La mejor Canción Progresiva de todos los tiempos

Como ya es costumbre, el Foro de SDV a través de sus usuarios y por una encuesta o votación abierta presenta esta vez lo que consideramos “La mejor Canción Progresiva de todos los tiempos”. De más de 25 variadas canciones progresivas sugeridas el galardón recae en “Echoes de Pink Floyd”.

A modo estadístico los 8 primeros lugares:

1.- Echoes - Pink Floyd

2.- Close to the edge -Yes

3.- Dogs - Pink Floyd

4.- Tarkus - Emerson, lake and palmer

5.- Starless - King Crimson

6.- Lark's tongues in aspic-King Crimson

7.- Thick as a brick-Jethro Tull

8.- 2112-Rush


Una breve reseña de Echoes:

Echoes es una canción del séptimo álbum de la banda británica, editado en 1971, llamado Meddle.
Una obra musical que incluye largos pasajes instrumentales, efectos de sonido, improvisaciones y una letra que lleva al auditor a un ambiente subacuático donde “todo es verde y submarino”.
Escrita por los cuatro miembros de la banda con una duración de 23 minutos y medio ocupaba todo el lado B del disco de vinilo original.
Está ampliamente considerada como una de las composiciones más ambiciosas y musicalmente variadas de la banda. Pieza musical fundamental del álbum que marcaba un cambio con respecto a sus discos anteriores (cuyos géneros predominantes eran el rock psicodélico y el sinfónico) dando paso al rock progresivo, la base para sus siguientes trabajos.

La letra: (traducción libre de quien escribe)

Por encima el albatros
se mantiene inmóvil en el aire
y en la profundidad bajo las onduladas olas
en laberintos de cuevas de coral
el eco de un tiempo distante
viene envolviendo a través de la arena
y todo es verde y submarino.
Y nadie nos mostró la superficie
y nadie sabe el dónde o el por qué.
Algo se agita y algo intenta
comenzar a subir hacia la luz

Extraños paseando en la calle
por casualidad dos miradas separadas se encuentran
y yo soy tú y a quien veo es a mí.
Y te tomo de la mano
y te conduzco a través de la tierra
ayúdame a entender
lo mejor que pueda.
Y nadie nos llama para seguir adelante
y nada nos hace cerrar los ojos.
Nadie habla y nadie intenta
nadie vuela alrededor del sol...

A pesar de todo, todos los días apareces
ante mis despiertos ojos.....
invitando e incitándome a ascender
y a través de la ventana en la pared
vienen corriendo en alas de luz solar
un millón de brillantes embajadores de la mañana
Y nadie me canta canciones de cuna
y nada me hace cerrar los ojos
así, lanzo la ventana lejos
y te llamo a través del cielo...


La carátula del disco Meddle:

Es el resultado producto de la superposición de dos fotografías, la de una oreja y unas ondas en el agua.
Es una de las primeras apariciones de motivos acuáticos en la obra de Pink Floyd. Las ondas en la oreja representan los ecos de la pista líder Echoes.
Dato curioso es que la oreja usada pertenece a un cerdo y no el ano de un simio como sugería el diseñador quien finalmente se inclina por la oreja a petición de los mismos integrantes de la banda que deseaban “un oído debajo del agua”.

y pasen por los comentarios...

Present- Barbaro (ma non troppo) (2009)

Cuando se habla de inventiva, creatividad y ruido estético, se puede hablar muy bien de PRESENT.

Este grupo tiene una gran historia: se formó en 1979 por Roger TRIGAUX (guitarra líder, composiciones), uno de los músicos contemporáneos de mayor influencia en Bélgica, cuando buscaba un cambio en su dirección musical y lo quería enfocar a direcciones más basadas en el rock. Entonces dejó a UNIVERSE ZERO y formó PRESENT junto con Alain ROCHETTE (piano) y otros dos miembros de UZ, Christian GENET (bajo) y Daniel DENIS (batería). Con esta alineación, PRESENT grabó un par de álbumes a principios de los '80: "Triskaidekaphobie" y "Le Poison qui Rend Fou", álbumes que TRIGAUX califica como “una compleja interfaz entre el rock y las influencias clásicas” que le valieron la mención de ser una banda que combinó a KING CRIMSON con UNIVERSE ZERO, donde la desquiciada estética toma lugar en los acordes como principal idea musical. “Un espléndido horror con increíble profundidad y poder”, concluye Roger.

En 1993, TRIGAUX formó PRESENT C.O.D. PERFORMANCE, un dueto de guitarra con su hijo Réginald, presentándose en pequeños clubes por Europa y grabando un álbum epónimo el mismo año. En 1994, la banda regresó a sus tocadas, a veces siendo acompañados por DENIS. A finales de 1995, PRESENT hizo gira por Europa, arrojando el álbum "Present Live" en 1996, conteniendo a las guitarras de los dos TRIGAUX, al bajo de Bruno BERNAS y a las baterías de Dave KERMAN, cuyo portafolios incluye a U-TOTEM, 5UU's, THINKING PLAGUE y BLAST. Durante julio y agosto de 1997 se graba "Certitudes", participando los extraordinarios músicos Roger y Réginald TRIGAUX (guitarras, voces y teclados), Daniel DENIS (batería), Guy SEGERS (bajo) y Alain ROCHETTE (piano, teclados). A mediados del 98 realizaron 22 conciertos en Estados Unidos, recibiendo buenas críticas por sus interpretaciones y a finales de año hicieron gira por Europa, presentando a nuevos miembros en ambas giras. En mayo de 1999 se graba el álbum "N° 6" en Israel, consistiendo la alineación en Roger y Réginald TRIGAUX, Pierre CHEVALIER, Dave KERMAN, Keith MACKSOUD y Yuval MESNER como músico invitado.

