. Auf Wiedersehen (Reprise) (mystery bonus track) (1:17)

En 1977 ve la luz “Rockpommel´s land”, el primer disco de la banda que logró un alto éxito comercial. El concepto de este cuarto lanzamiento trata sobre el escape de un niño llamado Ernie a su propio mundo imaginario, donde es acompañado por una criatura alada llamada Maraboo. Por muy inocente y simple que esto pueda parecer, la banda continúa siendo irreverente y se toma dicho concepto no muy en serio, lo cual puede ser comprobado ya con solo mirar la portada (hecha por el artista alemán Heinz Dofflein). Pero la música, por supuesto, sí que es construida con seriedad y pulcritud, lo que no impide sentir en todo momento un sutil dejo de ironía a lo largo de “Rockpommel´s land”.

En este disco, la banda definitivamente se abandera por un sonido sinfónico limpio y brillante, muy cercano a Camel y Yes, e incluso a la etapa sinfónica de sus coterráneos de Hoelderlin. Podrían, por esto, ser criticados y llamados poco originales, pero personalmente en esta etapa de Grobschnitt sigo sintiendo ese estilo distintivo que les da identidad. Las composiciones son muy ordenadas y agradables, con el acostumbrado histrionismo de Wildschwein en la voz, pero en general el sonido es mucho más maduro y concienzudamente refinado que en sus álbumes anteriores, los cuales son mucho más salvajes y potentes. En general, podemos encontrar unos arreglos increíblemente precisos y memorables a cargo de teclados, mellotrón y sintetizadores. La guitarra crea unas progresiones claras y limpias, la batería define ritmos con ordenadas ejecuciones, y en general, estamos ante un disco bastante parejo, placentero, que he llegado a comparar algunas veces (osadamemte) con el sentimiento que provoca el post rock, pero con la marca personal de Grobschnitt.

Listado de Composiciones

1. Ernie's Reise (10:56)
2. Severity town (10:05)
3. Anywhere (4:13)
4. Rockpommel's Land (20:55)
Bonus track on cd release:
5. Tontillon (6:15)

Luego de la aventura de Ernie, el público esperaba un disco similar como quinto disco de la banda. Pero Grobschnitt quiso sorprender con “Solar music Live”, su placa más emblemática e inmortal, que podría hacer pensar que la banda lograba su mayor potencial arriba del escenario, y no dentro de un estudio. Este álbum constituye un extracto de la segunda parte de un show en Mulhiem, Oeste de Alemania, en 1978. Solo las tres partes de la suite “Solar Music forman parte del repertorio previo de la banda, e incluso poseen importantes variaciones respecto de las grabaciones originales. El resto de las composiciones son absolutamente nuevas, y son en esencia extensas improvisaciones ácidas, obscuras y psicodélicas, caracterizadas por extensos pasajes instrumentales y por un evidente protagonismo de la guitarra eléctrica y sus solos. En general, Solar Music Live gustará a quienes disfrutan el rock psicodélico y el space (Pink Floyd, Nektar,) con predominancia de teclado y guitarra (a diferencia de bandas como Eloy y Hawkwind, donde priman los sintetizadores). Creo que esta placa, dada su maestría, amerita un análisis más exhaustivo.

En Solar Music 1, estamos ante un profundo comienzo producto de la comunión de todos los instrumentos. Especialmente destacan los sintetizadores (que ayudan a la ambientación espacial), la épica y carismática voz de Wildschwein y los sonidos bizarros y humorísticos emitidos por el baterista Eroc. Luego, en Food Sicore, la acidez y la psicodelia del krautrock se hacen presentes con una intensidad que estremece. Te sientes como caminando sobre la superficie de un planeta desierto, sin atmósfera, donde miras hacia arriba y solo ves el obscuro e imponente universo delante de ti…después, el inicio de Solar Music I te atrae, y no es posible oponer resistencia…es como si un profundo espiral multicolor te absorbiera lentamente hacia profundidades desconocidas. Los sintetizadores, en conjunción con la guitarra, crean un ambiente denso y penetrante, que aumenta su intensidad de manera gradual e irremediable. Los teclados definen texturas delirantes, que van dando paso a un frenético y ácido interjuego entre la guitarra y la batería. En Mulhem Special, el sonido ya evoca colores fuertes y salvajes, donde un fuego abrasante parece cubrirlo todo. El teclado y el bajo juegan un momento, para dar paso a Danielak y su guitarra que expele bocanadas de fuego en todas direcciones. La batería también tiene momentos de protagonismo, y sus sonidos llegan directamente a tus entrañas…en medio de la canción, una bizarra voz de presentador en medio de una extraña fanfarrea carraspea y habla a sus anchas…luego la guitarra y la batería hacen gala de un frenetismo electrizante, dando paso a la tremenda Otto Panrock, seguida de Golden Mist. En este corte, el bajo se luce al principio, y Ehrig realiza unos arreglos exquisitos con teclados y sintetizador. De pronto, un momento frenético y tremendo, de una fuerza solo dimensionable al oírla, estremece sorpresivamente. Batería, efectos y voz son la fórmula. Unas risas desquiciadas potencian los delirios definidos por el teclado y los efectos electrónicos. Casi al final, un inesperado pasaje sinfónico se superpone al ambiente espacial, donde los tonos mayores tiñen de otros colores el ambiente. En Solar Music III Lo sinfónico/psicodélico se mantiene por algunos momentos, hasta que nuevamente la guitarra y la batería electrizan todo a su alrededor, sumergiendo todo nuevamente en una psicodelia multicolor. La guitarra crea un torbellino que devora la atención y la lucidez, paralizando todo pensamiento. Todo se detiene ante el teclado de Mist, el cual se toma el protagonismo hasta el final de la canción.
Solar Music III – Video por Youtube

El bonus track The missing 13 minutes constituye una variación de la latina, bailable y ácida “Symphony”, del disco homónimo. Consta de algunos momentos jazz, una guitarra protagónica que recuerda Caravanserai de Santana y un teclado alegre. Con esta base, Wildschwein presenta a los integrantes de la banda, antes de dar paso a Vanishing toward the east…
…desapareciendo hacia el este, irremediablemente se cierra el telón. Los asistentes vuelven a la realidad y se levantan de sus asientos. El viaje ha terminado, hasta una próxima ocasión, y guardamos las ganas de oír más y más música solar. Es imposible evitar sentir haber presenciado uno de los conciertos más monumentales del rock progresivo de todos los tiempos.

Listado de Composiciones

1.Solar Music I (4:38)
2. Food Sicore (3:52)
3. Solar Music II (6:03)
4. Mühlheim Special (10:43)
5. Otto Pankrock (6:26)
6. Golden Mist (10:56)
7. Solar Music III (12:26)
Bonus tracks en relanzamiento de 1998:
8. The Missing 13 Minutes (13:08)
9. Vanishing Towards The East (0:35)

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV Usul

ya saben...en los comentarios...más de este notable aporte.!!

CONGRESO – Congreso (1977)

2008-10-19T16:54:00.002-03:00

CONGRESO es una reconocida banda chilena de fusión latinoamericana formada en la ciudad de Quilpué, que surge a finales de los 60 resultante de la unión de los hermanos Patricio, Sergio y Fernando González con Fernando Hurtado (todos provenientes de la banda “Los Psicodélicos”) y Francisco Sazo (quién venía de la banda de rock “Los Masters”). Desde sus inicios poseen fuertes influencias de la psicodelia británica y el rock progresivo, cuyos elementos logran fusionar de manera única con instrumentos propios del folklore latinoamericano. Su música, además, se acompaña de bellas letras, algunas muy poéticas, otras muy sentimentales.

En su disco homónimo, que corresponde a la tercera placa de su carrera, Congreso llega a un punto creativo realmente muy elevado, alcanzando por lejos el sonido más progresivo, potente y apasionado que, a mi gusto, han desarrollado hasta la fecha. Hecho bastante notable dada la época en que fue lanzado el disco (bajo la dictadura militar que sostuvo el poder en Chile desde 1972 hasta 1990). Este es uno de aquellos discos cuya calidad se mantiene de principio a fin, siendo muchos de sus temas simplemente inolvidables. “El color de la Iguana” es una obertura alegre y elegante, donde interactúan flauta, charango, batería, bajo y bronces. Un comienzo bastante potente, cuya fuerza va aumentando gradualmente, hasta que al final las voces y las percusiones se toman el protagonismo. Luego, en “Volantín de Plumas”, Congreso nos muestra su lado más sensible y poético, donde con un sutil ritmo de cueca hacen una oda al chirigüe, pequeña ave típica de nuestro país. “Si te vas” es una canción de amor con un fuerte sentimiento andino ayudado por la zampoña. Me gusta mucho como suena el bajo en esta canción, y me parece muy interesante como logran combinar fluidamente una letra tan simple (pero hermosa) con una instrumentación compleja y versátil. Luego viene “Los Elementos”, una canción absolutamente progresiva, tremenda, mi favorita personal del disco. Comienza con una sección que evoca una mañana del mundo, una especie de despertar vital:

Inútil como una flor de goma, abierto como un ropero viejo
Absurdos los ojos y la boca, traté de ser un aeroplano
Y ved la tierra justo abajo, cayéndose como una naranja negra…

Luego se incorporan la batería, el charango y la zampoña, para así comenzar a dar forma a la historia, un poco más de energía a este viaje...

Antiguamente, antes del reloj, y el campanario…

…lo cual es la antesala de una sección espectacular, que consta de una base de percusión y de un punteo de guitarra bastante simple, pero terriblemente penetrante. La batería es tremenda, sale de las profundidades de alguna parte…

Cuando nadie estaba existía, sólo planetas silenciosos
Parecían todos, un universo submarino
Parió la tierra a la luna, de una grieta en el mar, mar y luna se nombró…
…Vino el pez, la mariposa, los insectos diminutos
Cada planeta preñado, obligaba a su progenie a continuar procreando

Y luego de un frenético pasaje, se viene una cuequita progresiva, dando fin a esta magnífica pieza. No te culpo si deseas oírla otra vez, y otra vez más.

Luego “El cielito de mi pieza” es una canción íntima, con unas cuerdas realmente angelicales, y una letra preciosa. “Tu Canto” es más compleja e incluso algo ácida en algunos momentos, con unos largos pasajes instrumentales. Después llegamos a la monumental “Arcoíris de hollín”, otro de los puntos (más) altos del disco. Con un comienzo oscuro y emotivo, este tema muestra una estructura mucho más compleja incluso que “Los elementos”. La letra y los matices reflejan, como muchas otras composiciones de Congreso, sentimientos y hechos ligados a la vida en dictadura. Pancho Sazo hace gala de una voz llena de fuerza, y su boca exclama versos de denuncia que los milicos estrechos de mente jamás supieron descifrar. Un cierre absolutamente notable, apasionado y potente, que nos recuerda que estamos ante uno de los mejores trabajos de Congreso en todas sus etapas como agrupación.

*Para ganarnos el cielo” es un bonustrack de unos no despreciables 11 minutos de duración, tema inédito hasta el lanzamiento de este disco. Narra la llegada de los españoles a América, con una instrumentación algo épica, que llega a parar los pelos en algunos momentos.

En suma, y para no extenderme en demasía, solo puedo decir que este disco es cien por ciento recomendado, y debe estar en tu colección ya seas fan del progresivo, de la fusión latinoamericana de bellas y poéticas letras, del folk o simplemente de la buena música.

Listado de Canciones

1. El color de la Iguana
2. Volantín de Plumas
3. Si te vas
4. Los Elementos
5. El cielito de mi Pieza
6. Tu Canto
7. Arco iris de Hollín

Formación/Músicos

- Fernando González / Compositor, Guitarras Acústica y Eléctrica
- Patricio González / Cello, Guitarra de 12 Cuerdas
- Fernando Hurtado / Bajo Acústico y Eléctrico
- Sergio González / Batería, Percusiones, Piano, Guitarra
- Francisco Sazo / Voz, Letras, rondador, tarca
- Renato Vivaldi / Flauta, Tarca, rondador

Ojalá se animen a conseguirlo, muchos saludos!!!

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV Usul

Tristeza - A Colores (2005)

2008-10-13T22:38:00.002-03:00

Este es mi primer review, y bueno, estos últimos días me he adentrado en lo que llamamos post-rock. El otro día viendo el DVD Heima de Sigur Rós, me sorprendí al ver al baterista del grupo usar la polera del grupo Tristeza, y recordé que alguna vez compre el disco por ahí, y comencé a escucharlo.

Integrantes de la Banda:

* Christopher Sprague - guitarra
* Jimmy Lehner - Batería
* Luis Hermosillo - Bajo
* Alison Ables - Guitarra
* Sean Ogilvie - Teclado

Originada en San Diego, California (EEUU) en 1997, esta banda creadora de una atmósfera a veces enlazada con la sicodelia, posee varios rasgos, del jazz en la batería, como del prog, en las guitarras y teclados, pero nunca dejando de lado ese toque de post/rock y ambient, que da una suavidad y belleza a la composición. Aunque el nombre dice mucho, la verdad más que tristeza, el grupo logra transmitir un clima más de relajo y reflexión, desde mi punto de vista. Pero bueno, por la poca información que he podido recolectar no me queda otra opción que pasar directamente al disco.

A Colores (2005)

01. Bromas
02. Balabaristas
03. Abrazo Distante
04. La Tierra Sutil
05. Liquid Pyramids
06. Halo Heads
07. Wand
08. Aereoaviones
09. Cuchillos De Hielo
10. Stumble On Air
11. Harmonic Sea
12. Palindrome Dome

A colores, es un disco totalmente instrumental, y muy bien elaborado, con mucho detalle y delicadeza de interpretación.
El disco comienza con Bromas, un tema oscuro, iniciando con una melodía en guitarra bastante nostálgica, que va siendo rodeada de teclados y así se van uniendo pequeñas piezas, que van dando forma a una especie de ambiente frío que me da la sensación de una ciudad bajo la lluvia. La batería con una buena base rítmica acompaña sin descanso la aparición de cada instrumento.

Balabaristas comienza con un teclado, tenue y a veces deprimente, haciéndote caer en una melodía en la que te adentras cada vez más y más, formando un nudo en la garganta en ocasiones. El bajo comienza a dar forma a lo que vendrá. Luego entran las guitarras y el sentir es mas profundo. Los teclados hacen que te mantengas sin volver atrás. Por un momento una suave guitarra acústica le da un toque mas dulce, para luego volver al camino que la canción a ido creando, pero siempre con toques nuevos, que le van dando color.

Abrazo Distante es una melodía relajante y sencilla, con unas percusiones muy cálidas, pero que no necesita mas para demostrar un sentimiento de lejanía... para continuar con la que yo creo es la mejor del disco.

La Tierra Sutil es una especie de trance, a veces no se si da la sensación de estar en un bosque oscuro y misterioso, o en una ciudad que huele tierra mojada, decadencia y soledad. Una melodía a veces intrigante pero que no deja de ser suave. Tal como dice el disco, esta canción representa los colores más oscuros, aunque en momentos se dejan ver pequeños rayos de luz, que son rápidamente aplastados por esa melodía que nos esconde algo.

Liquid Pyramids y Halo Heads a veces me recuerdan a las guitarras en grupos como God Is An Astronaut, Anekdoten, hasta King Crimson, en ocasiones siendo la guitarra la base y la protagonista de todo el tema, con un juego del stereo donde 2 guitarras logran polifonías muy interesantes, siempre con ese suave tono limpio y agradable al oído. Donde las melodías se renuevan y sorprenden, con un toque de prog muy bien llevado.

Wand sigue un poco lo mismo del tema anterior, solo que esta vez con una interesante y excelente línea métrica. Arpegios llenos de una especie de niebla que se va haciendo mas espesa, mientras el sonido de un órgano se hace presente. Luego se une una pieza de trompeta, creando una melodía triste y melancólica.

Aereoaviones simplemente te hace sentir en el aire, una melodía conmovedora y como que en parte intenta sacarte una sonrisa... una linda pieza de teclados, que se va haciendo mas intensa, y renovando mientras transcurre la canción.

El ambiente de bosques y naturaleza vuelve a aparecer en Cuchillos De Hielo y Strumble On Air donde se vienen a la mente colores verdes y grises, como un sendero entre árboles llenos de magia y misticismo. Luego nos transporta a la serenidad de un mar en Harmonic Sea con un bello juego de arpegios, que son la especialidad de este grupo.

Y para terminar Palindrome Dome, que nos invita a relajarnos y buscar ese nivel de encontrarse con uno mismo. Siempre con una gran cantidad de detalles que hacen una canción rica en diversidad.

Bueno, quise describir cada tema, de acuerdo a lo que yo sentí al escucharlos. Es un disco muy suave, pero no por esto débil, en mi caso, me ayuda a encontrar equilibrio, me estabiliza y me relaja mucho. Ojala puedan apreciar la calidad y calidez de este grupo.

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV thedreamcastle

sin ponerse tristes...adelante...por los comentarios

ETERNAL WANDERERS - The Door To A Parallel World

2008-09-22T18:27:00.000-04:00

Desde Moscú nos llega el sonido progresivo de ETERNAL WANDERERS, formada por las hermanas Kanevsky en julio 1997. Desde sus inicios, sus músicos han trabajado con estructuras musicales complejas buscando producir un sonido a gusto de los amantes del rock progresivo. En 1998 dieron su primer concierto, donde pasaron a ser una referencia esencial de la escena underground de Moscú, atrayendo al público debido a su originalidad en vivo, mediante la proyección de imágenes psicodélicas en pantallas gigantes ubicadas en la parte posterior de la tarima En el año 2001 llamaron la atención a algunas compañías disqueras lo cual trajo como consecuencia que algunos de sus temas aparecieron en diferentes compilaciones. En el 2006 se estabiliza la formación de la banda, con la cual graban su primer, The Door To A Parallel World, lo cual les tomó más de un año. Con una duración total de 53 minutos, incluye 7 composiciones, entre los que encontraremos temas instrumentales donde el sonido de guitarra lidera la pieza, como Visions of the Lost World, baladas épicas (How Long I'd Been Facing the Dark and Too Close to Heavens), piezas de rock clásico (Ride Without End and No Way Back) y una suite de art-rock (Revival). Las liricas versan sobre mundos paralelos, fantásticos planetas, etc. La banda no reconoce fronteras entre los diferentes estilos: art rock clásico junto con un sonido alternativo, texturas atmosféricas pasan a un hard metal para luego regresar a ambientes atmosféricos.

El estilo musical de Eternal Wanderers se encuentra inserto como el punto de encuentro entre el rock psicodélico, el art rock y varias vertientes de la música electrónica (tradicional y experimentos electroacústicos).
Lo peculiar de la creatividad de Eternal Wanderers es que sus trabajos fueron realizados en un periodo largo de tiempo. Es la razón de que las piezas difieren entre una y otra, de largos trabajos instrumentales a baladas épicas, de piezas de rock con guitarras a teclados pesados experimentales computarizados. En algunos momentos baladas suaves y ligeras y luego pasan a piezas duras y pesadas, asi como unos temas alegres y otros llenos de tristeza.
Eternal Wanderers no aspira seguir algun estilo o género. Sin embargo no hay dudas de sus influencias en su música. Se puede identificar en sus piezas algo de Pink Floyd, ELP, Yes y Dead Can Dance, como algunos ejemplos.

Eternal Wanderers es otro ejemplo de grupos nuevos que estan llegando a nuestros oidos occidentales, que junto con The Gourishankar y Apple Pie completa una trilogía de excelentes grupos rusos debutantes que se han dado a conocer desde el 2007 dentro del género progresivo. Pase por su discotienda favorita y no dude en incluir en su carrito de compra este excelente LP, no se arrepentirá.

Line-up:
Elena Kanevskaya - teclados y voces
Tatyana Kanevskaya - guitarras y coros
Dmitry Shtatnov - bajos y coros
Sergey Alyamkin - batería

1. how long i'd been facing the dark 8:10
2. the door to a parallel world 7:46
3. ride without end 4:22
4. too close to heavens 7:21
5. no way back 5:49
6. visions of the lost world 11:46
7. revival 7:41

Roger Glover - The Butterfly Ball and the Grasshopper's Feast

2008-09-21T19:04:00.002-04:00

Durante 1974, Jon Lord planea la composición de un álbum conceptual basado en la novela para niños The Butterfly Ball and the Grasshopper's Feast de William Roscoe (1807) que relata una fiesta realizada por insectos y pequeños animalillos, y que muestra la solidaridad y cariño existente entre ellos como modelo a imitar en la sociedad humana, sin embargo, el gran trabajo que por esa época tenía con Deep Purple le impidió llevarlo a cabo. Es así como la idea la toma su ex-compañero de banda en ese entonces, Roger Glover, quien reúne a un grupo de músicos entre celebridades, emergentes y anónimos, para la grabación de una "ópera rock", la cual saldría a la luz el año 1975.

Musicalmente nos encontramos con un disco fresco y jovial, con una riqueza en los arreglos poco usual para el hard rock de la época, a cargo principalmente de sintetizadores y bronces, que hacen recordar por momentos ciertos pasajes del Sgt. Pepper lonely hearts club band, o al Magical Mystery tour de los Beatles. Entre los músicos destacados podemos encontrar a Glenn Hughes, David Coverdale, a Ronnie James Dio, o Les Binks, quien en 1978 llegaría a ser baterista de Judas Priest.

El single fue "love is all", un tema que pareciera una secuela de "All you need is love", pero que adquiere una identidad propia a raíz de la interpretación magistral de Ronnie James Dio, como dato anecdótico, este tema que pasase desapercibido durante su época, fue utilizado en las elecciones generales del 2006 en Holanda por el partido CDA como tema de campaña. Otras canciones destacadas son Sitting in a Dream, o Dreams Of Sir Bedievere (la cual cuenta con una bella melodía de sintetizador), lo cual no implica que el resto del disco, en su totalidad no sea de nivel, lo que sucede es que muchos temas están usados a modo de Intro, o son líneas musicales bastante cortas, siendo quizá el punto más bajo, el que muchas veces uno se pregunte "bueno por qué no siguieron con esta idea" o se quede con ganas de más.

De todas formas es un disco indispensable en la repisa del rockero setentero, con composiciones simples, y a la vez de una gran riqueza sonora, acompañada de cantantes de primer nivel, los invito a comprarlo desde ya.

Tracklist:

* 1 Dawn (Glover) 1.21
* 2 Get Ready (Glover) 2.06
* 3 Saffron Dormouse And Lizzy Bee (Glover) 1.25
* 4 Harlequin Hare (Glover/Dio/Soule) 1.26
* 5 Old Blind Mole (Glover) 1.11
* 6 Magician Moth (Glover) 1.33
* 7 No Solution (Glover) 3.28
* 8 Behind The Smile (Glover) 1.46
* 9 Fly Away (Glover) 2.22
* 10 Aranea (Glover) 1.37
* 11 Sitting In A Dream (Glover) 3.40
* 12 Waiting (Glover) 3.11
* 13 Sir Maximus Mouse (Glover) 2.35
* 14 Dreams Of Sir Bedievere () 4.09
* 15 Together Again (Glover/Dio/Soule) 2.05
* 16 Watch Out For The Bat (Glover) 1.41
* 17 The Feast (Glover) 1.48
* 18 Love Is All (Glover/Hardin) 3.14
* 19 Homeward (Glover/Hardin) 4.12

Músicos:

# Tony Ashton (vcl);
# Les Binks (drm);
# Helen Chappelle (vcl);
# David Coverdale (vcl);
# Ronnie James Dio (vcl);
# Jack Emblow (acc);
# Ray Fenwick (gtr);
# Mo Foster (bss);
# Kay Garner (bvc);
# Michael Giles (drm);
# Roger Glover (msc);
# John Goodison (vcl);
# John Gustafson (vcl);
# Eddie Hardin (kbr/bvc);
# Jimmy Helms (vcl);
# Glenn Hughes (vcl);
# Eddie Jobson (vln);
# Chris Karan (tbl);
# Judi Kuhl (vcl);
# Neil Lancaster (vcl);
# John Lawton (vcl);
# Mike Moran (pno);
# Ann Odell (pno);
# Mickey Lee Soule (vcl);
# Barry St. John (vcl);
# Liza Strike (vcl);
# Robin Thompson (bsn);
# Nigel Watson (saw);
# Joanne Williams (bvc);
# the Mountain Fjord Orchestra led by David Woodcock and conducted by Martin Ford, John Bell and Del Newman

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV Christean

El rock de luto: Murió Richard Wright

2008-09-15T14:33:00.007-04:00

SDV como comunidad progresiva y seguidores fieles de la banda que creemos ha sido pilar importante en esta historia del Rock, lamenta el fallecimiento del tecladista de Pink Floyd, señor Richard Wright.

Rick murió esta mañana, a los 65 años, tras perder su lucha contra el cáncer en su casa de Inglaterra, según acaba de informar la familia del músico, que no ha dado más detalles del deceso.

Aún no se sabe de fechas ceremoniales por su muerte

Descanza en paz Rick...

estoy seguro que ahora tendrás por siempre tu.
"The Great Gig In The Sky"

un pequeño y sentido reconocimiento a un grande...
nos enseñaste a ser humilde...y mostraste con tu sencillez que tu mensaje para nosotros era tu música...

recopilé algunas escenas del DVD de "Remember That Night"...para ver un lado humano de alguien que ya es más que un ser...

y algunas imagenes para recordarlo:

The Great Rick in The Sky

More 1969

2008-09-12T10:09:00.000-04:00

A veces para entender alguna música o algún disco hay que ir un poco más allá, al menos eso dicen.
Ya hace años que escuché More de los Pink Floyd, pero nunca había visto el Film.
Quiero compartir con ustedes esta película y echar una mirada en una época que ya es historia, cargada de símbolos, de colores y olores, una época que cobijó además a grandes bandas como los Floyd quienes además apoyados por mentes inquietas como la del director de este Film impulsaban nuevos sonidos como una experimentación legando para el futuro una sólida corriente musical.

Les dejo unos párrafos de Wiki que describen fácil y escuetamente esta película

More es una película francesa de 1969, fue la película debut de director francés Barbet Schroeder. La película aborda el tema de las drogas y el sexo tal como sucedía en aquella época, razón por la que sufrió de recortes y censura en varios países. Es considerada por algunos especialistas como una película de culto en parte por la banda sonora compuesta por Pink Floyd exclusivamente para el filme.

Argumento
Un joven alemán, Stefan Brückner (Klaus Grünberg), tras finalizar sus estudios en matemáticas emprende un viaje que le llevará a París. Allí conoce a Estelle Miller (Mimsy Farmer). A pesar de las advertencias que recibe de un amigo sobre Estelle, Stefan acepta la invitación de ésta de acompañarla hasta Ibiza. Allí se desarrollará una historia de amor libre y drogas. Un retrato de la escena hippie del momento en Europa centrado especialmente en la vida de las comunas en Ibiza.

Ya saben...
sexo, drogas y más en los comentarios :)

John Patitucci - Discografía -

2008-08-26T16:06:00.006-04:00

Nacido en 1959 en Nueva York, John Patitucci empezó tocando el bajo eléctrico a los 10 años, empezando a componer y actuar poco tiempo después. Amplió sus habilidades al bajo acústico en la mitad de su adolescencia, aprendiendo también piano. Habiendo estudiado bajo clásico en universidades de California, trabajó como músico de estudio y artista de jazz por la zona de Los Ángeles durante los '80s, grabando y actuando con grandes artistas tan diversos como B. B. King, Dizzy Gillespie, Bon Jovi, Stan Getz, Sting y Astrud Gilberto, y trabajando también para reconocidos compositores cinematográficos como Jerry Goldsmith y John Williams.