Durante el XIV festival de Blaye-Les-Mines, Francia, julio de 2000, PRESENT interpretó con una alineación muy poco usual. La reacción del público fue de asombro al ver que la banda se dirigía a una dirección completamente diferente a la que los tenían acostumbrados, pero el resultado plasmado en el álbum "High Infidelity" fue reconfortante por su gran calidad musical. Se suponía que en septiembre de ese año viajarían a los Estados Unidos para presentar el álbum pero tuvieron que posponer, planeando hacer gran gira este año, conmemorativo por los 25 años de la banda. La alineación actual de PRESENT consta de los belgas Roger TRIGAUX (composiciones, guitarra, teclados, voz, dirección musical), Réginald TRIGAUX (guitarras, vocales) y Pierre CHEVALIER (piano, teclados), los estadounidenses Dave KERMAN (batería) y Keith MACKSOUD (bajo), los franceses Pierre DESASSIS (saxofones) y Matthieu SAFATLY (chelo) y el israelí Udi KOOMRAN (sonido).



Barbaro (ma non troppo)

Uno de los discos del 2009 que merecen mención especial por su extrema elaboración en ejecución, complejidad compositiva, virtuosismo y excelente instrumentación, además de una producción por demás envidiable, es lo nuevo de los músicos belgas de Present. Otra notable característica del álbum es que permite apreciar el trabajo individual pero a la vez en conjunto de cada uno de los miembros de Present, y nunca se pasa por alto la participación de guitarra, batería, bajo, chelo, saxofón, teclado o piano, existiendo además una gran congruencia y cohesión entre el aporte de cada músico. Barbaro (ma non troppo) quiere decir, textualmente, "Barbaro (pero no demasiado)", y fue nominado por los Prog Awards en las categorías "Mejor Grabación" y "Mejor Disco No Italiano". El disco salío a la venta en septiembre de 2009 y viene acompañado por un DVD con material de dos conciertos, uno en el festival de RIO de Francia, y otro en el Gouveia Art Rock Festival de Portugal, además de ciertos extras que complementan éstas presentaciones en vivo.
El siguiente review se enfoca en el CD, de sólo tres tracks pero de ambiciosa duración.

"Vertiges" abre el disco de manera magnífica, con rifs de guitarra desgarradores y pianos y teclados punzantes, los intérpretes aquí juegan con una armonía súper pulida, pero añaden dinamismos, cambios de tiempos, cambios rítmicos, y todo dentro de una atmósfera insana de desbordes sonoros que transmiten ira y mucha energía. La parte sinfónica y calma se destaca, sobre todo porque le dan su respectivo lugar a guitarreos suaves, partes melódicas de teclado y mayor énfasis en el trabajo del chelista, convirtiéndose en toda una aventura musical gozadora para quien le escucha. El tema sigue una estructura muy impredecible pero altamente trabajada, que lo convierte en uno de los mejores temas progresivos de todo el 2009.

"A Last Drop" también tiene un inicio muy explosivo, sobre todo en el teclado, pero seguido de esto, ya podemos disfrutar más melodías de saxofón, ritmos más constantes, bajos más potentes y baterías insistentes, gran parte de este tema se convierte en un trance de hipnosis que nos deja a la espera de algún cambio impredecible, típico del mejor RIO de antaño. Ese cambio nos agarra por ahí de los 4 minutos, el teclado agarra protagonismo, luego la batería acompaña y entonces ocurre una explosión musical veloz y agresiva que rompe con el ritmo constante, en seguida nos adentramos en territorios sinfónicos de arreglos muy bien trabajados, que dan mayor peso al chelo. A partir de aquí el tema es más dinámico pero también más calmo, de un momento a otro nos deja apreciar a plenitud otro instrumento más: la tuba, con una extraña melodía envuelta dentro de un ambiente siniestro de terror. Finalmente, la guitarra y el saxofón se fusionan e intercalan, el teclado los acompaña y nos dejan a la espera de algo más oscuro: el último tema.

"Jack The Ripper" es un cierre fantástico, no es un cover propiamente dicho, sino una nueva versión que originalmente compuso Roger Trigaux al lado de Daniel Denis para el clásico álbum Heresie (1979) de Univers Zero.
Aquí, el piano es quien da inicio, con esa melodía sombría y mística, que poco a poco será acompañada por otros instrumentos, primero el chelo, y luego entran el teclado y el saxofón. Éste principio es definitivamente sinfónico, un rock de cámara del más elegante y refinado jamás creado. Casi llegando a los tres minutos, Trigaux imita con su guitarra de tonalidad particular la melodía del chelo pero se mantiene la calma. Después, se vienen inevitables cambios sonoros y rítmicos, y la batería también empieza a entrar en juego. Algunas melodías y ritmos fijos nos introducen a lo que más tarde será un caos, donde se llega a un rock más enérgico e intenso, pero la armonía y congruencia instrumental permanecen intactas. Más adelante, se viene una improvisación insana del chelo, acompañada por melodías repetitivas de teclado y batería agresiva, donde se alcanza la parte menos accesible y poco audible del disco. De repente, esto llega a su fin, y una breve parte rockera nos adentra a lo que será el final del tema, una atmósfera hipnótica de melodías insistentes en los teclados y distorsiones de guitarra que definitivamente se regresan a la parte experimental, en donde más adelante el chelo vuelve a improvisar. Nuevamente, esto se detendrá y una sección de corte magníficamente armónico, más consistente en su estructura y de mayor fuerza en guitarra y batería, será la culminación definitiva de este temazo, y al mismo tiempo, de éste disco.

Tracks Listing

CD:

1. Vertiges (16:25)
2. A Last Drop (11:25)
3. Jack The Ripper (16:22)

Total Time 44:22

DVD:

Live at Rock In Opposition ? France Event, 2007

Electric Concert : Sunday, April 15

1. Jack The Ripper (16:01)
2. Ceux d'en Bas (suite) (12:46)
3. Promenade au Fond d'un Canal (26:14)

Two Pianos and Percussion: Saturday, April 14

4. Souls For Sale (24:14)
5. Vertiges (17:55)

Live at Gouveia Art Rock Festival ? Portugal, April 2006

6. The Limping Little Girl (12:43)
7. A Last Drop (11:36)
8. Vertiges (10:24)

Bonus archival videos

9. Present C.O.D. (7:27)
10. Present 94 (8:38)
11. Delusions At Orion (17:18)
12. Present 2001 in Wurzburg (6:39)

Total time: 173 minutes

Line-up / Musicians

-Roger Trigaux- guitars,keyboards
-Reginald Trigaux- guitar
-Pierre Chevalier- piano,keyboards
- Dave Kerman- drums,percussion
-Kieth Macksoud- bass
-Matthieu Safatly- cello
-Pierre Desassis- saxaphone
-Udi Koorman- sound
-Laurent Van Gorp- tube

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Implosi0n

Feliz Navidad!

SDV, la comunidad en español de Rock Progresivo les desea a todos nuestros amigos, usuarios, visitantes, seguidores, lectores, cooperadores y un largo etcétera, una muy feliz Navidad y un próspero año 2010 cargado de la mejor música.

Saludos afectuosos.

SDV

Rebekka - Phoenix

La década de los 80 no solo trajo la música disco. Afortunadamente hubo bandas en distintos lugares del planeta que apostaron por seguir entregando buena música. Es el caso de Rebekka, banda alemana, que con tan solo dos discos dejó una huella musical imborrable. Quizás tomando el legado ya en esa época de Renaissance, banda que por cierto parecía ser absorbida en la nueva década por la palabra “comercial”, Rebekka logra dar un nuevo aire a la combinación perfecta de folk y progresivo, con tonalidades y melodías tenues pero muy bien elaboradas. Su cantante, la fémina Marion Weldert, sin duda lega además el estilo y timbre de la gran Haslan (Renaissance), no con la intención de imitar según deduzco, ya que se las arregla junto a su banda para dar un sello propio. Pero desafortunadamente su apuesta creo no fue en el momento preciso, la época y los “consumidores” estaban expectantes con otros sonidos musicales, y la herencia de Haslan y compañía aún era fuerte como para aceptar el proyecto Rebekka. Es mi opinión, y tal vez por eso no le vimos más en escena ni le conocemos más material musical en estudio o en vivo.
Siete tracks para el primer álbum, Phoenix, donde las melodías dadas por la voz, a veces la flauta y en otras una dulce guitarra eléctrica o un saxofón, deleitan los oídos y los a veces casi once minutos de música se pasan sin preocuparnos de que vendrá. Un trabajo en ocasiones plenamente acústico con exquisito gusto por combinarlo con lo eléctrico y lo desafiante de un punteo de blues con un overdrive preciso para no espantar a los más delicados y para encantar a los que quieren un poco de saturación, como el caso del instrumental “Floating Down”. La mezcla del folk o del World music no está ausente y con delicadas intervenciones de instrumentos no comunes para el rock, escuchamos flautas de madera, instrumentos hindú y pasajes al estilo “ambient music” como en “Lotos”. Pero ojo que los ambientes son abruptamente interrumpidos por una generosa estampida de buen rock.
¿Te gusta Renaissance?, apuesta por Rebekka, no te defraudará.