La unión con la Elektric and Akoustic Bands de Chick Corea en 1985 le pusieron a la vanguardia del mundo del jazz. Sus aclamados discos solistas y grabaciones con Corea le permitieron ganar dos premios Grammy y tener hasta ocho nominaciones. Su primer álbum, titulado sencillamente: "John Patitucci", alcanzó los primeros puestos de las listas Billboard Jazz.

Los años 90 fueron particularmente ricos en premios, siendo votado como el mejor bajista de jazz durante cuatro años seguidos, desde el '93 al '96, por la revista Bass Player. John mantiene también estrechos lazos con la enseñanza, incluyendo su relación con el Thelonious Monk Institute of Jazz y como director artístico del Bass Collective, una escuela para bajistas en Nueva York, donde John se desplazó en 1996. Aparte de las regulares giras con su grupo, John Patitucci Quartet, se dedica a componer para muchos medios fuera de los convencionales formatos de grupo.

En 1994, por ejemplo, fue comisionado para escribir una pieza de bajo eléctrico de seis cuerdas con la orquesta de cámara italiana Suono e Oltre, un trabajo que realizó también después con la New Japan Philharmonic Orchestra en Tokio.

Recientemente se ha visto a Patitucci trabajar de nuevo con el legendario Wayne Shorter, así como recorriendo los Estados Unidos como parte de un quinteto de estrellas liderado por Herbie Hancock y contando entre sus miembros con Michael Brecker. Apoloybaco tuvo la fortuna de escuchar a John Patitucci en el año 2000 con motivo del II Seminario de Jazz y Flamenco junto a Gerardo Núñez y Danilo Pérez.

Biografía extraída de Apolo y Baco

La discografía

John Patitucci (1988)

On The Corner (1989)

Sketchbook (1990)

Heart Of The Bass (1992)

Another World (1993)

Mistura Fina (1995)

One More Angel (1997)

Now (1998)

Imprint (2000)

Communion (2001)

Songs stories and spirituals (2003)

Line By Line (2006)

Aporte del usuario del foro
il Mome

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Aziza Mustafa Zadeh más Bonus!! - Re Up.

2008-08-21T08:56:00.001-04:00

Discos Tributos memorables Re Up

2008-08-18T20:57:00.003-04:00

Mono - You Are There (2006)

2008-08-13T22:38:00.002-04:00

MONO es una banda japonesa de post rock y sinceramente una de las que más sorprende ya que, debido a este “boom” de bandas instrumentales, basta con oír unas cuantas para saber de qué trata esta etiqueta del post rock. Con un sonido más oscuro que otros grupos, MONO sabe cautivar al oyente y cómo crear esa tensión necesaria para después sorprendernos con una avalancha de sonidos realmente furiosa y contundente.
Ellos ya se han colocado entre los grandes del género, como Godspeed You! Black Emperor, Explosions in the Sky, Mogwai, etc. Aunque logrando crear su sonido característico.

Pasemos al disco.

The Flames Beyond The Cold Mountain empieza de una manera tranquila, con una atmósfera de sonidos oscuros que van y vienen, un motivo de guitarra en trémolo y una sensación de melancolía que empieza a develarse. Poco a poco confluyen todos los instrumentos, se agrega el bajo y la batería. Ya la canción agarró forma, una melodía se mueve por toda la canción tomando forma solista y luego unos feroces acordes para dar peso y morir en un largo “fade”.

A Heart Has Asked For The Pleasure es de las canciones cortas del disco. Con un sonido íntimo y limpio nos devuelve la calma, nos prepara para la siguiente canción.
Yearning es pura tristeza, lentamente se va combinando con demás sensaciones llegando a hacernos sentir fuera de lugar por breves momentos, con algunos guiños de esperanza va tomando fuera hasta explotar y atraparnos en todo ese caos, esa desesperación de sonidos acompañados por un cuarteto de cuerdas al fondo que cae a la perfección. Como todo: tiene que terminar; pero nos deja con una extraña sensación.

Are You There? te hace pensar. La melodía es intrigante y sigue así durante toda la canción acompañada por violín y cello. Es una canción que se va armando lentamente pero arrastra la tensión e incertidumbre de los tracks anteriores.
The Remains Of The Day es otra canción corta, pero a diferencia de A Heart Asked For The Pleasure, esta canción es más dulce. El piano es el protagonista principal acompañado por cuerdas que crean un ambiente tranquilo e íntimo.

Mono cierra el disco con Moonlight, que fácilmente es lo mejor que ha hecho el grupo y en general una de las mejores canciones de post rock. Empieza algo fría y calmada, luego sigue su curso hasta que entran el violín y el cello que cambian radicalmente la canción: le dan un toque de majestuosidad por un momento. Con una guitarra en trémolo y la otra tocando una melodía tenebrosa empieza a hacerse lo que podríamos llamar la segunda parte de la canción. Toma más fuerza y ritmo, poco a poco se va haciendo más grande. Aquí MONO demuestra que sabe trabajar una melodía, nunca repite o alarga una parte más de lo que puede dar, no le falta nada y tampoco le sobra. Todo esta en la medida justa, así Moonlight se hace épica y cierra con broche de oro esta experiencia.

Como conclusión, You Are There de MONO es el disco de post-rock ideal. El que te lleva a lugares deseados, aunque no en el primer viaje, el que puedes escuchar tanto a bajo como a alto volumen y te genera la misma sensación, el que cae bien en cualquier momento; podría seguir escribiendo más y más (y más), pero redundaría en lo mismo: que este disco es genial y debes escucharlo.

Tracklist

1. The Flames Beyond The Cold Mountain (13:29)
2. A Heart Has Asked For The Pleasure (3:43)
3. Yearning (15:38)
4. Are You There? (10:25)
5. The Remains Of The Day (3:41)
6. Moonlight (13:04)

integrantes:

Yoda / guitarra
Takaagira Goto / guitarra
Tamaki / bajo
Yasunori Takada / batería

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV regiony (Julio Villa)

no ha pasado por los "comentarios"?

Los Jaivas - En Vivo en Holanda y la URSS

2008-08-11T23:01:00.004-04:00

Aclaración importante: En SDV, siempre hemos creido que, debido al escaso apoyo que reciben los buenos músicos en Chile, no nos corresponde distribuir música nacional, dado que eso atentaría contra la producción misma de estas obras. De hecho, en este blog nunca antes se ha puesto a disposición música nacional. En esta ocasión, hemos optado por obviar esta regla de nuestra comunidad, basándonos en el hecho que el material a compartir no pertenece a la discografía oficial de la banda y que, además, son obras que tuvieron una distribución muy limitada, por lo cual poder comprarlas en Chile es virtualmente imposible. Hecha la aclaración, con ustedes 2 documentos invaluables de la banda más trascendental de la música chilena.

Los Jaivas son casi con certeza la agrupación de más importancia en nuestro país, y muy posiblemente ocupa un sitial de similar privilegio a nivel americano, si bien es cierto para nosotros los chilenos es parte de nuestro día a día, de nuestro imaginario colectivo, daré un brevísimo recorrido por su trayectoria para nuestros amigos extranjeros que puedan no conocerlos tanto.

Los Jaivas nacen en Viña del Mar, hacia el año 1963, formado por los hermanos Parra, Claudio en piano, Gabriel en batería, y Eduardo en acordeón (más tarde sintetizadores), más Eduardo Gato Alquinta en voz y guitarra, y Mario mutis en el bajo. En un comienzo tocaban música tropical, bajo el nombre de High Bass, y animaban las fiestas de la alta sociedad de la ciudad, lo que les permitió alcanzar rápidamente cierta popularidad. Para el año 1969, el Gato Alquinta desaparece misteriosamente, nadie sabe de su paradero, está inubicable, no contesta el celular ni los mails (porque no habían…), tras unos diez meses en los cuales el grupo incluso ya buscaba un reemplazante, vuelve como si nada a la casa de los parra, descalzo, con el pelo largo, la ropa en harapos, y ante el asombro y la pregunta de qué le había pasado, cuenta que en un arranque de inconformismo con la vida que llevaba (estudiaba ingeniería civil), decidió recorrer Sudamérica, viaje en el que compartió con pueblos ancestrales, aprendiendo de ellos su visión de mundo, y por supuesto también música. Esta experiencia marcaría fuertemente al grupo, replanteándose radicalmente, castellanizaron su nombre pasando a ser definitivamente “Los Jaivas”, y comienzan una etapa marcada por la experimentación a través de la improvisación, tomando como referente la música contemporánea y las raíces americanas.

Para el año 1971 editan su primer disco, sin nombre conocido popularmente como “el volantín”, debido a la imagen de su portada, el disco lograría un éxito moderado, pues aún conservaba el lado experimental más duro en muchos temas, lo que es difícil de digerir para algunas personas. Al año siguiente realizan dos singles que marcarían su carrera; Todos juntos y Mira niñita, verdaderos himnos de la música popular chilena, que se mantienen vigentes y conocidos incluso por quienes no gustan de Los Jaivas. En 1973 lanzan otro disco homónimo (conocido como “la ventana” y reeditado como “todos juntos”) que los levaría al éxito en Chile, participando en numerosos festivales y recorriendo el país, graban además la banda sonora de la película Palomita Blanca del director Raúl Ruiz. Tras el 11 de septiembre, al producirse el golpe militar, el grupo decide partir hacia Argentina, cabe destacar que si bien el grupo era simpatizante de la unidad popular (coalición socialista que llevó a la presidencia a Salvador Allende), su exilio fue voluntario, inspirado por motivaciones artísticas y no políticas, como a veces se piensa, y como le ocurrió a mucha gente.

Radicados en Zárate, se unen al músico brasileño Manduka, con quien editan el 74 “Sueños de América”. La etapa en Argentina es de las más emblemáticas, debido al gran cariño que recibieron de la gente, en donde fueron adoptados como un grupo más del “rock nacional”, además del reconocimiento de la crítica, cuenta la historia que en una de sus presentaciones en una facultad de música, creo que de la UBA, al terminar se les acerca un grupo de académicos que a modo de felicitación les dicen “excelente interpretación, no conocíamos esas obras de Villa-Lobos, a lo que el grupo aclara que interpretan composiciones propias. En esta época Editan los discos “El Indio” (1975) con Julio Anderson en bajo debido a un regreso momentáneo de Mario Mutis a Chile. Anderson sería sustituído luego por Pájaro Cansan, con quien editarían Canción del Sur, en donde por primera vez Eduardo Parra utiliza un mini moog. Tras este disco recorren todo el país, además de Uruguay, Paraguay y Brasil, realizando conciertos sinfónicos junto a las orquestas Sinfónica Municipal de Mar del Plata, y a la Sinfónica de Buenos Aires. En el año 1977, deciden emigrar hacia Europa, motivados principalmente por el álgido momento político que se vivía en Argentina, parten en barco hacia Francia, en donde son despedidos de Buenos Aires por una multitud, que ve como los Jaivas se alejan en el horizonte tocando sus trutrukas.

Los trabajos que les presento, corresponden a material inédito de su estadía en Europa, e primero de ellos, “letanías por el azar” es una grabación del 9 de Septiembre 1980, junto a la Orquesta Sinfónica de Enchede Holanda, en una catedral gótica del siglo IX. El concierto se da inicio con la pieza que da nombre al concierto, 20 maravillosos minutos de un viaje que se inicia en la ancestralidad invocada por el gato Alquinta, hasta la actualidad, es la unión de lo vernáculo con lo contemporáneo, como fundador de nuestra identidad latinoamericana. Luego vienen versiones a Violeta Parra; “Run Run se fue pal norte” y “gavilán”, para cerrar una actuación magnífica con “danzas” de su disco Canción del sur. Esta grabación jamás ha sido editada, y las versiones conocidas corresponden a registros radiales a partir de las cintas del archivo personal de Eduardo Parra, como ocurrió el 2001 en un especial de radio Futuro en donde estas cintas fueron prestadas de forma especial a Sergio “pirincho” Cárcamo (locutor radial y amigo de la banda).

El segundo concierto, es una de sus actuaciones más emblemáticas, corresponde a su visita a la Unión Soviética en el año 1983. Cuenta la historia que al finalizar el mítico concierto en el estadio de Obras en Argentina, un par de hombres altos y de terno negro fue donde el grupo con una maleta llena de rublos; eran representantes del ministerio de cultura soviético y los querían contratar. La anécdota cuenta que la cantidad de dinero era tal, que en Rusia eran millonarios, pero no podían cambiar los rublos, por lo tanto debieron gastar todo durante la estadía, imagínense. Fue así como una noche Mario Mutis borracho intentó entrar al kremlin siendo reducido y detenido por la KGB, afortunadamente para él, justo estaba presente el ministro de cultura quien lo reconoció, y lo salvó quizá de qué cosas. El concierto registrado fue editado solo en la Unión Soviética, en vinilo y en copias limitadas, con los títulos en inglés, es así como se da inicio con “follow me and rise with me brother” (sube a nacer conmigo hermano), seguido de “running”(corre que te pillo), “enlightenment”(pregón para iluminarse) y para terminar con la majestuosa “macchu picchu heights” (la poderosa muerte).

Espero puedan conseguir estas piezas de colección, a la espera de que algún día sean editadas de forma oficial, de una banda legendaria, simbólica, la única en tocar en todos los continentes (incluída la Antártica), y que se mantiene vigente a pesar de las tragedias que han enlutecido su historia como la muertes de Gabriel Parra el 88, del gato Alquinta el 2003, o de Eloy Alquinta el 2004 (hijo del gato y su reemplazante en vientos)

Actualmente:

Claudio Parra: piano, percusión, coros
Eduardo Parra: sintetizador, coros
Carlos Cabezas: voz, guitarra, charango, violín, vientos
Ankatu Alquinta: guitarra eléctrica, bajo, coros
Mario Mutis: voz, bajo, guitarra eléctrica-acústica,
Juanita Parra: batería y percusión
Francisco Bosco: saxo, flautas, sintetizador, vientos andinos

Esta corresponde a la mejor reseña del mes de Junio en nuestro Foro. Los agradecimientos van a nuestro amigo Christean, autor de la misma y quien nos entrego el material compartido.