Phoenix (1982)

1. Swan song
2. Lithphas
3. Odyssee
4. Phoenix
5. Iris (Imaginary Regards of an Irish Sea)
6. Floating Dawn
7. Lotos


Musicos


* Marion Weldert: Voz, tambora
* Peter Laubmeier: Teclados
* Hubert Schneider: Guitarra, flauta y tabla
* Joachim Szcheile: Bajo y guitarra 12 cuerdas
* Martin Scheneider-Weldert: Saxo
* Christoph Imler: Batería, Percusión

No olviden pasar por los comentarios!

Tanger - Mundos Paralelos (2008)

Tanger es un grupo argentino, nacido en 1995 y quienes ya tienen cuatro discos en su haber, hacen una música instrumental y ecléctica fusionando y combinando diversos estilos e influencias personales.
El nombre (Tanger sin tilde) deriva de lo que en castellano sería Tánger, ya que cita a la ciudad marroquí, y surgió como bautismo de urgencia, pero tiene otras referencias: "Sartori In Tangier" de King Crimson, y además como una cita al cuento "El Inmortal" de Borges.
Aclaro que para realizar este comentario sobre su álbum "Mundos Paralelos", he leído dos reviews para que me ayuden a entrar en tema: uno de César Mendoza para "La Caja de Música", y otro de Gustavo Bolasini para el programa de radio "El Retorno Del Gigante", pero sobretodo me he estado comunicando con el bajista y principal compositor del grupo, Luis Colucci, principalmente para no errar con los datos y temas técnicos. ¿Y porqué las ganas de hacer este comentario? y... simplemente porque estaba escuchando nuevamente el álbum y... me encanta!

Este es el cuarto álbum de este grupo, y continúan acentuando su propio estilo, que a su vez rememoran muchas otras cosas, ya sea explorando el rock, el jazz, o combinando estilos con algunas influencias del barroco (como la forma passacaglia), o sonatas clásicas, experimentando sobre la música folk y urbana (con aires de tangos y milongas pero en compases de 7/4, 5/4 o 15/8, que algunos comentaristas han definido bastante acertadamente como "fusionesco criollo"), aderezado con algunos sonidos sinfónicos y otros estilos.

He leído anteriormente algunos comentarios sobre el grupo, diciendo que parecen una mezcla entre King Crimson, Jethro Tull y Procol Harum, y ello seguramente por las referencias a King Crimson y a la permanente utilización de la flauta y la guitarra como dupla rítmica, aunque me parece que esa comparación no es del todo adecuada o completa, quizás sí para obtener cierta idea, pero de verdad el sonido del grupo es lo suficientemente original como para encasillarlos tan fácilmente.

Partamos desde la idea de que Mundos Paralelos no es un disco fácil, no creo que sea ésa la intención de la banda. Llegar a apreciarlo en todos sus matices requiere paciencia y disposición, este es un álbum hecho para ser escuchado con detenimiento y a cuyo juicio se debe llegar con un cierto conocimiento de causa.

Su sonido cristalino, claro, fresco, frippeado, contienen mucha fuerza desde las mismas composiciones, muy elaboradas y cuidadas por cierto, ofreciendo una gran calidad y complejidad en los arreglos, llenos de sutileza, ofreciendo constantemente suaves y emotivas melodías siempre cambiantes, con múltiples pasajes relajados y/o meditativos, y sin preocuparse por dar muestras de virtuosismo y / o pirotecnia instrumental (por mí, ni falta que hace).
Gracias a la limpieza del sonido podrán difrutar de los exquisitos toques y arreglos de batería, buenos jugueteos de la guitarra y una flauta siempre inquieta adornando todo el álbum.

La verdad es que, personalmente, el álbum me sorprendió, creo que no es un álbum para que lo pueda disfrutar todo el mundo, aunque derrocha buen gusto, musicalidad, destreza instrumental y magia compositiva, es lo suficientemente sofisticado para llegar a ser poético, inclasificable y vanguardista (por naturaleza y sin proponérselo), y eso generalmente no es muy bueno hablando en términos de éxito comercial, aunque a pesar de ello el grupo sigue estóicamente en pie, contra viento y marea, afortunadamente, luego de años de trabajo continuo.
Como ejemplo de lo comentado, remito a lo que expone Progarchives al hablar de este álbum:
"The real problem with this album is to categorize it, because the Jazz influences are more than obvious, but there's too much happening to limit them to a single sub-genre as Prog Fusion, so the word Eclectic describes them perfectly."
También se puede leer en Proggnosis:
"Instrumetal music, sometimes pretty heavy and dark, on other tracks kind of folk/prog or even flirting with jazz and Fusion.
On the first few tracks I'm somewhat reminded of Sweeden's Anglagaard and indirectly of King Crimson's Red era. With the prominence of flute in some of the music, seventies Steve Hackett comes to my mind. When the music is closer to Fusion, Quebec's Maneige could be a pretty good reference, although Tanger does not feature the same wide range of instruments."

Como verán, las referencias forman la imagen de que uno escuchará una ensalada informe, mezcla de tantos y tan variados estilos, pero cosa que se soluciona simplemente escuchando la música de Tanger, y disfrutarla sin tratar de catalogarla, ni estar preocupados en ello.