Peter Brotzman Octect - Machine Gun (1968)

2008-08-06T14:25:00.003-04:00

Para poder iniciar esta reseña, es necesario recurrir un poco a la historia y comentar un poco acerca de los acontecimientos del Mayo Frances de 1968. Durante ese período histórico, había pasado ya el boom de la posguerra y se notaba el fracaso del sistema en integrar a toda la sociedad a esa bonanza, existía una gran agitación social, principalmente dada por los bajos sueldos de ciertas clases y por la sobre-existencia de desempleados ilustrados, dado que el sistema educativo superior había crecido mucho y de forma no estructurada y las empresas habían fallado en poder absorber esa mano de obra calificada (cualquier coincidencia con la Latinoamérica actual es pura casualidad). En este entorno tan volátil, la violenta represión policial a una manifestación estudiantil generó el caos en la sociedad francesa, generando un movimiento que buscaba abolir las estructuras, inspirados principalmente por el anarquismo, situacionismo y, en menor medida, por el comunismo. Inicialmente, el movimiento contó con el apoyo de varios partidos políticos y de la población general, logrando, incluso, hacer que De Gaulle adelantara las elecciones parlamentarias, pero poco a poco se fue desintegrando. Este fuerte movimiento social, fue como una gran explosión en un desierto, nació con una detonación espectacular, causo un gran impacto que fue efímero y generó pocas consecuencias duraderas. De hecho, el gobierno y las clases dominantes salieron fortalecidos luego de estos hechos.

La razón del párrafo anterior se explica debido a que estamos en la presencia de un disco histórico, primero porque es el primer album de Jazz 100% europeo, segundo, porque re-definió el estilo del Free Jazz y, tercero, porque para poder entender la obra, hay que conocer el contexto histórico en que fue creada y al cual hace referencia. Un contexto que habla de anarquía, de destrucción de las estructuras, de la eliminación de toda forma de autoritarismo y de revolución.

Machine Gun es un disco extremo entre los extremos. Una obra de arte clasificada por algunos como el más grande ataque terrorista que tuvo que soportar la música occidental durante el siglo XX. Un disco enmarcado en el estilo de free jazz, tomando como referencia las bases sentadas por gente como Coltrane o Coleman, pero que al mismo tiempo las destruye y las recrea desde una óptica muy particular y personal de los ejecutantes, que arman su música sobre capas de sonidos en apariencia cacofónicos pero que, paradójicamente, le entregan coherencia y cohesión a la obra. Este álbum se podría resumir en la palabra violencia como ningún otro, ni siquiera los discos de metal más extremo que he escuchado me dejan una sensación de intranquilidad tan grande como este, algunos de los metaleros “más malos” seguramente saldrían arrancando despavoridos bajo el ataque de esta metralleta sonora que supo armar Peter Brotzman y su equipo, formado por 3 saxos, el ya mencionado Brotzman (alemán), Evan Parker (inglés) y Willem Breuker (holandes), apoyados por dos baterías, Sven-Ake Johansson (Suizo) y Han Bennink (Holandes), dos contrabajos, Peter Kowald y Buschi Niebergall (alemanes) y un pianista, Fred Van Hove (belga).

Como todo disco de jazz, en este existen solos, pero en contrapunto a lo característico del estilo (un solo soportado y seguido por la banda), los solos luchan por mantenerse a pesar de la oposición del resto de la banda, sobre todo por la fuerza constante desplegada por la percusión, quienes hacen un magnifico trabajo. Lo que sale por los parlantes cuando escucho este disco, me hacen recordar al concepto de “Wall of Sound” que creo Phil Spector, pero solo en el sentido arrollador que quería imprimirle a la música, de tal forma que se llenaran todos los espacios por un sonido denso, con muchas capas; la gracia, es que eso se consigue en este disco pero sin usar ningún artefacto eléctrico de producción musical

Espero que lo anterior les sirva como advertencia: este no es un disco para los débiles, hay que soportarlo, aguantarlo, ser osado y perseverante para llegar hasta el final.

Track List:
1. Machine Gun [Second Take]
2. Machine Gun [Third Take]
3. Responsible [First Take]
4. Responsible [Second Take]
5. Music for Han Bennink

Prog Pack de Post-Rock

2008-07-08T11:40:00.004-04:00

El gran género del rock progresivo destaca, entre tantas cosas, por contener una variada gama de sub-géneros, de los cuáles, da siempre la impresión que es uno siempre el que lleva la batuta en cierta década. Es así como durante los 70’s, los años de oro del progresivo, dentro de las variadas tendencias musicales que surgieron, el que mayor notoriedad adquirió es el progresivo sinfónico; en los 80’s destaca el llamado neo-prog; en los 90’s el metal progresivo posiblemente; y en la década que aún no termina pareciera que la escena del post/math-rock adquiere una mayor importancia.
Y precisamente, sobre post-rock es que queremos conversar con ustedes en esta oportunidad:
El término post-rock surge a mediados de los noventas para tratar de encasillar a la creciente escena de bandas que estaba surgiendo en Europa y América del Norte, que se atrevieron a trabajar sonoridades distintas en el rock, recogiendo elementos de la música experimental, el krautrock, del cuál muchos adaptaron el llamado ritmo “motorik”, así como también del jazz y el minimalismo.

Ya entrando el año 2000 el término de post-rock se vuelve algo discutido debido a las grandes diferencias sonoras de las bandas que lo componen, por ejemplo, en este pack , podrán a escuchar de bandas tales como Tortoise y Godspeed You! Black Emperor o Mogwai, las cuáles son consideradas íconos del post-rock y que sin embargo, pocas cosas tienen en común, lo cuál ha generado que muchas bandas rechacen el término.

La comunidad de Sonidos de Verdad ha hecho una recopilación de algunas de las bandas más importantes de esta escena en tres discos, constituyendo así un pack pensado a que quienes no sean afines al género, puedan reconocer la riqueza sonora del género y distingues todas las posibilidades que presenta este género en el que la experimentación se vuelve sonido y sentimiento.

Disco 1

1. Tortoise - Seneca (6:22)
2. Tortoise - Salt The Skies (4:51)
3. Battles - Tij (7:03)
4. God Is An Astronaut - Far From Refuge (6:54)
5. Calexico - Minas De Cobre (for better metal) (3:09)
6. Mogwai - Like Herod (11:44)
7. Explosions in the Sky - Welcome, Ghosts (5:43)
8. Sigur Rós - Untitled 1 (6:34)

Disco2

1. Russian Circles - Carpe (9:01)
2. Russian Circles - Micah (8:03)
3. Russian Circles - Death Rides a Horse (5:46)
4. 65daysofstatic - A Failsafe (4:28)
5. Tortoise - Along the Banks of Rivers (5:52)
6. Cul De Sac - Sands Of Iwo Jima (12:31)
7. Dirty Three - Sea Above, Sky Below (6:04)

Disco 3

1. Godspeed You! Black Emperor - Sleep (23:17)
2. A Silver Mt. Zion - Sit In The Middle Of Three Galloping Dogs. (5:08)
3. Mono - Yearning (15:38)
4. Gastr Del Sol - The Seasons Reverse (5:51)
5. Ulver - Shadows of the Sun (4:36)

Reseña y otras yerbas de nuestro usuario del Foro SDV oszo

CSN&Y - 4 Way Street (1971)

2008-06-20T16:40:00.001-04:00

Crosby Stills Nash & Young (CSN o CSNY), banda de rock and roll y Folk Rock fundada en 1968. Algunos, sobre todo en Estados Unidos, la comparaban en popularidad a los Beatles. En su origen, el grupo se formó por la incorporación de Graham Nash, procedente del grupo The Hollies, más David Crosby, miembro fundador de The Byrds y Stephen Stills antiguo componente de Buffalo Springfield; más tarde se incorporó Neil Young, también procedente del mismo grupo. Alcanzan la cumbre de su carrera como cuarteto con su álbum "Deja vú", de 1970. Es también muy recordada su espectacular participación en el festival de Woodstock, junto a The Who y Jimi Hendrix, en 1969.

Son pioneros de un estilo musical basado en una perfecta sincronización vocal, y estilizados, armónicos y contundentes acordes y melodías con guitarras acústicas. Algunas de sus canciones más importantes son "Suite: Judy Blue Eyes", "Our house", "Teach your children", “Down By the River” y "Deja vú". Sus influencias abarcaron desde la mítica agrupación de rock progresivo, Yes, hasta grupos Folk Rock como Simon and Garfunkel.
Inicialmente el grupo estaba formado por el trío de David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash. Su comienzo reside en dos bandas de rock de la década de 1960, The Byrds y The Hollies y la desaparición de un tercero, Buffalo Sprinfield. Hubo fricción entre Cosby y sus compañeros en The Byrds, quienes tuvieron que tomar una decisión por dos situaciones en 1967: su substitución debida a la invitación de Stills, por una ausencia de Neil Young durante la presentación de Buffalo Springfield en el Monterey Pop Festival en junio; y el rechazo de la controvertida composición de Crosby, "Triad" como grabación en sencillo o en álbum en agosto. Como resultado, se dejó ir a Crosby de The Byrds en el otoño de 1967. A principios de 1968 Buffalo Springfield se desintegró por problemas personales, y después de solicitar ayuda para reunir a la banda para un álbum final, Stills se encontró desempleado para el verano. El y Crosby comenzaron a reunirse informalmente y a tocar, el resultado de un encuentro en la goleta de Crosby en Florida, dio como resultado la canción “Wooden Ships, compuesta con la colaboración de otro invitado, Paul Kantner. Nash había sido presentado a Crosby cuando The Byrds se encontraban en una gira en Inglaterra en 1966, y cuando los Hollies se aventuraron a California en 1968, Nash reanudó su amistad con Crosby. En una fiesta Nash pidió a Stills y a Crosby que repitieran la interpretación de la nueva canción de Stills "You Don't Have To Cry", agregando una segunda armonía al momento de cantar. Las voces cuajaron, y los tres se dieron cuenta de que se tuvieron suerte al encontrar algo sumamente especial.

Para 1970 habían sacado a la venta ya dos LP, Crosby Still and Nash y Deja Vu. Es entonces que durante la gira de ese año, se graban los temas que posteriormente en el año 1971 darían a la luz el álbum doble 4Way Street, todo un icono para la época, envuelto de todo lo que significó el movimiento hippie, con sus protestas sociales , culturales y políticas con una lírica envuelta en temas pacifistas, ecologistas y progresistas, sin descuidar asuntos como el amor, sexo y las drogas. El primer disco del LP contiene 15 temas, algunos inéditos hasta la fecha de 1971, tales como Triad, el polémico tema que hizo salir a un enojado Crosby de The Birds, Chicago, el himno de “Song for beginners”, el primer disco de Graham Nash de solista; Cowgirl in the Sand, el temazo de Neil Young de su primer disco de solista “Everybody Knows This Is Nowhere”. Entre otros temas clásicos se encuentran Teach Your Children, 49bye-Bye/American Children , finalizando con un potpurrí lleno melancolía que cierra con la legendaria Down by the River de la famosa película “Las Fresas de la Amargura”. Son temas acústicos donde las guitarras acompañan la melodía que crean las voces de CSNY y donde se turnan las voces líderes de los temas, con mucho southern rock, soul rock y folk rock.

El 2do LP contiene los temas que ejecutaron en versiones extendidas donde cada uno de los 4 guitarristas tiene su turno para demostrar su virtuosismo. Sería algo así como el CD “The Longs”. Se incluyen solo 6 temas, de los cuales para mi gusto Southern Man es lo mejor que podrán escuchar en un contrapunteo de 4 guitarristas. Son 13:45 minutos donde escucharan las diferentes guitarras conversan entre ellas. Un toma y dame que se puede asemejar a un buen fogueo en una pelea por campeonato mundial. Sin embargo no debe dejar de escuchar Pre-Road Downs el cual es una buena introducción de los maravillosos punteos que acompañaran al siguiente tema: Long Time Gone. Ohio es una canción protesta a la muerte de 4 estudiantes universitarios en esta ciudad durante las manifestaciones contra la guerra de Vietnam a finales de los 60. Tema lleno de punteos de guitarra de Neil Young que recuerdan su participación con Pearl Jam en los 90. Le sigue la versión extendida de Carry On, donde se plantean unos largos contrapunteos de los 4 guitarristas, cerrando con Find the cost of Freadom, con un sonido acústico y un mensaje profundo con la polifonía de las voces características de CSNY.
No me queda más que recomendarles este mítico álbum de este súper grupo formado en 1968: Crosby, Stills, Nash and Young. Cada uno de ellos ha dado que hablar en sus carreras como solistas hasta la fecha, donde aún realizan giras en Estados Unidos, donde han sido un icono de la cultura americana relacionada con los deseos de vivir en paz y amor.

Temas y Créditos:
Volumen 1
1. Suite: Judy Blue Eyes. (Stills) (0:33)
2. On the Way Home. (Young) (3:48)
3. Teach Your Children. (Nash) (3:02)
4. Triad. (Crosby) (6:55)
5. The Lee Shore. (Crosby) (4:29)
6. Chicago/We Can Change the World. (Nash) (3:51)
7. Right Between the Eyes. (Nash) (3:37)
8. Cowgirl in the Sand. (Young) (3:59)
9. Don´t Let It Bring You Down. (Young) (3:31)
10. 49 Bye-Byes/American´s Children. (Stills) (6:35)
11. Love the One You´re With. (Stills) (3:19)
12. King Midas in Reverse. (Clarke, Hicks, Nash) (3:43)
13. Laughing. (Crosby) (3:36)
14. Black Queen. (Stills) (6:45)
15. Medley: The Loner/Cinnamon Girl/Down by the River. (Young) (9:41)
Volumen 2
1. Pre-Road Downs. (Nash) (3:47)
2. Long Time Gone. (Crosby) (5:58)
3. Southern Man. (Young) (13:45)
4. Ohio. (Young) (3:34)
5. Carry On. (Stills) (14:19)
6. Find the Cost of Freedom. (Stills) (2:21)

Happy the Man / Oblivion Sun

2008-06-07T16:19:00.007-04:00

Happy the Man es una banda de rock progresivo norteamericana de comienzos de la década de 1970 Se caracteriza en virtuosos pasajes instrumentales y complejos en su rítmica.