Paso ahora a una pequeña reseña de cada una de las canciones que componen este álbum:

- El álbum comienza con 'Ansiedad', tema que en un principio expone un clima suavemente oscuro, seguido luego por el guitarreo y juego de flautas bien al estilo Tanger, juego que casi no terminará hasta que culmine el disco, marcando un dinamismo general definido desde la dupla rítmica, y definiendo además la propia esencia de Tanger. En este primer tema es de destacar el desarrollo del trabajo de la guitarra, simplemente estupendo.

- Los sonidos urbanos, ya notables en el primer tema, son acentuados en 'Círculos Concéntricos', un muy buen logrado tema, bastante crimsoniano. Son también cada vez más acentuados los juegos entre la guitarra y la flauta, mientras la base rítmica se hace cada vez más sólida. El clima casi onírico da el enmarque necesario para el tema que da nombre al álbum.

- Una exquisita introducción de guitarra española abre 'Mundos Paralelos', y aquí cambia de registro: el tenor general de la pieza tiene un acento argentinesco. El aura desgarradoramente ensoñadora de esta hermosa canción hace desear que el tema no termine, el aire está lleno de melancolía y delicadeza, ante tanta finezas uno desea que éste sea uno de esos largos temas progresivos que exprimen a más no poder una buena idea, pero no es así, el tema es corto, como todos los demás, y nos quedaremos con las ganas de más...

- En el próximo tema, llamado 'Siete Pulsos', las sutilezas pueblan el universo de un mundo piazzollesco lleno de contrapuntos de bajo, guitarra, flauta y batería que hacen un sofisticado tango-milonga en 7/4, siendo a su vez más explosivo que los anteriores, con múltiples variaciones que podrán hacernos recordar a grandes intérpretes de los clásicos progresivos, pero reconociendo que estamos ante una obra decididamente original.

- 'El Castillo' será un tema más rockero, construido sobre un 9/4 up-tempo en que delicadamente se arman progresiones de acordes, que al mismo tiempo entretejen ricas melodías.

- El bajo será el encargado de realizar la apertura del próximo tema, el turno ahora será para el jazz-rock 'Metamorfosis', la guitarra se despachará a su gusto en sus dibujos permanentes, mientras los teclados y percusionas evocan un latin-jazz con atmósferas Weather Report.

- Una arquitectura compositiva más definida será la se aprecie en 'Dos Dimensiones', basada en un gran trabajo del bajo y batería, logrando nuevamente una línea melódica de música urbana.

- 'Insomnia' es un sofisticado y ágil rock muy a lo Tanger, una obra más cruda pero repleta de contrapuntos, arreglos y sutilezas, más algunos toques de jazz que ponen "picante" a ciertos adornos.

- Le sigue otro tema, llamado 'Marquesinas', que con un compás de 5/4 marca un ritmo netamente urbano, con paisajes de Buenos Aires y reminiscencias al gran Astor pero sin salir de las regiones más rockeras del grupo, mientras los libres juegos del flautista, excelente trabajo del bajo y solos frippeanos de guitarra, van enmarcando los últimos tramos del álbum.

- Por último, cierra el disco la crimsoniana y cálida 'Nova Lisboa' (original del disco debut), terminando la obra con una canción propia de una película, casi poéticamente cinematográfica.


Luego de escuchar el álbum releí las palabras de César Mendoza escritas para "La Caja de Música" y me parecieron muy acertadas:
"con cada nuevo disco, el grupo ha logrado incorporar ideas nuevas para reforzar las que han estado madurándo durante toda su trayectoria. Este camino de ascenso hacia un creciente vigor sonoro se sigue cumpliendo con "Mundos Paralelos", uno de los discos más hermosos de la vanguardia progresiva latinoamericana para este 2008."

Para terminar, cierro con una cita de Alejandro Ashley escrita en Tánger una tarde de marzo, referidas al famoso Festival de Jazz de Tánger más conocido como "Tanjazz", algo que (aparentemente) no tiene nada que ver con el grupo, pero que utilizo para cerrar poéticamente un review de un álbum fascinante:

"Saborea el néctar de una brisa cálida que al atardecer trae el dulce y fresco jazmín marroquí. Siente la brisa del agua que riega la tierra de fuego pasión."

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Lista de Temas:
1. Ansiedad
2. Círculos Concéntricos
3. Mundos Paralelos
4. Siete Pulsos
5. El Castillo
6. Metamorfosis
7. Dos Dimensiones
8. Insomnia
9. Marquesinas
10. Nova Lisboa [nueva versión]

Músicos:
- Luis Colucci: bajos, sintetizadores
- Eduardo Ferreira: guitarras eléctricas y acústicas
- Damián Lois: flauta, teclados y bongó en 6
- Ignacio Martínez: batería, percusión

Música invitada:
Florencia Genera (cello en 10)

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Moebius

Gazpacho - Tick Tock

“Somos una mezcla muy improbable de personas, no lo que esperarías ver en una banda. Por eso, pensamos que Gazpacho, la cual es realmente la sopa más bastarda (con vegetales mezclados, servida fría), era el nombre perfecto para nuestro grupo(...) Con Gazpacho te encuentras con una sorpresa, con algo inesperado, algo fuera de la norma, una contradicción positiva. Sentimos que esto describe muy bien a nuestra banda”

Con estas palabras Thomas Andersen, tecladista, programador y productor de Gazpacho, relata cómo la agrupación acuñó el nombre que los haría conocidos y aclamados en el mundo del rock progresivo y el art rock.