El grupo formado en 1972 grabó dos álbumes, después de que el tecladista Kit Watkins decidió dejar la banda para unirse a Camel. El grupo después reúne su material inédito y da a conocer un "final" álbum en 1983.

La banda sigue siendo un “favorito de culto” en los círculos de rock progresivo, incluso después de que se separaron. En el 2000, el grupo reformado para el “NEARfest” con David Rosenthal en teclados, lanzan un nuevo álbum en 2004: The Muse Awakens. Whitaker y Wyatt luego publican otro álbum, Pedal Giant Animals, lo que da pie para la formación de una nueva banda, Oblivion Sun.

Entonces amigos les presento comienzo y presente de una agrupación liderada por dos inquietos músicos que nos recuerdan que no sólo en Europa hay un buen progresivo, aunque de seguro escucharán en ambos trabajos reminiscencias de jazz fusión, sinfónico, algo de World y por supuesto una buena dosis de rock. Pasado y presente para un sonido con dos nombres pero hermanados en lo composicional.

Happy The Man
1977

1 Starborne (Watkins) 4:22
2 Stumpy Meets The Firecracker In Stencil Forest (Whitaker) 4:16
3 Upon The Rainbow (Befrost) (Watkins-Wyatt) 4:42
4 Mr. Mirror's Reflections On Dreams (Watkins) 8:54
5 Carousel (Wyatt) 4:06
6 Knee Bitten Nymphs In Limbo (Whitaker) 5:22
7 On Time As A Helix Of Precious Laughs (Wyatt) 5:22
8 Hidden Moods (Watkins) 3:41
9 New York Dream's Suite (Wyatt) 8:32

Mike Beck: Percussion
Rick Kennell: Electric Bass
Stanley Whitaker: Six and Twelve String Guitars, Lead Vocals
Frank Wyatt: Saxes, Flute, Piano, Keyboards, Vocals
Kit Watkins: Mini Moog, Acoustic Piano, Rhodes Piano, Arp String Ensemble, Hammond B3, Hohner Clavinet, Flute, Marimba

Oblivion Sun
2007

Track Listing:
1) Fanfare
2) The Ride
3) Noodlepoint
4) Catwalk
5) No Surprises
6) Re; Bootsy
7) Chapter 7.1
8) Tales of Young Whales
9) Golden Feast

Members:
Stan Whitaker: guitar and vocals
Frank Wyatt: keyboards and sax
Bill Plummer: keyboards
Chris Mack: drums
Dave DeMarco: bass

Ya lo sabe, pase por los comentarios!

Dave Brubeck - "Time Out"

2008-05-14T20:54:00.002-04:00

Para los que no conozcan de Jazz y por ende de algunos de sus exponentes, o simplemente para quienes navegan por los mares sincopados, no es tarde para conocer o recordar a uno de los grandes aún vivo.
Dave Brubeck quien naciera en el 1920 y que tempranamente estudiara música docta para luego quedarse con el lenguaje jazzístico es sin duda uno de los grandes maestros de este género musical.
Recuerdo que cuando ingresé a la Universidad a estudiar música una de las primeras cosas que hice fue visitar la biblioteca y hurgar el material existente, y entre los discos de vinilo y casettes encontré el famoso disco que hiciera Brubeck con un cuarteto que ha pasado a la historia, “Time Out”. En esta placa él toca el piano y se acompaña nada menos que por tres connotados intérpretes como Paul Desmond en saxo, Gene Wright en contrabajo y el maestro Joe Morello en la batería.
Cada músico pone de lo suyo para hacer este disco inmortal y que sigue sonando después de casi 50 años desde su grabación.
Creo que más de alguno ha escuchado el “hit” de este disco llamado “Take Five”, que como su nombre lo dice se caracteriza por estar escrito en la métrica de 5 cuartos, lo que le da sin duda un toque muy particular. Pero sin lugar a dudas el sólo de Morello en la batería es uno de esos simples pero mágicos momentos que logran ser registrados y que gracias a las musas o a las divinas intenciones de las manos del baterista podemos disfrutar cada vez que lo escuchamos.
“Time Out” es un disco de esos que se denominan “clásicos”, y creo que además de su musicalidad hoy no deja de asombrarme la calidad de la grabación hecha. Un sonido limpio o “crudo” casi como en una sala de ensayo pero con la garantía del sonido justo de un jazz que aunque se denominaría “Standard” nos muestra a un Brubeck con influencias de música europea, lo que se le criticaba en algún momento de su carrera pero que sin duda ha sido el sello musical que lo ha hecho perdurar en el tiempo.

Tracklist:
1. “Blue Rondo à la Turk” –6:44
2. “Strange Meadow Lark” –7:22
3. “Take Five” –5:24
4. “Three to Get Ready” –5:24
5. “Kathy’s Waltz” –4:48
6. “Everybody’s Jumpin’” –4:23
7. “Pick Up Sticks” –4:16

Credits:

Dave Brubeck Piano, Performer, Liner Notes
Paul Desmond Sax (Alto)
Joe Morello Drums
Eugene Wright Bass, Sax (Alto)

Pase por los comentarios.

Subterranean Masquerade

2008-05-04T17:35:00.003-04:00

Subterranean Masquerade es un grupo estadounidense que nace como un ambicioso proyecto dentro de la mente del guitarrista Tomer Pink en el año 1997 y que se transforma en realidad en el 2004 con el lanzamiento de su primer EP llamado Temporary Psychotic State.

Son pocos los grupos que son capaces de tomar tantos estilos (y tan diversos) y lograr una mezcla tan armónica y espectacular a la vez. Por lo mismo clasificar o encasillar esta banda dentro de algún género en específico sería un gravísimo error, ya que al escucharlo uno se puede encontrar con estilos como el rock progresivo, metal progresivo, jazz, rock sinfónico, avant garde, death metal (aunque sólo en lo que se refiere a las ocasionales voces guturales) y quizás cuantos otros más. Tal vez tanta mezcla de estilos puede resultar caótica y pretenciosa, pero en este caso la mezcla es realizada de una forma tan delicada y majestuosa que el resultado es extraordinario.

1.) Temporary Psychotic State (2004)

Temporary Psychotic State corresponde al primer disco de Subterranean Masquerade (estrictamente hablando es un EP) que resulta ser también el primer capítulo de la “Trilogía X”, una historia conceptual que se desarrolla a través de un personaje llamado justamente X, quien comienza a ser perseguido por sus propios sueños y que a causa de esto es encerrado en un manicomio. El EP nos relata precisamente cómo el personaje X es atormentado por sus sueños (o mejor dicho pesadillas); a pesar de ser sólo dos temas, resultan ser más que suficientes para demostrar la impresionante calidad de la banda. En ambos temas se puede apreciar que a pesar de no ser unos virtuosos, los chicos de Subterranean Masquerade son capaces de entregarnos una verdadera obra maestra, donde resaltan los arreglos de guitarra acústica y violines, además de la voz de Paul Kuhr, que en el primer tema (Temporary Psychotic State) pasa gradualmente de una voz melancólica a una más violenta y gutural (al estilo del Death Metal) que no es para nada molesto (como resulta para muchas personas, incluyéndome), ya este cambio en la voz logra calzar muy bien con la melodía, la cual se transforma de los suaves acordes hasta llegar a unos intensos riffs, junto con los arreglos, que siempre van a la par de la melodía principal, entregando una fuerte consistencia al tema (y dando a entender cómo la locura de X aumenta cada vez más). Observation Through Metamorphosis sigue con una línea melódica similar al primer tema, contando además con la hermosa voz de Susan Naud la cual personifica al recuerdo del amor perdido de X, la causa de sus tormentos. Es increíble cómo este grupo es capaz de entregar en sólo dos canciones mucho más de lo que otros no son capaces en un disco entero… una verdadera maravilla.

Tracklist

1. Temporary Psychotic State (A Recollection Of Where It All Began) (7:22)
2. Observation Through Metamorphosis (9:58)

Integrantes

- Tomer Pink (Guitarra)
- Jake DePollite (Guitarra)
- Paul Kuhr (Voz)
- Jason William Walton (Bajo)

Invitados

- Susan Naud (Voz)
- Ben Warren (Teclados)
- Tino LoSicco (Bateria)

2.) Suspended Animation Dreams (2005)

Luego del fabuloso aperitivo que resultó ser Temporary Psychotic State, Subterranean Masquerade nos vuelve a sorprender con la segunda parte de la “Trilogía X” llamada Suspended Animation Dreams, la cual resulta ser un paso adelante, una evolución respecto al ya maravilloso trabajo realizado en su primer EP. Un disco muy, muy variado donde cada uno de los ocho tema nos entrega una nueva delicia para el oído, un verdadero viaje por diversos estilos, en donde esta vez encontramos a X encerrado en un manicomio, luchando contra su propia locura, como lo muestra el primer tema (que le da el nombre al disco), en el cual ya se pueden escuchar nuevos elementos incorporados respecto al disco anterior, como un acertado saxofón, flautas, una sutil percusión y un bello coro femenino, entre otros. Si tuviera que destacar algún tema en especial, tendría que mencionar el tema Awake, que justamente es el más largo, ya que es una canción bellísima, muy melódica y toques de rock sinfónico (pongan atención a la sección de los violines, es alucinante), donde las voces juegan un papel muy importante, alternando entra la suave y relajante voz de Wendy Jernijan y una atormentada y gutural voz de Paul Kehr (y que es parte principal del disco, representando la locura de X) y con un final bastante metalero, dándole un plus muy favorable. Pero el resto de los temas no se quedan atrás, por ejemplo el tema X, el último del disco y el que sigue a Awake, donde Jernijan nos vuelve a maravillar con su voz, acompañada nuevamente por una suave y melódica instrumentación… un muy buen final de disco. El disco también esta lleno de poderosos temas, como por ejemplo The Rock ‘N Roll Preacher, No Place Like Home, Six Strings To Cover Fear, etc. Todos temas muy bien logrados, con excelentes arreglos que le dan una maravillosa ambientación y que permiten darle mayor variedad y calidad. Bueno, podría escribir líneas y líneas tratando de explicarles lo espectacular de este disco, pero me doy cuenta que me quedo corto, así que creo que lo mejor que puedo hacer en estos casos es simplemente recomendar el disco, créanme cuando les digo que el disco es excepcional, genial, maravilloso, etc., etc. y la única forma de comprobarlo es escuchando el disco.

Tracklist

1. Suspended Animation Dreams (2:26)
2. Wolf Among Sheep (6:26)
3. No Place Like Home (7:59)
4. Kind of a Blur (3:12)
5. The Rock N' Roll Preacher (9:06)
6. Six Strings to Cover Fear (6:48)
7. Awake (14:23)
8. X (4:28)

Integrantes

- Tomer Pink (Guitarra, armónica)
- Paul Kehr (Voz)
- Jake Delpolitte (Guitarra, bajo)

Invitados

- Steve Lyman (Bateria)
- Ben Warren (Piano, teclados)
- Willis Clow (Guitarra, mandolín, arreglos de vientos)
- Bronwen Beecher (Arreglos de cuerdas)
- Mitch Curinga (Manipulación electrónica y de sonidos)
- Wayne Burdick (Percusión)
- Mike Sartain (Voz -acompañamiento-en track 5)
- Wendy Jernijan (Voz -acompañamiento- en track 7)
- Dave Chisolm (Trompeta)
- Andrew Kuhnhausen (Saxofón, flauta, clarinete)
- Joe Chisholm (Trombón)

Aporte de nuestro usuario del Foro SDV eln prog

Jon Anderson – Olias of Sunhillow (1976)

2008-04-30T16:14:00.008-04:00

Jon Anderson (25 de octubre de 1944), es un músico britanico, cantante líder de Yes.
John Roy Anderson el cual es su verdadero nombre nació en el pueblo de Accrinton de Lancashire en Inglaterra, siendo sus padres Albert y Kathleen Anderson. Jon posteriormente quitó la "h" de su primer nombre. Asistió de pequeño a la "St. John's Infants School" en Accrington, y comenzó sus primeros ensayos musicales a temprana edad tocando la tabla de lavar en "Little John's Skiffle Group", donde interpretaban canciones de Lonnie donegan entre otros.
Anderson abandonó la escuela a los 15 años, y realizó por una serie de trabajos varias incluido el de peón de granja, conductor de camiones y lechero.
En 1962, Anderson se unió a The Warriors (también conocido como The Electric Warriors), donde él y su hermano compartían el rol de vocalista líder. Abandonó esta banda en 1967, editó dos simples solista en 1968, y después cantó brevemente en las bandas The Gun y Tho Open Mind.
En el verano de 1968, Anderson se unió a un grupo llamado Marbel Greer´s Toyshop, que también lo formaban el bajista Chris Squire y el guitarrista Peter Banks. Anderson encabezó esta banda, pero terminó abandonando el grupo antes que termine verano. Anderson, Squire y Bank deciden formar el grupo Yes, con Bill Bruford como baterista y tony Kaye como tecladista. Su álbum debut fue editado en 1969.

En 1976, Jon Anderson recrea un increíble viaje hacia un mundo de fantasía hacia la tierra de “Olias de Sunhillow”.
El album cuenta la historia de una raza alienígena y su viaje hacia un nuevo mundo debido a una catástrofe. Olias, el protagonista de la historia, es el arquitecto elegído del planeador Moorglade, que será utilizado para llevar su pueblo a su nuevo hogar. Ranyart es el navegante del planeador y QoQuaQ es el lider quién une las cuatro tribus de Sunhillow para participar en el éxodo.
Combinando teclados exuberantes, secciones vocales acodadas, cánticos, world music en la percusión, y otros instrumentos (campanas, carillones, arpa, guitarra acústica) crean una aventura musical que hipnotiza. Los pasajes musicales pastorales resaltan la belleza de la voz de Anderson, con un ritmo lento y continuo.
Las piezas deben la mayor parte de su fuerza a la atmósfera que se crea, donde los sintetizadores y el arpa son los instrumentos que mas contribuyen en el sonido. Unos temas se desarrollan en lo que hoy conocemos como New Age, melodías suaves basadas en juegos de cuerdas y sintetizadores, mientras que otras, tal como "Naon" son creadas sobre los ritmos de tambores enérgicos, unos sobre otros.
Este es un álbum donde el el resultado final es mejor que la suma de sus partes. Disfrute el viaje de Olias de Sunhillow hacia el nuevo mundo y dejese llevar por la fantasía que nos recrea Jon con su música. No se arrepentirá de esta experiencia.

(Traducido y adaptado por Vendetta de http://sakallimusic.blogspot.com/)

Track List :
01. Ocean Song - 3:05

02. Meeting (Garden Of Geda) / Sound Out The Galleon - 3:34

03. Dance Of Ranyart / Olias (To Build The Moorglade) - 4:19

04. QoQuaQ Ën Transic / Naon / Transic Tö - 7:08

05. Flight Of The Moorglade - 3:24

06. Solid Space - 5:21

07. Moon Ra / Chords / Song Of Search - 12:48

08. To The Runner - 4:29

Line-up :- Jon Anderson / voces, todos los instrumentos

FRANK ZAPPA: YOU CAN´T DO THAT ON STAGE ANYMORE, VOL. 1 A 6

2008-04-24T20:22:00.013-04:00

Dentro de la discografía de Zappa, existe una serie de trabajos en vivo que hacen referencias a ciertos momentos de la carrera de este extraordinario músico estadounidense.
A modo de ejemplo, tenemos desde el registro del Fillmore hasta el registro de su concierto en Buffalo, Chicago, pasando por los excelentes Zappa in New York, The Best Band You Never Heard In Your Life, Does Humor Belong in Music, entre otros,(mayoritariamente bootlegs).
En esta ocasión les quiero presentar a los visitantes y asociados de SDV, la serie completa conocida como You Can`t Do That On Stage Anymore, volúmenes 1 al 6, en formato de cd doble y que representa la máxima expresión del FZ en vivo.
En este trabajo FZ presenta en 6 volúmenes lo que es capaz de hacer, junto a sus distintas agrupaciones, en escena (on stage) y que a juicio de él, que no se repetirían. En esta selección FZ aplica una serie de criterios y utiliza una serie de recursos, como mezclar distintas versiones de distintos conciertos con distintas agrupaciones, encontrándonos desde un concierto completo, el volumen 2 de la serie conocido como el Concierto de Helsinki, hasta trozos de distintos conciertos unidos para dar forma particular a un tema particular. La serie se nos presenta en 6 trabajos, con un diseño de portadas similares con la sola variación de los colores de las fuentes y del fondo. En el interior esta similitud también es aparente, los seis trabajos pueden escucharse como un todo, pero también en función de cada volumen, con las variaciones propias que todo trabajo de FZ contiene. Lo más importante es que esta colección fue diseñada y producida por FZ y la decisión de los temas propuestos en esta colección es de su autoría.
Dejemos que FZ nos explique el como y el porqué de esta colección:
“Ha llevado 20 años reunir esta serie. Proporciona a los que estén interesados en mi música una extensa colección de material en vivo previamente inédito (ABSOLUTAMENTE NINGUNA SOBRE-GRABACION), grabado en cualquiera de los medios disponibles (desde dos pistas analógicas de 7 y 1/2 p.p.s. hasta 24 pistas digitales), empezando con las cintas más tempranas (octubre de 1968, Royal Festival Hall, Londres, Inglaterra), hasta las más recientes (presentando material de nuestra gira mundial de 1988 "BROADWAY THE HARD WAY" ["Broadway por el camino difícil"]).
En todas partes se ha llevado mucho cuidado para asegurar la mejor calidad acústica, sin embargo las selecciones antiguas de interés histórico interpretadas por los originales Mothers Of Invention, aunque no son exactamente "hi-fi", han sido incluidas para disfrute de esos fetichistas que aún creen que el único material "bueno" fue interpretado por ese grupo en particular. Tenemos la esperanza de que las comparaciones con grabaciones de los conjuntos posteriores pongan fin a ese peculiar error.
ESTA COLECCIÓN NO ES CRONOLÓGICA.
La interpretación de cualquier banda de cualquier año puede ser (y muchas veces es) montada con la interpretación de cualquier otra banda de cualquier otro año, a veces en mitad de una canción.
Las selecciones fueron elegidas como respuestas a estas preguntas teóricas:
¿Es ésta la mejor versión disponible de ESTA CANCION por ESTA BANDA?
¿Hay alguna trascendencia "folclórica" en la interpretación?
¿Es la grabación de un estreno?
¿Es una interpretación de "sólo-una-vez" de un evento improvisado?
¿Lleva un buen solo?
¿Dará "Pistas de Continuidad Conceptual" a los maniáticos más duros con una colección completa de discos?
¿Ayuda la inclusión de esta canción el flujo estilístico de la secuencia del álbum proporcionando contraste o alivio?
¿Hay película o cinta de vídeo de la actuación?
Espero que disfrutéis de este volumen y encontréis tiempo para escuchar la colección completa de 13 horas.
La serie "YOU CAN'T DO THAT ON STAGE ANYMORE" ("No puedes volver a hacer eso en el escenario") está dedicada a los músicos que tocan en ella y a los oyentes que los han apreciado durante las últimas dos décadas.
Gracias.”

Empecemos entonces con el Volumen 1:

YOU CAN'T DO THAT ON STAGE ANYMORE Vol. 1

Disc 1

The Florida Airport Tape (Volman/Kaylan/FZ) 1:03
Once Upon A Time 4:37
Sofa #1 2:53
The Mammy Anthem 5:41
You Didn't Try To Call Me 3:39
Diseases of The Band 2:22
Tryin' To Grow A Chin 3:44
Let's Make The Water Turn Black/Harry,
You're A Beast/The Orange County Lumber Truck 3:28
The Groupie Routine 5:41
Ruthie-Ruthie (Brock/Berry) 2:57
Babbette 3:35
I'm The Slime 3:13
Big Swifty 8:47
Don't Eat The Yellow Snow 20:16

Disc 2
Plastic People (FZ/Berry) 4:38
The Torture Never Stops 15:48
Fine Girl 2:55
Zomby Woof 5:39
Sweet Leilani (Owens) 2:39
Oh No 4:34
Be In My Video 3:29
The Deathless Horsie 5:29
The Dangerous Kitchen 1:49
Dumb All Over 4:20
Heavenly Bank Account 4:05
Suicide Chump 4:56
Tell Me You Love Me 2:09
Sofa #2 3:01

YOU CAN'T DO THAT ON STAGE ANYMORE Vol 2 The Helsinki Concert

Disc 1

Tush Tush Tush (A Token Of My Extreme) 2:48
Stinkfoot 4:18
Inca Roads 10:54
RDNZL 8:43
Village Of The Sun 4:33
Echidna's Arf (Of You) 3:30
Don't You Ever Wash That Thing? 4:56
Pygmy Twylyte 8:22
Room Service 6:22
The Idiot Bastard Son 2:39
Cheepnis 4:29

Disc 2

Approximate 8:11
Dupree's Paradise 23:59
Satumaa (Finnish Tango) (Mononen) 3:51
T'Mershi Duween 1:31
The Dog Breath Variations 1:38
Uncle Meat 2:28
Building A Girl 1:00
Montana (Whipping Floss) 10:15
Big Swifty 2:17

YOU CAN'T DO THAT ON STAGE ANYMORE Vol 3

Disc 1

Sharleena 8:53
Bamboozled By Love (FZ/Rabin/Horn/Anderson/Squire) 6:06
Lucille Has Messed My Mind Up 2:52
Advance Romance (1984) 6:58
Bobby Brown Goes Down 2:44
Keep It Greasey 3:30
Honey, Don't You Want A Man Like Me? 4:16
In France 3:01
Drowning Witch 9:22
Ride My Face To Chicago 4:22
Carol, You Fool 4:06
Chana In De Bushwop (FZ/Diva Zappa) 4:52
Joe's Garage 2:20
Why Does It Hurt When I Pee? 3:06

Disc 2

Dickie's Such An Asshole 10:08
Hands With A Hammer (Bozzio) 3:18
Zoot Allures 6:09
Society Pages 2:32
I'm A Beautiful Guy 1:54
Beauty Knows No Pain 2:55
Charlie's Enormous Mouth 3:39
Cocaine Decisions 3:14
Nig Biz 4:58
King Kong 24:32
Cosmik Debris 5:13

YOU CAN'T DO THAT ON STAGE ANYMORE Vol 4

Disc 1

Little Rubber Girl (FZ/Walley) 2:57
Stick Tigether 2:04
My Guitar Wants to Kill Your Mama 3:20
Willie The Pimp 2:06
Montana 5:47
Brown Moses 2:38
The Evil Prince 7:12
Approximate 1:49
Love Of My Life Mudd Club Version 1:58
Let´s move To Cleveland Solos 7:10
You Call That Music? 4:07
Pound For A Brown Solos 6:29
The Black Page (1984) 5:14
14. Take Me Out To The Ball GaMe (Norworth/Von Tilzer) 3:01
Filthy Habbits 5:39
The Torture Never Stop Original Version 9:14

Disc 2
Church Chat 2:00
Stevie´s Spanking 10:51
Outside Now 6:09
Disco Boy 2:59
Teen-Age Wind 1:54
Truck Driver Divorce 4:46
Florentine Pogen 5:09
Tiny Sick Tears 4:29
Smell My Beard (Duke/FZ) 4:30
The booger Man (Duke/Brock/FZ) 2:46
Carolina Hard Core Ecstasy 6:27
Are You Upset? 1:29
Little Girl Of Mine (Levy/Cox) 1:40
The Closer You Are (Lewis/Robinson) 2:05
Johnny Darling (Statton/Statton) 0:51
No No cherry (Caesar/Gray)1:26
The Man From Utopia (Woods/Woods) 1:15
Mary Lou (Jessie) 2:14

YOU CAN'T DO THAT ON STAGE ANYMORE Vol 5

Disc 1
The Downtown Talent Scout 4:01
Charles Ives 4:37
Here Lies Love (Martin/Dobard) 2:44
Piano/Drum Duet 1:57
Mozart Ballet (FZ/Mozart) 4:05
Chocolate Halvah (George/Estrada/FZ) 3:25
JCB & Kansas On The Bus #1 (Kanzus/Black/Kunc/Barber) 1:03
Run Home Slow: Main Title Theme 1:16
The Little March 1:20
Right There (Estrada/FZ) 5:07
Where Is Johnny Velvet? 0:51
Return Of The Hunch-Back Duke 1:44
Trouble Every Day 4:06
Proto-Minimalism 1:39
JCB & Kansas On The Bus #2 (Kanzus/Black/Kunc/Barber) 1:10
My Head? (MOI) 1:21
Meow 1:23
Baked-Bean Boogie 3:26
Where's Our Equipment? 2:29
FZ/JCB Drum Duet 4:26
No Waiting For The Peanuts To Dissolve 4:45
A Game Of Cards (FZ/Sherwood/Tripp/Underwood) 0:46
Underground Freak-Out Music 3:51
German Lunch (MOI) 6:42
My Guitar Wants To Kill Your Mama 2:11

Disc 2
Easy Meat 7:38
Dead Girls Of London (FZ/Shankar) 2:29
Shall We Take Ourselves Seriously? 1:44
What's New In Baltimore? 5:03
Moggio 2:29
Dancin' Fool 3:12
RDNZL 7:58
Advance Romance 7:01
City Of Tiny Lites 10:38
A Pound For A Brown (On The Bus) 8:38
Doreen 1:58
The Black Page #2 9:59
Geneva Farewell 1:24

YOU CAN'T DO THAT ON STAGE ANYMORE Vol 6

Disc 1
The M.O.I. Anti-Smut Loyalty Oath 3:01
The Poodle Lecture 5:02
Dirty Love 2:39
Magic Fingers 2:21
The Madison Panty-Sniffing Festival 2:44
Honey, Don't You Want A Man Like Me? 4:01
Farther O'Blivion 2:21
Is That Guy Kidding Or What? 4:02
I'm So Cute 1:39
White Person 2:07
Lonely Person Devices 3:13
Ms. Pinky 2:00
Shove It Right In 6:45
Wind Up Working In A Gas Station 2:32
Make A Sex Noise 3:09
Tracy Is A Snob 3:54
I Have Been In You 5:04
Emperor Of Ohio 1:31
Dinah-Moe-Humm 3:16
He's So Gay 2:34
Camarillo Brillo 3:09
Muffin Man 2:25

Disc 2

NYC Halloween Audience/The Illinois Enema Bandit 8:49
Thirteen (Shankar/FZ) 6:10
Lobster Girl (O'Hearn/Colaiuta/FZ) 2:20
Black Napkins 5:21
We're Turning Again 4:56
Alien Orifice 4:16
Catholic Girls 4:04
Crew Slut 5:33
Tryin' To Grow A Chin 3:33
Take Your Clothes Off When You Dance 3:46
Lisa's Life Story (Popeil/FZ) 3:05
Lonesome Cowboy Nando 5:09
200 Motels Finale 3:48
Strictly Genteel 6:56

Line-Up: Fz, Terry Bozzio, Ray White, Ike Willis, Steve Vai, Adrian Belew, Vinnie Colaiutta, Bobby Martin, Alan Zavod, Scott Thunes, Chad Wakerman, Napoleon Murphy Brock, Chester Thompson,George Duke, Ruth Underwood,Tom Fowler,Mark Volman, Asley Dumbar, Jimmy Pons,Howard Kaylan, Tommy Mars,Arthur Barrow, Warren Cuccurullo,Peter Wolf, Ed Mann,Lowell George, Roy Estrada, Don Preston, Motorhead Sherwood, entre otros.