La historia de estos noruegos se remonta a mediados de la década de los noventa, fecha en la cual Jon-Arne Vilbo (guitarra) y Thomas Andersen, ambos amigos de infancia, comenzaron a incursionar en la música como miembros de la banda “Delerium”. Cuando ésta acabó, algunos años de separación demorarían el reencuentro de ambos músicos y su contacto con Jan-Henrik Ohme (voz), sucesos que condujeron a la primera formación de Gazpacho.

Todos los miembros de la banda fueron cercanos al fanclub virtual de Marillion, lo que llevó a Ohme a ser invitado a cantar un tema de esta banda al show “Swap the band” de la primera “Marillion Convention Weekend”. En dicha instancia llevaron consigo un EP llamado Get it While It´s Cold que repartieron gratuitamente, y que comenzó a difundir su música.

En Mayo de 2002 la banda entró a un concurso de canciones en “Make a Star” con su tema Sea of Tranquility y obtuvieron el primer lugar. Posteriormente, lo hicieron de nuevo con Nemo. Esto aumentó la ovación de su EP. A estas alturas, la agrupación contaba ya esporádicamente con el violinista Mikael Krømer, quien más tarde además se convertiría en productor de Gazpacho y se integraría definitivamente como un integrante estable.

En 2003 lanzan su primera placa, Bravo, la cual mezcla temas del EP con nuevas composiciones. Con esta primera incursión logran internacionalizarse y consolidarse como una nueva promesa en los círculos del art rock. La música de Gazpacho comienza a expandirse con su cualidad eminentemente nocturna, de una belleza casi femenina a ratos, cruzada por bellos e inteligentes arreglos y exquisitas texturas que crean atmósferas ricas y diversas. Los temas poderosos y extrovertidos son contados en sus discos, aunque poseen el mismo espíritu pasional, sensible y cuidado, sello identitario de su sonido.

Una gran oportunidad se presenta cuando son invitados a telonear a Marillion en su gira promocional de Marbles. Gracias a ello, muestran su trabajo en más de 11 países, habiendo previamente lanzado su segundo disco, When Earth Lets Go. En este período (2004-2005) Robert Risberget Johansen se une a la formación de la banda como baterista, y Kristian Torp como bajista.

Si con Night (2007) Gazpacho se hace respetar más que nunca por el público progresivo, creo que Tick Tock es una obra que sigue a la perfección los pasos de dicho disco conceptual, haciendo a la banda cada vez más imprescindible. Esta vez, el concepto elegido se basa en las experiencias relatadas por el escritor francés Antoine de Saint Exupéry en su libro Wind, Sand and Stars (1939). En 1935, el escritor y filósofo se encontraba volando junto a André Prévot en un Aeropostále, firma que más tarde evolucionaría en Air France. La incipiente tecnología provocaba accidentes a menudo, y tal fue la suerte de ambos hombres quienes en determinado momento del vuelo se estrellaron en medio del desierto del Sahara y sobrevivieron. Luego de una prolongada peregrinación por el desierto, ambos hombres vencieron a la adversidad y vivieron para contarlo, pero sin duda una experiencia como aquella marcó de manera definitiva el fecundo espíritu de Saint Exupéry, quien desarrolló una serie de ideas y reflexiones filosóficas a partir de las vivencias en el desierto profundo y de la idea de volar. Haciendo una metáfora de la relación del piloto con su avión, nuestro espíritu pareciera volar tan alto como nuestros cuerpos físicos lo permiten, sintiendo una fuerte nostalgia al mirar las estrellas, nuestro verdadero hogar. La idea central podría ser resumida como sigue:

“El viento del espíritu, proveniente de las estrellas, entra a la arena del cuerpo físico y la vida comienza nuevamente. En nuestra esencia más íntima, todos somos viento, arena y estrellas”

Hermoso, ¿No? Sin duda, tanto las letras como la música de Tick Tock hacen honor absoluto a dicha belleza. Y creo que conocer previamente un poco de la historia que inspira el disco, añade un gran valor agregado a su escucha, pues cambian las sensaciones, las imágenes, la vivencia que permite la música.

Desert Flight es un poderoso y vertiginoso comienzo, emulando la eufórica sensación de volar. Poderosos riffs, versos a mansalva, batería y bajo incansables y teclados exquisitos nos sumergen en el nuevo trabajo de Gazpacho. Casi al final de la composición, Kromer rompe la euforia anunciando con su violín el violento aterrizaje del avión, y así comienza The Walk, la interminable y fatigosa caminata por el desierto y su vastedad. La parte 1 es de una capacidad introspectiva tremenda, tocando fibras profundas y llevándonos con sus atmósferas a sentirnos realmente en el Sahara, bajo la atenta mirada del cielo estrellado. Ayudan a esta sensación el sonido emulando el silbido del viento, acompañado de guiños a música oriental. Nuevamente Kromer anuncia con su solo de violín un cambio. Comienza la segunda parte de la caminata, esta vez bajo el sol implacable. Cierra los ojos, está a tu alrededor, en todos lados, el ardiente manto de putrefacción. Ohme versa sobre las ganas de morir, de terminar con el suplicio con una certera bala en la cabeza, pero hay algo que impulsa a la vida, a caer y a ponerse de pie nuevamente, porque de todos modos, ¿No tenemos todos nuestro propio camino que seguir?...

Tick Tock va más profundo aún. El sonido del reloj emula el ritmo continuo de las pisadas en el desierto. Es increíble cuan hondo cala este tema…no hay lugar donde esconderse. Escuchas el trueno, el aire es más joven, el motor está frío, pero si tienes suerte, lo escuchas hablar. Está tu alma desnuda expuesta a la soledad del desierto. El tema intercala riffs, solemnes coros, y una diversidad de texturas deliciosa. La segunda parte de Tick Tock sigue la misma fórmula, con algunos momentos más voluptuosos y electrizantes, que se intercalan con pasajes puramente ambientales, casi new age, y en la parte 3 las letras nos hablan de cómo sin darnos cuenta saboteamos nuestra propia vida, cubriéndonos de mentiras y necesidades creadas artificialmente, pero la verdad, la esencia, jamás desaparece, y aunque permanezca sepultada bajo un manto de artificialidad, es una fuerza que gobierna nuestra vida y nuestras decisiones.

Winter is Never cierra el disco como un precioso arrullo luego de una experiencia tan cercana a la muerte como lo es la violencia del alma expuesta bajo la luz inefable de la verdad. Es el regreso a casa, sentir nuevamente las manos del ser amado, pero con una nitidez diferente, viendo su cara bañada por una luz exangüe. Es una sensible manera de demostrar que, para el ser humano en su esencia más íntima, no existe el invierno, pues el espíritu tiende a la belleza, a la creación, al orden y a la luz. Una canción que se aleja lentamente en el horizonte, extendiendo con elegancia sus alas blancas, estremeciéndonos, y haciéndonos agradecer a Gazpacho por una creación como esta, que no necesita de grandes complejidades para tocar las alturas.

Composiciones

1 Desert Flight (7:39)
2 The Walk (13:41)
3 Tick Tock (22:24)
4 Winter Is Never (4:55)

Tiempo Total: 48:39

Formación/ Músicos

- Thomas Andersen / piano & keyboards
- Jon-Arne Vilbo / guitar
- Kristian Torp / bass
- Mikael Kromer / guitar & violin
- Robert R. Johansen / drums
- Jan-Henrik Ohme / vocals

Espero les guste

Saludos!

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Usul

Steve Reich - Piano Phase (por Peter Aidu 2006)

Estoy muy emocionado luego de haber adquirido esta obra, de uno de mis compositores contemporáneos favoritos. Steve Reich, precursor de aquel confuso movimiento llamado "minimalismo", es un músico estadounidense nacido en 1936, cuya vida es un reflejo del siglo que lo vio crecer. Estudió piano desde pequeño...oyendo grabaciones de piezas famosas, sin leerlas, y escuchando junto con Haydn y Bartók el naciente jazz, y diferentes músicas populares. Ya en su formación profesional, estudió el serialismo bajo la tutela de Luciano Berio, pero sus intereses iban por el ritmo, y por revindicar la tan maltratada tonalidad.

Experimenta con la vanguardia electrónica, tratamientos de cintas, música concreta, al mismo tiempo que disfruta del rock progresivo de King Crimson o del jazz de Pat Metheny (para quien compuso "Electronic counterpoint"). Un compositor notable, memorable, que se mantiene vigente, y cuyo aporte abrió nuevos horizontes a la música, al disfrute del evento sonoro mismo.

La obra que les presento, fue compuesta en 1967, basándose en sus experiencias con tratamientos de cinta, en donde pudo manipular la fase (http://www.audiomidilab.com/showArticle.jsp?idx=253) de distintos instrumentos. Piano Phase es una pieza para dos pianos, en donde un primer intérprete ejecuta un tema corto, a base de intervalos consonantes (quintas, cuartas, ocatavas) que se repite una y otra vez. Al cabo de unos segundos, ya lo hemos memorizado, y podemos oir la segunda voz que entra al unísono, duplicando su volumen, sin embargo, la segunda voz experimenta un paulatino, lento, pero sobre todo, preciso aumento en el tiempo de ejecución, que con el paso de los compases nos produce el efecto análogo del tratamiento de la fase por medios electrónicos. Llega el punto en que una voz alcanza a la otra, generándose un nuevo unísono, el que se repite tres veces, para dar paso a la segunda parte, en donde el mismo segmento se acorta sucesivamente, manteniendo el efecto sonoro ya descrito.
En el año 2006, el joven pianista ruso Peter Aidu, en una arriesgada maniobra, interpreta esta pieza ¡él solo!. En una ejecución impecable, él sentado entre dos pianos nos ofrece una interpretación de una obra que, créanme, es de extrema dificultad, aún para dos pianistas, y estamos hablando de músicos que por lo menos llevan 15 años de estudio sistemático, pero Aidu logra salir airoso, y darnos una muy buena audición de una pieza que traslada las experiencias electroacústicas a un instrumento tradicional como el piano.