Se agradece a “El 3er Poder” por la información, asequible para los que quieran indagar más en el arte de Frank Zappa

Selección, Review, Post por Zap

Genesis – Live Over Europe 2007

2008-04-20T23:14:00.001-04:00

"Live Over Europe 2007" es el nuevo álbum en vivo de Genesis, una de las bandas icono del Rock/Pop que después de su disolución en los 90’s, surge tras la reunión de Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford, los cuales hicieron en el año 2007 una serie de conciertos por Europa y Estados Unidos, sin embargo este trabajo incluye una selección de los temas que interpretaron durante la gira europea que llevaron a cabo el año recién pasado bajo el nombre que dio título a una de sus canciones en los años 80, “Turn It On Again”.

Pareciera que el tiempo y la separación no hicieron estrago alguno en la agrupación inglesa, puesto que los temas suenan excepcionalmente, además junto con Collins, Banks y Rutherford estan en esta gira sus habituales colaboradores, Daryl Stuermer en guitarra, bajo y coros, y Chester Thompson en batería y percusión. Quizás lo único que se le puede criticar a este disco es que la mayoría de los temas son de sus trabajos de los 80’s (época pop de la agrupación), lo cual a modo personal me produce un poco de nostalgia, ya que tras está reunión ansiaba escuchar éxitos como "The Musical Box" del disco Nursery Cryme, tema icono proveniente de su época más progresiva, u otros temas como Horizons, Time Table o Supper’s Ready del disco Foxtrot, otra obra maestra. Sin embargo este disco es una excelente entrega y aunque los temas tengan una orientación claramente Pop, no deja de ser un material digno de escuchar, particularmente para fanaticos de la banda. Espero que lo disfruten.

Los temas recopilados en la edición del CD doble Live Over Europe 2007 son los siguientes:

CD 1

01 - Duke's Intro (Live in Manchester)
02 - Turn It On Again (Live in Amsterdam)
03 - No Son Of Mine (Live in Amsterdam)
04 - Land Of Confusion (Live in Helsinki)
05 - In The Cage (Live in Manchester)
06 - Afterglow (Live in Manchester)
07 - Hold On My Heart (Live in Hannover)
08 - Home By The Sea (Live in Dusseldorf & Roma)
09 - Follow You Follow Me (Live in Paris)
10 - Firth Of Fifth (Live in Manchester)
11 - I Know What I Like (In Your Wardrobe) (Live in Manchester)

CD 2

01 – Mama (Live in Frankfurt)
02 – Ripples (Live in Pragua)
03 - Throwing It All Away (Live in Paris)
04 – Domino (Live in Roma)
05 - Conversations With 2 Stools (Live in Munich)
06 - Los Endos (Live in Twickenham)
07 - Tonight Tonight Tonight (Live in Roma)
08 - Invisible Touch (Live in Roma)
09 - I Can't Dance (Live in Munich)
10 - Carpet Crawlers (Live in Manchester)

Músicos:

Phil Collins - Primera voz, batería y percusión
Tony Banks - Teclados, voz, coros
Mike Rutherford - Guitarra, bajo, coros

Músicos invitados:
Daryl Stuermer - Guitarra, bajo, coros
Chester Thompson – Batería y percusión

PS: Este es un excelente aporte del usuario de nuestro Hallenbeck, así que vayan a el todas nuestras felicitaciones y agradecimientos.

Pink Floyd - The Man and The Journey (1969)

2008-04-14T10:02:00.004-04:00

De antemano aviso que siendo un fan acérrimo de Floyd, me costará mucho ser objetivo. Bueno , acá voy

Todos conocemos la relevancia de esta banda, en lo musical, estético y sobre todo en la repercusión mediática notable para un género usualmente relegado a las sombras como el rock progresivo, es por ello que creo vale la pena conocer este material no oficial, de una de las épocas más experimentales de Pink Floyd. En el año 69, Waters propone la idea de montar una gira en base a material musical inédito, que intentara reflejar la vida de un hombre intelectualmente superior, que sin embargo se ve atrapado en la cotidianidad de la vida común. El espectáculo se dividía en 2 partes, una "the man" y la otra "the journey", y lo curioso es que en estas versiones desnudas, primerizas, encontramos el germen y muchas veces la estructura completa de futuros clásicos de la banda.

Es así como el disco se inicia con Daybreak, que es la mismísima Granchester Meadows, del extraordinario Ummagumma, esta es seguida de Work, que aparecería años más tarde como Biding my time, dentro de Relics. También cabe el espacio a la experimentación, como en Sleep, verdadera pieza de electroacústica liderada por Rick Wright en sintetizadores, acompañado por Gilmour y sus slides en la fender, y utilizando como base una cinta magnética con las grabaciones de una respiración, incluso podríamos hablar de música concreta.

El resto de los temas lo deducirán al oír esta magnífica pieza de colección que un amante del progresivo no debe dejar de escuchar.

Un abrazo a todos.

Track List

1. Introducction (0:53)

The Man

2. Daybreak (8:09)
3. Afternoon (3:50)
4. Doing it (5:15)
5. Sleep intro (3:49)
6. Sleep (4:40)
7. Nightmare (8:57)
8. Daybreak (1:13)

The Journey

9. The beginning (4:49)
10. Beset by creatures of the deep (6:18)
11. The narrow way (5:09)
12. The pink jungle (4:49)
13. The labyrints of Auximenes (6:34)
14. Behold the temple ol light (5:28)
15. The end of the beginning (6:14)

PS: Esta corresponde a la mejor reseña del mes de Marzo del 2008, elegida por los miembros de nuestro foro. Felicitaciones a Christean por la misma.

Beardfish - Sleeping in Traffic: Part One (2007)

2008-04-07T18:12:00.003-04:00

Beardfish fue formada en Suecia en el año 2000 por su guitarrista David Zackrisson y el cantante, guitarrista y tecladista Rikard Sjöblom. El grupo incluye al bajista Robert Hansen y al batería Magnus Östgren. Su primer album (Från En Plats Du Ej Kan Se del año 2003) fue grabado como un quinteto con Stefan Aronsson en los teclados y la flauta, quien abandona el grupo antes de la grabación del segundo disco (The Sane Day del año 2006). Es un grupo con diversas influencias, que van de Zappa pasando por King Crimson hasta llegar a Gentle Giant; con un sonido clásico, pero sin sonar a viejo; muy marcado por el trabajo del Hammond y el Mellotron, algunos toques de flauta y un aporte vocal muy emotivo y bien trabajado (que por momentos recuerda a Greg Lake). Musicalmente, no se basan en estructuras complicadas o en un gran despliegue de técnica interpretativa, si no más bien en sus excelentes arreglos, su variedad instrumental y la generación de atmósferas sonoras. En general, el trabajo de esta banda puede ser considerado como un rescate de las "viejas tradiciones" del prog más sinfónico y clásico de la decada de los setenta, pero dándole un toque de frescura y novedad que realmente se agradece debido a que es algo bastante escaso, normalmente las bandas que se aventuran a ello nos entregan música con sabor a repetición.

El año 2007, editaron este disco, el tercero, llamado Sleeping in Traffic: Part One, el que podríamos definir, principalmente como un álbum lleno de buenas composiciones y mejores arreglos. Acá se nota el oficio y el talento de la banda, dado que logran armar un disco lleno de buenos temas con una gran variedad instrumental que harán las delicias de cualquier aficionado al sinfónico más clásico, así como de aquellos que gustan de grupos que saben mezclar diferentes estilos en apariencia disimiles, como prog sinfónico, pop, jazz, new-wave o blues. Yo diría que lo más notable está en el trabajo de acordeón que se puede apreciar ya desde el primer tema, que funciona como intro, y que vuelve a aparecer esporádicamente a lo largo de los temas. Eso, en mi opinión y en términos sonoros, sirve como una especie de aglutinador o de elemento que entrega continuidad entre los distintos temas.

Este disco tiene una segunda parte (es como obvio por el título), que el grupo promete para Mayo de este año), así que esten atentos a la noticias.

Track Listings
1. On The Verge Of Sanity ... (0:47)
2. Sunrise (7:54)
3. Afternoon Conversation (3:42)
4. And Never Know (5:59)
5. Roulette (12:07)
6. Dark Poet (3:24)
7. Harmony (7:20)
8. The Ungodly Slob (6:42)
9. Year Of The Knife (7:28)
10. Without You (2:39)
11. Same Old Song (7:51)

Line-up/Musicians

- Rikard Sjöblom / vocals, guitars, keyboards, accordion, percussion
- David Zackrisson / guitars, percussion
- Robert Hansen / bass
- Magnus Östgren / drums, percussion, screaming

PS: Como dato, les menciono que este disco, fue elegido por Mike Portnoy como el cuarto mejor disco del año 2007. Como siempre, por favor pasen a los comentarios.

Discografía de Mindflowers

2008-04-04T12:42:00.004-04:00

Hungría es un país enigmático y lejano ubicado en la Europa central llamado por sus habitantes como la Tierra de los Magyares o Magyarország.

No es mucho lo que sabemos de este bello país, tal vez se me viene a la mente Ferenc Puskás quien es quizás el mayor referente Húngaro conocido gracias a su brillante carrera como futbolista en el Real Madrid Español y en su selección local, pero no es de eso lo que hablaremos en este post, sino de la exquisita tradición musical Magyar la que nos ha entregado bandas como: Solaris, After Crying, Omega, East, Kada, ColorStar, Korai Öröm, You & I y Rumblin’ Orchestra.

Es esta basta y múltiple tradición la que nos presenta a otra gran banda llamada Mindflowers, nueva para varios de nosotros a pesar de que su primer disco Improgressive es del año 2002 y su segunda placa Nuances es del 2005.

La banda fue formada en Septiembre del año 2000 por los estudiantes de música Balázs SZENDÕFI (bajo, stick) y Zoltán SZENTPÁL(guitarra), a medida que empezaron a componer sus propios temas buscaron un tecladista y baterista para completar la formación, situación que se les hizo difícil pues no hallaron a nadie que los satisficiera musicalmente, ante esto decidieron grabar su primer demo con músicos invitados el que llamaron Not this time, después de lanzado el EP, durante el verano del año 2001 la banda al fin pudo completarse con Gergely GÁSPÁR (batería) y Zsolt NAGY (tecladista de 2000 a 2002) el que después seria remplazado por Bubenyák ZOLTÁN en 2003.

El año 2002 lanzan el sorprendente Improgresive disco que sobrepasa en cuanto a versatilidad, calidez musical, composición, variedad de sonidos e intensidad a su sucesor Nuances el cual esta mucho mas ligado al free-jazz lo que extrañamente lo hace ser mas plano y falto de esa frescura que nos acostumbraron en su debut, no es un mal disco, tal vez solo es que esperábamos mas de ellos.

Me paso algo especial al oír Improgressive por primera vez, fue la misma sensación que me produjo la vez que conocí a Liquid Tension, claro las dos bandas están dentro del formato “progresivo”, las dos tienen esa cuota de improvisación, de frescura y de vértigo, aunque eso sí ambas corren por caminos paralelos en el mundo del prog quizás fue la fusión de matices y armonías lo que me llevo a relacionarlas.

No crean que Mindflowers es otra copia del efecto Liquid, nada de eso, pues su sonido esta mucho mas abocado al jazz fusión instrumental con tintes roqueros, que al riff metalero y al millón de notas por segundo, es por esto que la propuesta de estos húngaros es novedosa y fresca a pesar de los ya casi seis años de la primera producción y tres de Nuances.

2002 - Improgressive

Track List
1. Red spider (8:18)
2. Falling (5:46)
3. Sick spirit (4:50)
4. Why? (1:51)
5. Why not? (5:07)
6. Crying skies (7:01)
7. Knowing the path (7:01)
8. Flo's kisses (4:28)
9. Talk with myself (22:37)
a. Not close enough
b. Cold days, hot nights
c. Chaos
d. Sink into the emptiness
e. "Friends"
f. Dirty endgame
g. Farewell

2005 - Nuances

Track List
1. Intro They’re Coming! (1:01)
2. Ego (6:20)
3. Victoria (7:59)
4. The Merovingian (7:30)
5. Ego Jam (1:59)
6. Earplug (6:56)
7. Sordino (bass solo) (2:41)
8. Chromantica (8:41)
9. Igor The Dog (6:08)
10. Soundcreek (4:41)
11. Britney’s Pears (9:28)
12. The Last Christmas (5:26)

Felicitaciones a McReady por su gran aporte. Esta reseña corresponde a la segunda ganadora del més de Febrero del 2007.

Elección SDV de los 12 mejores discos progresivos del 2007

2008-03-30T15:20:00.004-04:00

Al igual que hicimos para el 2006, este año nos organizamos y realizamos una votación interna en el foro de lo que cada uno consideraba lo mejor y más representativo del genero progresivo del año 2007. En esta votación/encuesta, se mencionaron muchos discos e interpretes que nos sorprendieron (cerca de 70 discos fueron evaluados en total), pero solo unos pocos llegaron a las etapas finales de la selección que aquí les mostramos, lo que asegura gran calidad musical.

Es importante mencionarles que esta lista solo refleja la opinión y gustos personales de los miembros de nuestro foro y en ningún caso creemos sea una lista 100% exhaustiva, imparcial ni mucho menos definitiva acerca del movimiento musical progresivo durante el año pasado, por lo que cualquier omisión imperdonable (en vuestra opinión), que hubiésemos cometido, espero sepan disculparnos y tengan la altura de miras suficiente para señalarlo. La mejor manera que tienen de evitar esto para la elección del año 2008 (cuyo proceso ya comenzó), es que se integren a nuestro foro y sean participes del proceso; así que la oferta queda abierta desde ya.

Ahora, les dejo la lista de 12 discos, ordenada por la preferencia entre nuestros miembros, siendo el primer disco, el mejor del año 2007 (creemos que para pocos serán una sorpresa los primeros 5 lugares) :

1.- THE GOURISHANKAR - 2nd Hands

Este disco, sin duda alguna, tiene todos los merecimientos para ser elegido como el mejor del año 2007; esto no es más que una confirmación que el ambiente progresivo que viene de Rusia está cada día más movido (solo basta mencionar a Little Tragedies o Apple Pie para demostrar lo dicho). Si tuviésemos que definirlo en una sola palabra, esa sería "fusión"; acá se pueden escuchar tonos orientales, metal progresivo, electrónica, atmosferas trance, elementos folk, reggae, neo prog, jazz, pop y varios otros. Es un disco complejo, pero sin llegar a lo caótico, incluso sus temas más cortos podrían ser transmitidos por radios comerciales y no sería una sorpresa que tuvieran éxito y un índice alto de rotación. Este disco es, sin duda, asombroso y una joya del progresivo de los últimos años. Esperamos grandes cosas de The Gourishankar para el 2008.

2.- PORCUPINE TREE - Fear of a Blank Planet

Los ingleses de Porcupine Tree acaparan la atención de la escena del rock progresivo con cada álbum, y este año no fue la excepción, ya que Fear of a Blank Planet fue uno de los favoritos para estar entre los primeros lugares de nuestro ranking durante buena parte del año. Con la colaboración de Robert Fripp y Alex Lifeson, Porcupine Tree nos deleitan con grandes canciones, como la notable Anesthetize, que quedarán sin duda alguna en la memoria colectiva de la comunidad progresiva mundial.

3.- NEAL MORSE - Sola Scriptura

Cuando Neal Morse decidió dejar Spock's Beard y Transatlantic, dos de las bandas más aclamadas del ultimo tiempo, para seguir los caminos que sus creencias religiosas le imponían, fuimos muchos los que pensamos que era una gran perdida para el Progresivo; en corto tiempo, Neal nos demostró que un tipo tan talentoso como el es perfectamente capaz de equilibrar sus necesidades espirituales con una gran consistencia y calidad musical; solamente los temas de las letras cambiaron un poco, el resto quedo intacto. En el 2007, nos volvió a confirmar lo anterior, en donde con solo 4 temas pudo construir un disco sencillamente espectacular que supera los 70 minutos de duración. Sin duda, Neal Morse es un compositor de excepción y uno de los grandes del sub-genero sinfónico, sin nada que envidiarle a los clásicos.

4.- PHIDEAUX - Domsday Afternoon

Esta pieza en 2 actos es, por mucho, la mejor obra de esta banda, un verdadero salto cuantico en su carrera. Si siguen por esta senda, nos depararán grandes alegrías en el futuro, sobre todo considerando que esta es la segunda parte de una trilogía (The Great Leap del 2006 es la primera parte) y el cierre se espera para este año. En este disco, se dejan ver influencias de Jehtro Tull, Camel, Renaissance y, en cuanto a atmosferas, de Pink Floyd. Para muchos, un clásico instantáneo.

5.- NEW TROLLS - Concerto Grosso - The Seven Seasons

En esta placa, New Trolls vuelve por su vieja senda y rescata los valores más esenciales del Sinfónico Italiano, dándonos un tercer acto para su clásico Concerto Grosso. Un disco con composiciones exquisitas y una ejecución notable, en donde Vittorio De Scalzi y Nico Di Palo nos entregan una nueva joya en su carrera. Algo único en esta obra es el hecho de que las auto referencias (son obvias las relaciones con los anteriores Concerto Grosso) dejan una sensación de creatividad incombustible, en lugar de lo más común, que sería justamente la falta de esta. Son pocos los casos de bandas que logran esa clase de continuidad sin parecer "agotados y faltos de ideas". Lo único criticable de este disco es, sin duda, la portada.

6.- OCEANSIZE - Frame

Oceansize es una banda que lleva casi 10 años de vida, y que sin embargo durante el 2007 llamaron la atención de los medios especializados con su tercer trabajo titulado Frames, el cuál tiene una sonoridad por momentos familiar a Porcupine Tree, Sigur Ros, Radiohead y a la música grunge. Las melodías y atmósferas creadas por las tres guitarras del grupo han permitido que la recepción de este disco haya sido excelente, lo que lo hace muy merecedor del lugar que tiene asignado en nuestra lista.

7.- ANEKDOTEN - Time for a Day

Dada la interesante mezcla de lo clásico con lo novedoso en este disco, al escucharlo da la impresión de estar frente a una banda de los 70’s (básicamente por el uso intensivo de Mellotron y el toque sinfónico aportado por las cuerdas), pero con una propuesta más actual en la parte rítmica y armónica, dada por la guitarra y los excelentes trabajos del bajista. Por algo, no son pocos los que califican a esta banda Sueca como la mejor de todas en la actualidad.

8.- PETER PAN - Days

Peter Pan es un nuevo proyecto del virtuoso baterista polaco Wojtek Szadkowski. A fin de satisfacer a sus demonios musicales más salvajes, nos viene ahora con esta forma frenética incursionando en un Prog mas metálico, integrando tres nuevos elementos principales a su formación de Satélite: primero el tecladista Konrad Bilinski con toques a lo Jordan Rudess, en segundo lugar, un guitarrista maníaco, Radek Chwieralski, que se empeña en tocar con unos punteos metálicos extremos intentando fatigar las cuerdas de la guitarra hasta la ruptura y finalmente, un misterioso cantante (Peter Pan) que profusamente agradece por el crédito en el nombre del grupo y se esmera con una actuación a veces histérica pero muy emotiva. Presumimos que este misterioso cantante, no es mas que el mismo Wojtek Szadkowski, el alegre tamborilero compositor y líder. Completa la formación el bajista de Satellite, Jarek. Los temas que nos traen consolidan la excelencia de los grupos polacos en el movimiento progresivo global. Un imperdible del 2007 que nos mantendrá atentos a futuros trabajos de este grupo

9.- GOD IS AN ASTRONAUT - Far From Refuge

Se podría decir que dentro de la escena post-rock, God is an Astronaut es una de la bandas actuales que mayor popularidad ha ganado, al menos en Europa. Este año nos sorprendieron con Far From Refuge, un disco que si bien, al no diferenciarse de las características del sub-género, no destaca en originalidad, pero si se luce en calidad de composición y belleza. Uno de los mejores exponentes del post-rock del 2007.

10.- SATELLITE - Into The Night

Into the Light es la tercera producción de Satellite, grupo polaco liderado por el virtuoso baterista Wojtek Szadkouski, ex Collage, quien formó esta banda como un proyecto propio en el 2003, con un éxito tal, que ya es uno de los grandes protagonistas del movimiento neo-prog. Completa la trilogía empezada con A Street Between Sunrise And Sunset y seguida por Evening Games. Con esto, cierran el círculo del día comprendido por amanecer / atardecer / anochecer. Su música abarca el lado más agresivo de sonidos épicos dentro del neo-prog, con excelentes arreglos de guitarras, teclados y bajos. Destaca también la fuerza de su cantante Robert Amirian. En el bajo, Jarek Michalski es notable en todo el álbum. Sin duda es una gran producción que vale ser considerada entre las mejores del 2007.

11.- CANVAS SOLARIS - Cortical Tectonis

El tercer disco de esta banda instrumental norteamericana es, sin duda, el más logrado y progresivo de todos. Acá se aprecian claramente influencias tan diversas como King Crimson, LTE, Pink Floyd, Ozric Tentacles o Kraftwerk. Está lleno de composiciones que requieren de una ejecución muy técnica, algo característico del Metal Progresivo, pero sin caer en nada aburridor, muy por el contrario este disco es altamente entretenido, seas o no un amante del sub-genero. Cualquier fan de Dream Theater lo amará y cualquier amante de la buena música lo encontrará fascinante.

12.- LA PURA REALIDAD - La Pura Realidad

La Pura Realidad es un grupo mexicano que lleva algunos años dando que hablar en el ambiente progresivo underground de su país. Este año debuto y entro directamente a las grandes ligas con su disco homónimo, agradable mezcla de jazz-rock y folk. Un trabajo netamente instrumental que ha acaparado atención internacional y que sin duda alguna fue uno de los grandes exponentes del progresivo latinoamericano durante el 2007.

Para finalizar, solo nos resta decir que nadie puede quedarse sin escuchar estos 12 discos, porque todos son verdaderas piezas de arte que permitirán ver el excelente estado de salud de la buena música, por más que las radios nos intenten convencer de lo contrario día a día, solo es necesario buscar un poco más.

Daryl Stuermer - Go (2007)

2008-03-24T19:35:00.002-03:00

Cuando Steve Hackett se fue de Genesis, la respuesta del grupo fue una repetición de la decisión tomada ante la salida de Gabriel y al mismo tiempo una verdadera declaración de principios : “And then there were three”, el grupo era de los que se quedaban: Banks, Collins y Rutherford y solo ellos estaban al mando, sin lugar para extraños.
Por lo tanto, como antes habían hecho con Chester Thompson en el puesto de baterista, se pusieron a buscar un músico que fuese lo suficientemente bueno para calzarse los zapatos de Hackett en escena y lo suficientemente sumiso como para mantenerse al margen, haciendo y tocando lo que los jefes le dijeran, siempre lejos del primer plano y yendo de la guitarra al bajo según los deseos de Rutherford. De hecho, en vivo la guitarra es casi patrimonio exclusivo de MR, quien solo la deja en los temas viejos que tienen esos arreglos intrincadísimos de Hackett.
La primera opción fue Alphonso Johnson, quien agradeció el convite pero viendo que el corset iba a ser muy ajustado para un espíritu creativo, declino la oferta y recomendo para el puesto a su ex compañero Daryl Stuermer.

Este nativo de Wisconsin, quien venia de tocar en las bandas de los respetados músicos de jazz y fusión Jean Luc Ponty y George Duke demostró que era el hombre justo para el puesto, musical y humanamente.
Su mayor conexión la estableció con Phill Collins, de quien se convirtió en mano derecha en su carrera solista, participando de todos sus discos, dirigiendo la banda en escena y compartiendo la autoría de varias de las canciones de nuestro querido ídolo.
También toco en varios discos de Banks y Rutherford, como así también con Philip Bayley(Earth,Wind & Fire) y Anni-Frid Lingstad (la morocha de ABBA).
Con todos estos antecedentes, se estarán preguntando que motivos puede haber para que estemos hablando del amigo Daryl Stuermer.

Y el motivo es realmente poderoso, se llama GO y es su disco de 2007. Parece ser que de tanto en tanto, Daryl se pone a escribir la música que realmente le gusta y disfruta tocar, dejando de lado su rol de ejecutante por encargo, y es entonces donde nos sorprende con cosas como este disco.
Quien haya disfrutado alguna vez de la música de Allan Holdsworth, Al di Meola, Jeff Beck en su etapa de Blow by blow, Larry Carlton o el propio Pat Metheny comprenderán sin mucha explicación de que se trata esta obra, y les aseguro que esta al nivel de los mejores trabajos de cualquiera de los mencionados.
Para los que no están tan familiarizados con este sonido, me permitiría sugerirles que le den a este disco una oportunidad ya que tiene algunas características que no son habituales de encontrar en el campo de la fusión o el jazz-rock, especialmente el manejo de las melodías que tan a menudo quedan sumergidas en la avalancha de notas que estos virtuosos extraen de sus instrumentos y que, al menos en mi caso me dejan con la boca abierta los primeros cinco minutos admirado por tanta destreza y el resto del disco sigo con la boca abierta pero bostezando de aburrimiento.
Aqui, por el contrario, resulta muy sencillo seguir el desarrollo de los temas y hasta terminar tarareandolos mientras se marca el ritmo con el pie cual si estuviesemos ante un pegadizo tema pop, cuando en realidad estamos ante piezas complejas y elaboradas.
Por otro lado, cuando Stuermer maneja los teclados su aproximacion es mas cercana al sinfonismo que al jazz, con lo que el disco adquiere un sabor a verdadera fusion entre el prog y el jazz, un manjar exquisito y a menudo escaso.
Entre lo mas destacable del album, esta Striker, Meltdown, Urbanista, Dream in Blue y mi favorita es la sencilla y cristalina Heavy Heart con una guitarra inolvidable que parece cantar y una melodia que (al menos a mi) me remite lejanamente al tema Yellow de Coldplay (extraño, pero fascinante), tal vez sea sugestionado por el antecedente de haberse formado tocando con Ponty, pero la mejor definicion que se me ocurre respecto al modo de tocar de Stuermer es “violinistico”, fluido, dinamico, atrapante.
Es digna de mencionar la co-responsabilidad creativa con su amigo desde la juventud en Wisconsin, el barbado Leland Sklar, habitual bajista de Toto y quien solo puede ser comparado con Tony Levin en cantidad de artistas con los que ha tocado. Su trabajo en la composicion y el bajo es extraordinario.

Para los que les gusta la musica de fusion, no duden en obtenerlo.
Para los que les gustan los guitarristas veloces, capaces de incendiar las cuerdas, no duden en obtenerlo.
Para los que les gustan los guitarristas profundos, capaces de hacer llorar las cuerdas, no duden en obtenerlo.
Para los que buscan nuevas formas de progresivo, no duden en obtenerlo.
Para los que les gusta el Genesis de Phil Collins, no duden en obtener We can’t Dance y dejar este disco.

Tracks:

1. Striker
2. Masala Mantra
3. Greenlight
4. Dream In Blue
5. Breaking Point
6. Urbanista
7. Heavy Heart
8. Meltdown
9. The Archer
10. Omnibus

Músicos:

Daryl Stuermer: guitarras, teclados, programación.
Leland Sklar: bajo.
Eric Hervey: bajo.
John Calarlco: batería.

PS: La anterior, fue una de las 2 mejores reseñas del mes de Febrero del 2007 en nuestro foro y corresponde a Cornostipicum, a quien van todos nuestros agradecimientos. La otra reseña ganadora saldrá al aire en los próximos días.