Sólo les puedo decir que busquen esta maravilla, una experiencia sonora abismante, sublime, que nos traslada a lugares de nuestras mentes que no estamos habituados a visitar, no se arrepentiran

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Christean

Godspeed You! Black Emperor

Se trata de una banda canadiense de post rock. Antes eran conocidos como Godspeed You Black Emperor! Tomaron su nombre de un oscuro documental japonés en blanco y negro de 1976 dirigido por Mitsuo Yanamigachi que trata las fechorías de una banda de moteros japoneses, los Emperadores Negros.

Sus influencias se encuentran desde el rock progresivo al punk, pasando por la música clásica y el avant-garde. Sus discos suelen consistir en pocas canciones de larga duración (la mayoría entre 10 y 20 minutos). Cuando el grupo se conformó, en un momento llegó a tener unos 15 integrantes pero luego este se redujo a 9. La música de algunos de sus discos se acompaña de muestras habladas grabadas por la banda a lo largo de toda Norteamérica, incluyendo un predicador callejero en Providence, Rhode Island, un anuncio en una gasolinera y un grupo de niños hablando y cantando en francés.

Sacaron la versión en CD de sus dos primeros discos en la discográfica Kranky habiendo publicado los LPs con Constellation Records. Una vez finalizó el contrato con Kranky, Constellation pasó a encargarse de las versiones tanto en CD como en LP de su último trabajo hasta la fecha, Yanqui U.X.O.


Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven (2000)



Valorado como el mejor trabajo de la banda, éste álbum instrumental y experimental es toda una rareza de la música moderna, y en su transcurso nos encontramos incluso con un discurso sampleado sobre el pasado y la civilización. Está conformado por tan sólo cuatro temas, todos por arriba de los dieciocho minutos, sin momentos flojos, huecos o de discontinuidad. Es importante mencionar que es poco válido y hasta injusto hablar tan sólo de post rock, pues va mucho más allá y el uso de los instrumentos clásicos y las emociones que provocan las bellas composiciones lo dotan de un acercamiento directo al avant prog o avant garde.

Por otro lado, la dura complejidad –sobre todo compositivamente—de los cuatro temas lo elevan muy por encima de otras bandas del mencionado género. Lift Your Skinny Fists… está lleno de contrastes musicales, por momentos predomina más el lado sinfónico de la banda, apoyado en el violín y chelo; pero luego llegan ocasiones en que se aumenta la intensidad y rapidez de los temas; donde la guitarra y batería empiezan a cobrar vitalidad y mayor participación. Por otro lado, la banda no deja de explorar en ningún momento el aspecto electrónico y moderno que los caracteriza, con extraños efectos sonoros y algunas distorsiones, manejados siempre de manera inteligente, oportuna y no exagerada. La complementación de las atmósferas tranquilas, ambientales y sinfónicas es posible gracias a los pasajes más enérgicos y veloces, como es muy notable en "Static".

En general, es un álbum bastante emotivo, original y complejo en toda su ejecución, probablemente más que en sus otros trabajos, y eso es lo que a final de cuentas hace que ésta gran obra sea única y siga sorprendiendo a todo aquel que la escucha.

Track List

Disk 1:
1. Storm (22:32):
(i) Lift Yr. Skinny Fists, Like Antennas To Heaven.; (ii) Gathering Strom; (iii) "Welcome To The Barco am/pm..." (L.A.X. 5/14/00); (iv) Cancer Towers On Holy Road Hi-Way
2. Static (22:36)
(i) Terrible Canyons Of Static; (ii) Atomic Clock; (iii) Chart #3; (iv) World Police And Friendly Fire; (v) (...+ The Buildings They Are Sleeping Now)

Disk 2:
3. Sleep (23:17)
(i) Murray Ostril: "...They Don't Sleep Anymore On The Beach"; (ii) Monheim; (iii) Broken Windows, Locks Of Love Pt. III/3rd Part
4. Antennas To Heaven (18:58)
(i) Moya Sings "Baby-O"; (ii) Edgyswingsetacid; (iii) (Glockenspiel Duet Recorded On A Campsite In Rhinebeck, NY); (iv) "Attention... Mon Ami... Fa-Lala-Lala-La-La... (55 St. Laurent); (v) She Dreamt She Was A Bulldozer, She Dreamt She Was Alone In An Empty Field; (vi) Deathkamp Drone; (vii) (Antennas To Heaven.)

Line-up

Efrim Menuck - guitar, keyboards
David Bryant - guitar, tapes
Mauro Pezzente - bass guitar
Thierry Amar - bass guitar
Aidan Girt - drums, percussion
Bruce Cawdron - drums, percussion, keyboards
Sophie Trudeau - violin, film production
Norsola Johnson - cello
James Chau - keyboards, harpsichord, guitar

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